Toy Story 1995

De quoi ça parle ?

Quand Andy quitte sa chambre, ses jouets se mettent à mener leur propre vie sous la houlette du cowboy Woody. Débarque alors Buzz l'éclair, intrépide aventurier de l'espace venu d'une lointaine galaxie, qui va semer la zizanie dans ce petit monde.

La naissance du film

Rares sont les films qui peuvent se vanter d’avoir participé à écrire l’Histoire du cinéma. Dans le domaine de l’animation, ils se comptent même sur les doigts de la main (et encore, n'oublions pas que celle de Mickey Mouse n’en a que quatre). Mais en tant que tout premier long métrage réalisé en images de synthèse, "Toy Story" rentre indéniablement dans cette catégorie. Au début de l’année 1996, alors que le fruit de la première collaboration entre les génies Pixar et les vétérans Disney débarque sur les écrans, le petit monde de l’animation se retrouve changé à jamais.

Mais les jouets de John Lasseter reviennent de loin, et il aura fallu attendre plusieurs années pour que Woody et Buzz puissent enfin sortir de leur coffre. Leur histoire commence en 1991, alors que les premiers courts métrages des studios Pixar, qui en sont encore à faire leurs premiers pas, émerveillent le monde entier. Le bruit de leur succès monte jusqu’aux grandes oreilles des studios Disney, qui décident de confier à Lasseter la réalisation de trois longs métrages exclusivement réalisés par ordinateur.

Pixar décide d’ouvrir le feu en reprenant la trame de "Tin Toy", l’un de leurs premiers courts métrages dans lequel un jouet tentait d’échapper à un bébé. Ne perdant pas de vue ses convictions, et notamment le fait que l’ingrédient principal d’un bon film est obligatoirement une bonne histoire, Lasseter ne se ménage pas pour élaborer celle de "Toy Story". En commençant par se demander ce que les jouets penseraient s’ils étaient vivants, il finit par mettre au point une histoire de rivalité entre Woody, un vieux cow-boy articulé, jouet fétiche d’un jeune garçon, et Buzz, un nouvel arrivant bourré de gadgets.

Mais bien vite, les studios de l’Oncle Walt, dirigés à l’époque par l'impétueux Jeffrey Katzenberg, se permettent d’imposer leurs conditions au premier projet Pixar, obligeant les artistes à changer le nom du film, et à modifier tel ou tel élément du scénario. A coups de mémos intempestifs, le script du long métrage est ainsi complètement dénaturé pour cibler un public plus "adulte".

Tout finit par basculer lors d’une réunion au sommet, lorsque Lasseter et son équipe viennent présenter à Disney leurs premières ébauches, qui s’avèrent être catastrophiques. En suivant à la lettre les instructions de Katzenberg, l’équipe du film se rend soudain compte qu’elle s’est tiré une balle dans le pied, et que leurs personnages sont désormais antipathiques au possible, à des kilomètres de ce qu’ils souhaitaient faire au départ.

Il est désormais trop tard pour virer de bord, et Disney s’apprête à reprendre la main sur la production du film, quand John Lasseter parvient à négocier deux semaines supplémentaires. Utilisant ses vacances de Noël, réunissant son commando d’élite (Andrew Stanton, Pete Docter et Joe Ranft), Lasseter décide alors de jeter tous les mémos envoyés par Disney, et de faire son film "façon Pixar". Deux semaines plus tard, il présente à Katzenberg l’une des premières scènes du long métrage, dans laquelle Buzz l’Eclair vole à travers la chambre d’Andy. Sidérés par la qualité de la séquence, les studios Disney redonnent alors immédiatement les manettes à Pixar.

Les mois passent, et alors que Jeffrey Katzenberg donne sa démission et quitte Disney pour aller fonder les studios Dreamworks, John Lasseter et son équipe donnent le dernier coup de pinceau à leur premier chef-d’œuvre. Incarnés par les célèbres Tom Hanks et Tim Allen en version originale, Woody et Buzz sont enfin prêts à rencontrer leur public.

Dès son largage dans les salles, "Toy Story" fait l’effet d’une bombe atomique : véritable succès au box-office qui va jusqu’à surpasser sa grande sœur de chez Disney, "Pocahontas", le film enflamme les spectateurs, qui n’ont tout simplement jamais vu ça de leur vie ! La critique, abasourdie, ne peut que se lever pour applaudir. L’Académie des Oscars, quant à elle, ne se prive pas d’offrir à John Lasseter une statuette spéciale, pour la réalisation du premier film exclusivement en images de synthèse. A peine arrivés sur la scène, voilà les studios Pixar partis vers l’infini, et bien, bien au-delà…

Le saviez-vous ?

• Joss Whedon, qui a participé à l’écriture du scénario, voulait initialement faire intervenir Barbie, la célèbre poupée, à la fin du film. L’idée était de la faire arriver en tenue militaire, telle Sarah Connor dans "Terminator 2", pour sauver Woody et Buzz. Suite à un refus de la part de Mattel, l’idée fut mise de côté, et Barbie s’est vue obligée de patienter jusqu’à la sortie de "Toy Story " pour rejoindre l’équipe des jouets Pixar.
• En arrivant à la station-service Dinoco, alors que le livreur de Pizza Planet demande son chemin, il veut notamment savoir où l’on peut trouver le West Cutting Boulevard. Il s'agit de l'adresse à laquelle se situaient les studios Pixar à l’époque où "Toy Story" était en création.
• Le numéro d'immatriculation de la voiture d'Andy est A113. Ce code correspond à une salle de classe que fréquentaient John Lasseter et ses anciens camarades (Brad Bird, Tim Burton, Henry Selick...) à l'université CalArts, une école d’arts fondée par Walt Disney, qui peut ainsi se vanter de compter parmi ses anciens élèves de grands noms du monde de l’animation. John Lasseter a tenu à glisser une référence à la classe A113 dans chacun des films Pixar.
• Pour simuler les mouvements des petits soldats dans le film, plusieurs animateurs ont eu l’idée de fixer leurs chaussures sur des planches en bois, pour ensuite tenter de se déplacer avec.
• Pour créer Woody et Buzz, John Lasseter s’est inspiré de ses propres jouets d’enfance. Woody correspond ainsi à un cow-boy que le réalisateur possédait. Buzz, quant à lui, a été conçu à partir d’un G.I. Joe (un jouet très populaire lorsque Lasseter était enfant).
• Sid, le cruel enfant qui martyrise les jouets dans le film, aurait été inspiré aux animateurs par un ancien employé de chez Pixar, qui avait la particularité de démonter des jouets et de les combiner pour en faire des créations hybrides.
• Sur une étagère de la chambre d’Andy, on peut apercevoir plusieurs livres qui portent les noms des premiers courts métrages Pixar : "Les Aventures d'André et Wally B. ", "Knick Knack", "Red's Dream" et "Tin Toy". Ce dernier livre aurait d’ailleurs apparemment été écrit par un certain Lasseter.
• Le prénom de Buzz l’Eclair a été inspiré aux artistes du film par le célèbre cosmonaute Buzz Aldrin. Celui de Woody s’inspire d’un acteur fétiche des westerns de John Ford, Woody Strode.

1001 pattes 1998

De quoi ça parle ?

Tilt, fourmi tête en l'air, détruit par inadvertance la récolte de la saison. Cette bévue rend rendre fou de rage le Borgne et sa bande de sauterelles. Tilt décide alors de quitter l'île pour recruter des mercenaires capables de chasser le Borgne...

La naissance du film

Le seul problème lorsque l’on sort un chef-d’œuvre, c’est que l’on est condamné à faire mieux dès le prochain film. Pour marcher dans les traces des jouets Woody et Buzz, désormais stars internationales, les studios Pixar jettent leur dévolu sur une colonie de fourmis, et partent à la conquête du monde des insectes avec "1001 Pattes".

Car dès les premières semaines qui suivent leur récent succès, le petit monde des studios à la lampe de bureau s’agite à nouveau et doit gérer bien des bouleversements. En effet, en moins de temps qu’il n’en faut pour le dire, la petite compagnie monte en bourse. Les studios Disney proposent à John Lasseter et à son équipe un nouvel accord, qui porte cette fois sur la réalisation de cinq longs métrages, au lieu des trois initiaux. L’affaire est entendue, mais si les deux parties sont d’accord pour se partager les gains de façon équitable, Disney garde tous les droits sur les personnages des films Pixar.

Cette modalité n’a toutefois aucune incidence sur le futur immédiat des studios de Lasseter, qui se mettent à l’ouvrage pour sortir dans les temps le premier long métrage de leur nouveau contrat. Reste à choisir le thème de ce dernier, et les artistes de Pixar, qui ont de l’imagination à revendre (et qui ont désormais la possibilité de le faire), ont plus d’une idée sur la question.

En effet, pendant la production de "Toy Story", John Lasseter avait réuni ses plus fidèles partenaires Pete Docter, Andrew Stanton et Joe Ranft le temps d’un dîner au restaurant. A coups de crayons sur nappe en papier, chacun lançant ses idées avec enthousiasme, les animateurs avaient ainsi pu conceptualiser les trames de leurs cinq prochains projets. Ils reprennent alors la première de ces idées, à savoir un croisement entre "La cigale et la fourmi" de Jean de La Fontaine, et "Les Sept Samouraïs" d’Akira Kurosawa.

Mais qui dit nouvel univers, dit aussi nouvelles difficultés. Et le monde des insectes apporte aux artistes de Pixar son lot de défis. Se réinventant sans cesse, les animateurs mettent ainsi au point un ingénieux procédé appelé "Bug-Cam" : fixée sur des roues en Lego, une caméra miniature est envoyée dans les jardins du studio pour récolter des images du point de vue d’un insecte.

Plusieurs mois de travail acharné plus tard, le film est dévoilé au public. Malgré une guerre ouverte avec "Fourmiz", le premier film en images de synthèse des studios Dreamworks (orchestré par Jeffrey Katzenberg), "1001 Pattes" est un véritable succès et égale pratiquement les excellentes performances de "Toy Story". La critique, elle aussi, est positive, et vient saluer sans retenue le nouveau bond en avant des studios Pixar.

Le saviez-vous ?

• Dans le film, le cirque d’insectes de Lilipuce se déplace au moyen d’une boîte de céréales. Cette boîte arbore la marque "Casey Jr.", qui est également le nom du train qui transporte le cirque de "Dumbo". On peut y voir un clin d’œil de John Lasseter à son film préféré.
• On peut retrouver dans le générique de "1001 Pattes" plusieurs références à "Toy Story", le précédent long métrage des studios Pixar. Lors d’un faux bêtisier, on peut ainsi voir Woody le cow-boy activer un clap, et Tilt, le héros du film, s’exclamer : "Vers l’infini et au-delà !"
• Comme dans tous les films Pixar, la camionnette de Pizza Planet fait une apparition dans "1001 Pattes", juste à côté de la vieille caravane qui sert de ville aux insectes.
• Dans la scène de la caravane, d’ailleurs, on peut assister à la mort d’un moustique qui, malgré les mises en garde de son ami, va terminer grillé sur une ampoule. Dans la version originale, ces deux moustiques sont doublés par les réalisateurs John Lasseter et Andrew Stanton.
• Certains des mouvements effectués par Le Borgne, la méchante sauterelle du film, ont été inspirés aux animateurs par ceux de Steve Jobs, le célèbre fondateur d’Apple et directeur des studios Pixar.
• "1001 Pattes" est le premier film Pixar à être précédé d’un court métrage ("Le Joueur d'échecs") avant sa projection en salles. Devant l’enthousiasme du public, cette idée s’est rapidement transformée en coutume pour les studios, qui diffusent aujourd’hui un court métrage avant chacun de leurs films.
• Devant le succès du film, une attraction aux couleurs de "1001 Pattes", et intitulée "It’s tough to be a bug" ("Dur d’être un insecte") a été créée dans le parc Animal Kingdom de Walt Disney World en Floride.

Toy Story 2 1999

De quoi ça parle ?

Kidnappé par un collectionneur sans scrupules, Woody va découvrir qu'il fut jadis une vraie star. Il va alors être confronté à la décision la plus importante de sa vie : rentrer chez lui pour retrouver Andy ou rester et devenir une pièce de musée.

La naissance du film

Après son travail de fourmi sur "1001 Pattes", le temps est désormais venu pour John Lasseter de souffler un peu, et de prendre quelques vacances avec sa famille, après avoir été contraint de consacrer tout son temps aux productions en chaîne de ses récents projets. Mais, à peine sorti des studios, il se voit obligé de remettre à plus tard ses congés et se retrouve immédiatement rappelé au front. Sa mission, s'il l'accepte : sauver l’honneur de Woody et Buzz, ses personnages fétiches.

Pour comprendre de quoi il s’agit réellement, il convient de remonter un peu le temps et de revenir au moment de la production de "1001 Pattes". A cette période-là, les exploits des jouets de "Toy Story" à travers le monde ne laissent pas le choix à Disney : il faut réaliser une suite aux aventures de Woody et Buzz. "Toy Story 2" est donc immédiatement mis en chantier, imaginé dans un premier temps comme un projet à faible budget, et conçu pour sortir directement en vidéo.

Ne supportant pas de voir malmenés de la sorte les héros de son premier film, John Lasseter marque tout de suite son désaccord, et entre dans une altercation avec Michael Eisner, dirigeant des studios Disney. A force de négociations, il finit par obtenir gain de cause et se voit alors chargé d’écrire lui-même le scénario du film. Son idée, il la trouve lorsque son jeune fils s’introduit dans son bureau pour jouer avec une réplique de Woody dédicacée par Tom Hanks. Interdisant à son enfant de s’amuser avec, il se rend compte que le jouet a alors perdu sa première vocation. Il ne lui en faut pas plus pour imaginer ce que Woody deviendrait, transformé en objet de collection.

Une fois terminé, le script est plus que convaincant, et Disney accepte même que le film sorte en salles. Mais le gros des équipes de Pixar, monopolisée par la réalisation de "1001 Pattes", n’a pas le temps de se consacrer à ce nouveau projet. "Toy Story 2" est donc confié à des animateurs débutants, et à l’heure du contrôle, le bilan est désastreux.

C’est à ce moment-là que John Lasseter décide de reporter ses vacances, pour venir redorer le blason de Buzz et de Woody. Constituant une équipe d’élite (comme quoi, l’Histoire se répète), il reprend le projet du tout début et se lance alors dans une course contre la montre pour pouvoir sortir le film dans les délais imposés par Disney.

Le pari est tenu et Pixar, une fois encore, donne naissance à un chef-d’œuvre. "Toy Story 2" est considéré comme l’une des rarissimes suites à surpasser l’original. La qualité de l’animation, qui n’a plus rien à voir avec celle du premier opus, déchaine une nouvelle fois foules et critiques. Mais si "Toy Story 2" participe à son tour à asseoir la suprématie Pixar sur le monde de l’animation, il est également le film qui déterre la hache de guerre entre la petite lampe de bureau et les studios aux grandes oreilles. (Une affaire à suivre…)

Le saviez-vous ?

• Au milieu du film, le réparateur de jouets qui vient remettre Woody à neuf a un visage qui ne devrait pas être inconnu aux fans des studios Pixar. Il s’agit en effet du "Joueur d'échecs" que l’on pouvait voir dans le court métrage du même nom, diffusé en première partie de "1001 Pattes".
• Au début du film, lorsque Buzz saute sur plusieurs dalles suspendues au-dessus du vide, on peut entendre le célèbre thème de "2001 : l'odyssée de l'espace".
• Alors que les jouets zappent de chaîne en chaîne en regardant la télévision, on peut subrepticement apercevoir à l’écran de très brefs extraits des premiers courts métrages Pixar.
• De nombreuses références à la saga "Star Wars" sont dissimulées un peu partout dans le film. Outre le fait que le méchant Zurg annonce à Buzz (façon Vador) qu’il est en fait son père, on peut entendre, entre autres, le bruit d’un pistolet de stormtrooper lorsque le ranger de l’espace tire sur une caméra, et celui d’un sabre laser lorsqu’il passe sa main à travers un hologramme. A ce propos, n’oublions pas que le premier employeur des studios Pixar n’est autre que Georges Lucas !
• "Toy Story 2" réserve également un clin d’œil au "Jurassic Park" de Steven Spielberg, en reprenant un plan bien connu du film dans le magasin de jouets, lorsqu’on voit Rex courir après la voiture dans le rétroviseur.
• Lorsque les amis de Woody prévoient d’aller chercher ce dernier au magasin de jouets, l’ardoise magique dessine un plan de la ville sur son écran. Selon cette carte, le magasin se trouverait au 1001 West Cutting Boulevard, ce qui correspond à l’adresse exacte des studios Pixar au moment de la production du film.
• Durant la scène finale de l’aéroport, on peut entendre une annonce pour le vol A113 de la compagnie Lasset Air. Il s’agit bien évidemment d’un clin d’œil au réalisateur du film, John Lasseter, ainsi qu’à sa salle de classe fétiche à l’école CalArts, la fameuse A113.
• Parmi les nombreux jouets du magasin tenu par Al, les plus attentifs pourront remarquer plusieurs produits dérivés du film "1001 Pattes".

Monster & Cie 2001

De quoi ça parle ?

Durant la nuit, de drôles de monstres terrifient les enfants et récoltent leurs cris pour en faire leur principale source d'énergie. Mais Sulli, l'un d'entre eux, permet sans le vouloir à Bouh, une petite fille, de pénétrer dans leur monde.

La naissance du film

En 2000, après le deuxième succès retentissant de leurs jouets superstars, le soleil semble briller plus que jamais sur l’horizon Pixar. Alors que le monde est à l’aube d’un nouveau millénaire, une nouvelle ère commence aussi pour les studios de John Lasseter, qui fêtent leur 15ème anniversaire, et qui déménagent dans leurs nouveaux locaux (beaucoup plus spacieux) d’Emeryville. Et à nouveaux bureaux, nouveaux projets : les artistes de chez Pixar ont désormais la possibilité de réaliser un film par an, et ont bien l’intention de s’y tenir !

Le premier de ces nouveaux projets, déjà amorcé avant le déménagement des équipes, a été confié au vétéran Pete Docter, véritable bras droit de John Lasseter. Le jeune animateur compte bien se montrer à la hauteur de ce dernier, et lui permettre de prendre en toute tranquillité des vacances bien méritées (car révolutionner le monde de l’animation en réalisant coup sur coup trois longs métrages, ça a tendance à fatiguer...).

"Que se passerait-il si les jouets prenaient vie ?" et "A quoi ressemblerait le monde du point de vue d’une fourmi ?", s’était successivement demandé John Lasseter. Pour succéder aux jouets de "Toy Story" et aux insectes de "1001 Pattes", Pete Docter bâtit lui aussi son histoire sur une simple question. "Et si il y avait vraiment un monstre caché la nuit dans l’armoire d’une chambre d’enfant ?". Partant de cette idée, il imagine alors un monde dans lequel les monstres se nourriraient des cris des enfants.

Défiant encore une fois les limites de la technologie pour créer les innombrables décors de "Monstres & Cie", inventant un tout nouveau programme informatique pour animer les quelques millions de poils de l’attachant Sulli, les magiciens des studios Pixar parviennent une fois de plus à sidérer le monde entier. Maniant l’émotion avec un génie sans cesse grandissant, la petite lampe de bureau pulvérise ses propres records au box-office.

Mais malgré les bonnes critiques obtenues par le film, la seule ombre au tableau vient de la Cérémonie des Oscars où, en 2002, la catégorie Meilleur Film d’Animation apparait pour la première fois. Coiffant au poteau les monstres de Pixar, c’est le non moins célèbre "Shrek", de Dreamworks, qui s’empare de la statuette. La rivalité entre les deux studios, qui ne date pas d’hier, n’est malheureusement pas prête de s’arrêter…

Le saviez-vous ?

• A la fin du film, dans la chambre de Bouh, la petite fille tend plusieurs de ses jouets à Sulli. Parmi ces objets, on peut ainsi remarquer un ballon apparaissant dans les premiers courts métrages Pixar, une poupée Jesse (en référence à "Toy Story 2"), et enfin un petit poisson orange. Il s’agit de la première apparition à l’écran de Nemo, le jeune héros du prochain long métrage Pixar, alors en production. Depuis, l’habitude de glisser dans leurs films un indice sur leur prochain projet s’est transformée en coutume pour les studios Pixar.
• En voyageant de porte en porte à la fin du film, Léon, le méchant caméléon, se retrouve un instant dans une caravane, qui n’est autre que celle qui figure dans "1001 Pattes". La camionnette Pizza Planet, garée juste à côté, n’a d’ailleurs pas bougé d’un pouce.
• Dans le film, Bob et Célia se retrouvent dans un restaurant appelé le Harryhausen. Il s’agit d’un hommage à l’un des grands noms de l’animation en volume (ou stop-motion), Ray Harryhausen, à qui l’on doit notamment les effets spéciaux et les créatures de "Jason et les Argonautes".
• On peut apercevoir au beau milieu de Monstropolis un restaurant nommé le Hidden Cafe. Cet établissement existe bel et bien à San Francisco, et a même longtemps été une sorte de QG pour les animateurs Pixar, qui s’y retrouvaient pour discuter de leurs projets. C’est d’ailleurs dans ce restaurant que sont nés des projets tels que "WALL·E", "Le Monde de Nemo" et… "Monstres & Cie".
• Vous vous êtes toujours demandé quel était le véritable nom de la petite Bouh ? Facile ! Il s’agit de Mary. C’est en tout cas ainsi qu’elle semble avoir signé les dessins qui sont affichés sur les murs de sa chambre. Ce choix de la part des animateurs peut être vu comme un hommage à Mary Gibbs, la (très) jeune actrice qui double Bouh.
• A l’origine, le protagoniste du film n’était pas Sulli mais George Sanderson, le monstre orange qui se fait arrêter à plusieurs reprises pas les autorités de Monstropolis pour être "décontaminé". Dans le scénario original, George Sanderson était un monstre incapable de faire peur à qui que ce soit, jusqu’à ce qu’il rencontre une petite fille qui lui enseigne comment être effrayant.
• Au moment du doublage de la petite Bouh, les artistes du film n’ont pas réussi à faire tenir en place la jeune Mary Gibbs, qui devait prêter sa voix au personnage. Ils ont donc pris le parti de la suivre là où elle souhaitait aller, équipés d’un micro.

Le Monde de Némo 2003

De quoi ça parle ?

Nemo, un jeune poisson-clown, s'égare de son récif de corail et se perd dans le vaste océan. Son père Marin part à sa recherche et affronte divers dangers pour le retrouver.

La naissance du film

Après avoir donné à Pete Docter l’occasion de faire rugir ses monstres, John Lasseter se tourne à présent vers son deuxième disciple aux studios Pixar. C’est ainsi à Andrew Stanton, l’un des animateurs-piliers des studios de la petite lampe, que revient l’insigne honneur de réaliser le cinquième long métrage de la compagnie.

Et lorsque le jour est venu pour lui de prendre les commandes, Stanton est déjà dans les starting-blocks, car il médite son projet depuis de nombreuses années. Pour lui, cela ne fait pas l’ombre d’un doute : après s’être consacrés aux jouets, aux insectes et aux monstres, il est plus que temps pour Pixar d’emmener son public dans les fonds sous-marins.

En effet, la fascination de Stanton pour le monde aquatique ne date pas d’hier. C’est ainsi qu’il se souvient que, durant son enfance, il se faisait une joie d’aller chez le dentiste pour y observer les poissons, qu’il imaginait déjà en train de chercher un plan pour rejoindre l’océan. Son idée de transposer ce monde dans un long métrage d’animation date d’un voyage en famille dans un parc d’attraction aquatique, peu après la naissance de son fils, et du traditionnel passage dans le "couloir des requins". Il a alors la conviction que cet univers est taillé pour donner naissance à un film Pixar.

Quelques années plus tard, alors qu’il se surprend à surprotéger son fils lors d’une promenade, il élabore la relation entre Marin et Nemo. Il ne lui en faut pas beaucoup plus pour boucler le scénario de son "projet sous-marin", ce à quoi il s’adonne pendant la production de "1001 Pattes". Reste à convaincre John Lasseter ! Après avoir longuement exposé ses idées au grand manitou du studio, Stanton se tourne vers ce dernier pour lui demander son avis. Lorsque Lasseter répond qu’il avait été convaincu dès lors que le mot "poisson" avait été prononcé, le projet est lancé, et Pixar entame son immersion dans les profondeurs du "Monde de Nemo".

Pour se préparer à leur nouveau voyage, les artistes du film commencent par se plonger dans l’univers des fonds marins, et dans les eaux tropicales de la grande barrière de corail (littéralement d’ailleurs, car ils n’hésitent pas à prendre des cours de plongée sous-marine pour aller explorer les décors du "Monde de Nemo" grandeur nature). L’installation d’un grand aquarium dans les studios Pixar, des cours d’ichtyologie pour les animateurs : tous les moyens sont bons pour livrer au public un nouveau chef-d’œuvre !

Et cette fois encore, le résultat dépasse les espérances. A sa sortie, "Le Monde de Nemo" ne pulvérise pas seulement les records de recettes de tous les films Pixar. Il devient tout simplement le plus grand succès de l’Histoire de l’animation, et vole ainsi la couronne du "Roi Lion". Comme d’habitude, la critique applaudit des deux mains et cette fois-ci, les Oscars sont également au rendez-vous. Pixar obtient donc avec "Le Monde de Nemo" sa première statuette pour le meilleur film d’animation. En cinq longs métrages, les studios de John Lasseter ont réussi l’impossible : se hisser au sommet du monde de l’animation. Une position qu’ils ne cesseront de confirmer au fil des années.

Le saviez-vous ?

• Le requin qui croise le chemin de Marin et de Dory dans le film s’appelle Bruce. Il s’agit d’un clin d’œil aux "Dents de la Mer" de Steven Spielberg. En effet, durant le tournage de son film, le cinéaste avait surnommé ainsi sa créature.
• Même si "Le Monde de Nemo" incite plutôt les spectateurs à laisser les poissons vivre en liberté, les ventes de poissons-clowns ont explosé dans les animaleries après la sortie du film.
• Plusieurs clins d’oeils aux studios Aardman et à leurs personnages fétiches, Wallace & Gromit, pour lesquels les artistes Pixar ne cachent pas leur admiration, ont été glissés dans "Le Monde de Nemo". Ainsi, les mouettes présentent une ressemblance assez évidente avec le pingouin du court métrage "Un mauvais pantalon". De plus, il est intéressant de constater que Wallace et Gromit habitent au 62, West Wallaby Street, et que le dentiste qui retient Nemo prisonnier sévit au 42, Wallaby Way.
• Dans la salle d’attente du dentiste, on peut voir un petit garçon feuilleter une bande dessinée aux couleurs de Mr Indestructible, héros du prochain long métrage des studios Pixar. Non loin de là, près d’un coffre à jouets, attend bien sagement Buzz l’Eclair.
• La fameuse camionnette Pizza Planet, cachée dans tous les films Pixar, passe furtivement sur la route qui longe le cabinet du dentiste, alors que les poissons de l’aquarium préparent leur évasion.
• Une référence à une scène culte du célèbre "Shining" de Stanley Kubrick apparait dans le film, lorsque le requin Bruce défonce la porte du sous-marin dans lequel se cachent Marin et Dory. Le squale s’exclame ainsi "Here is Brucy !" dans la version originale du film, en clin d’œil au terrible "Here is Johnny !" de Jack Nicholson dans le film de Kubrick.
• Lors du doublage, l’acteur Geoffrey Rush, qui prête sa voix au pélican l’Amiral, s’est mis à parler en tenant sa langue dans sa main pour rendre plus réaliste la scène dans laquelle l’oiseau tient Marin et Dory dans sa bouche.
• Une comédie musicale de 30 minutes, dans la plus grande tradition de Broadway, a été réalisée suite au succès du film. Des représentations ont actuellement lieu tous les jours au parc Animal Kingdom de Walt Disney World à Orlando.

Les Indestructibles 2004

De quoi ça parle ?

Bob Paar était jadis un super-héros. Mais aujourd'hui, Mr. Indestructible est expert en assurances. Il bondit sur l'occasion lorsqu'on l'appelle pour une mission secrète. Mais derrière cette alléchante proposition se cache un génie malfaisant.

La naissance du film

Après avoir réalisé son "Géant de fer" pour les studios Warner Bros, Brad Bird, passionné d’animation depuis sa plus tendre enfance et camarade de John Lasseter durant ses études, est prêt à s’atteler à l’élaboration d’un nouveau long métrage. Doté d’une imagination débordante, il a sa petite idée sur la question depuis un bon bout de temps : s’inspirant de sa propre vie de famille, il rêve ainsi de raconter au monde les aventures d’une famille de super-héros.

Tout semble aller pour le mieux, et le projet se prépare à faire ses premiers pas, lorsque Warner Bros, devant une série d’échecs commerciaux, décide purement et simplement de fermer sa division animation. Les aventures des Indestructibles n’auraient sans doute jamais vu le jour, si John Lasseter n’avait pas repris contact avec son vieil ami de la fac.

Désormais devenu l’un des plus grands noms du monde de l’animation, Lasseter propose à Brad Bird de le rejoindre avec son équipe et de réaliser son film chez Pixar. Une seule et unique condition est posée : le long métrage, initialement conçu pour être en animation traditionnelle, devra être réalisé en images de synthèse, dans la plus pure tradition pixarienne. L’affaire est donc conclue.

Un seul détail (et non des moindres) échappe aux deux amis, alors qu’ils lancent leur nouveau projet : le scénario des Indestructibles n’a pas été pensé pour la 3D, et Brad Bird ne s’est donc imposé aucune limite durant l’écriture. Pixar lance ainsi sans le savoir la réalisation de son film le plus ambitieux d’un point de vue technique.

Durant la production, les artistes doivent ainsi faire face à des défis à la chaine. Le plus délicat de tous est probablement d’avoir à centrer leur long métrage sur des personnages humains, ce que Pixar n’avait jamais eu à faire auparavant, et qui constitue l’une des difficultés majeures en animation par ordinateur.

Mais en plus de relever un à un tous les défis qui s’imposent à eux, Brad Bird et son équipe parviennent à insuffler à leur film une atmosphère unique et particulièrement attrayante, se situant habilement entre les films de James Bond et la culture comics. D’une qualité technique époustouflante, "Les Indestructibles" débarque dans les salles et Pixar profite de son triomphe annuel, récoltant un deuxième Oscar du Meilleur Film d’animation. De quoi faire râler les challengers, qui doivent encore attendre leur tour… et qui devront encore l’attendre bien longtemps.

Le saviez-vous ?

• Ce n’est qu’au milieu de la production du film que Brad Bird, le réalisateur, s’est rendu compte que Syndrome, le méchant, lui ressemblait comme deux gouttes d’eaux.
• Frank Thomas et Ollie Johnston, deux vétérans des studios Disney auprès desquels Brad Bird était d’ailleurs venu demander conseil, apparaissent dans le film en caméos animés.
• La scène dans laquelle Mr. Indestructible parvient à arrêter un train de justesse avant sa destruction constitue un clin d’œil à un autre film de super-héros : "Spider-Man 2", de Sam Raimi.
• Comme dans tous les films Pixar, des références à l’ancienne salle de classe de John Lasseter et de Brad Bird, la A113, sont glissées dans plusieurs scènes des Indestructibles. C’est ainsi que Bob Parr est convoqué dans la salle de réunion A113, et que sa femme, Elastigirl, parvient à le localiser à l’étage A1, cellule 13, lorsqu’il est retenu prisonnier sur l’île.
• Pour que Flèche ait vraiment l’air d’être essoufflé dans le film, les réalisateurs ont demandé à son jeune interprète, Spencer Fox, de courir autour des studios avant de commencer le doublage de son personnage.
• Le super-méchant français que l’on peut voir au début du film, baptisé Bomb Voyage, se prénommait initialement Bomb Pérignon, en référence à la célèbre marque de champagne. Mais pour des questions de droit, l’équipe du film a dû abandonner sa première idée.
• Dans la version originale du film, c’est le réalisateur Brad Bird en personne qui prête sa voix au personnage d’Edna Mode, la redoutable styliste de la famille Indestructible. Il ne devait au départ la doubler que lors des tests, en attendant de trouver une actrice pour le remplacer. Mais sa performance, jugée très convaincante, fut finalement conservée.
• Au début du film, dans la ville de Bob Parr, on peut apercevoir deux commerces faisant références à des personnages de films Pixar. En effet, le Andy’s store est un clin d’œil au jeune Andy, propriétaire de Woody et Buzz dans "Toy Story". Le Luxo Café, en revanche, se rapporte à "Luxo Jr. ", la célèbre petite lampe, mascotte des studios Pixar.

Cars 2006

De quoi ça parle ?

Flash McQueen, une splendide voiture de course toute neuve promise au succès partie participer à la prestigieuse Piston Cup, atterrit suite à une déviation dans la petite ville tranquille de Radiator Springs, sur la Route 66.

La naissance du film

Avec une mère enseignante en arts plastiques et un père concessionnaire automobile, John Lasseter a depuis son plus jeune âge développé une double passion pour le dessin et pour les voitures. Dès la fondation de Pixar, il cherche une bonne occasion de lier les deux dans un long métrage. C’est en 1998, alors que la production de "1001 Pattes" se termine à peine, qu’il commence à dessiner des croquis de voitures vivantes, s’inspirant largement de "Susie, La Petite Coupée Bleue", un court métrage signé par les studios Disney en 1952.

Bien vite, le projet est mis sur pause pour de longues années, alors que John Lasseter prend des vacances bien méritées après les réalisations successives de ses trois premiers longs métrages. Lancé dans un road-trip en camping-car avec sa famille, l’artiste profite alors de son voyage pour se remplir l’esprit des images des petites routes de campagne qu’il traverse. Il s’imprègne ainsi des décors qui seront ceux de son "projet-voiture", et détermine par la même occasion la trame de son histoire. "J'ai soudain réalisé que je savais de quoi allait parler notre film... J'ai découvert que le parcours que l'on fait dans la vie contient sa propre récompense."

De retour au studio après avoir rechargé les batteries et fait le plein de bonnes idées, Lasseter lance son nouveau projet, et se prépare à donner vie aux personnages sur roues de "Cars". Pendant plusieurs jours, il repart sur les routes abandonnées des Etats-Unis, cette fois accompagné de son armada d’animateurs, et constate avec intérêt l’effet néfaste des autoroutes sur les petites villes de la route 66. Cette fois, le réalisateur tient son scénario !

Alors que le film est prêt à temps pour la date de sortie initiale, celle-ci se voit cependant retardée de quelques mois. Il faut dire que depuis "Toy Story 2", la relation entre Steve Jobs de Pixar et Michael Eisner de Disney, n’a fait que s’envenimer. La tension est alors à son comble, et Eisner, accusé de saper la créativité des studios de John Lasseter, cherchant à s’approprier leurs personnages dans un but uniquement lucratif, est alors évincé du royaume Disney.

Robert Iger prend sa place, soutenu par Roy Disney (le neveu de Walt), et Pixar est immédiatement racheté par Disney. Les deux compagnies peuvent ainsi commencer à travailler en harmonie, sous le signe de la créativité, d’autant que John Lasseter est nommé directeur artistique des Walt Disney Studios.

Une fois de plus, la compagnie de Woody, désormais main dans la main avec celle de Mickey, accouche d’un nouveau succès. Sans pour autant battre les records en salles, les petites voitures de "Cars" effectuent un démarrage en trombe dans le domaine des produits dérivés. Les jouets et les t-shirts estampillés Flash McQueen s’arrachent bientôt comme des petits pains et constituent une véritable manne pour les studios Pixar. Et si l’Oscar du Meilleur Film d’animation est cette année réservé à "Happy Feet", cela ne fait aucun doute : l’équipe de John Lasseter a passé la cinquième sur l’autoroute du succès.

Le saviez-vous ?

• Dans la version originale de "Cars", de nombreux pilotes de course, ainsi que les commentateurs du célèbre NASCAR, ont prêté leurs voix à des personnages du film. Michael Schumacher lui-même est venu doubler la Ferrari que l’on aperçoit à la fin du film.
• Flash McQueen, le héros du film, porte le numéro 95, qui correspond à l’année de sortie de "Toy Story", le premier long métrage des studios Pixar. Cependant, la petite voiture rouge devait initialement porter le numéro 57, qui aurait fait référence à l’année de naissance de John Lasseter. A noter également : la marque Lightyear sur les pneus de Flash, qui peut être vue comme un hommage à Buzz l’Eclair (Buzz Lightyear en version originale).
• Dans la première scène du film, alors que la course bat son plein, les plus attentifs auront peut-être remarqué une voiture blanche portant un logo Apple sur son capot, en hommage à Steve Jobs, qui est un des fondateur de Pixar. La voiture porte d’ailleurs le numéro 84, correspondant à l’année de lancement du tout premier Macintosh.
• Dinoco, la compagnie sponsor de l’un des challengers de Flash, apparaissait déjà dans "Toy Story". En effet, on pouvait déjà apercevoir la marque avec son logo en forme de dinosaure au-dessus de la station-service où Buzz et Woody échouaient au milieu du film.
• L’habituelle apparition de la camionnette Pizza Planet est cette fois plus difficile à repérer que d’habitude. En faisant bien attention, on peut toutefois la retrouver en train de faire la queue avec d’autres voitures pour entrer dans le stade.
• Le film est dédié à Joe Ranft, l’un des vétérans des studios Pixar, qui avait participé à l’écriture de tous les premiers longs métrages du studio. Triste ironie du sort, Ranft a trouvé la mort dans un accident de voiture, pendant la production de "Cars".
• Les clins d’œil des films Pixar sont parfois extrêmement subtils. C’est ainsi que Luigi, la voiture italienne, portent les numéros 445-108 sur sa plaque d’immatriculation. Au bout de plusieurs heures de théories capilotractées, on peut se rendre compte que ces chiffres correspondent aux coordonnées (latitude et longitude) de l’usine de Ferrari la plus célèbre du monde, en Italie.
• Le célèbre acteur et gouverneur de Californie Arnold Schwarzenegger apparait dans le film sous la forme d’un Hummer, réputé pour être une voiture que le comédien affectionne particulièrement.

Ratatouille 2007

De quoi ça parle ?

Rémy est un jeune rat qui rêve de devenir un grand chef français. Il est prêt à tout pour vivre sa passion de la cuisine... et le fait d'habiter dans les égouts du restaurant ultra côté de la star des fourneaux, Auguste Gusteau, va lui en donner l'occasion !

La naissance du film

"Et si un rat voulait devenir chef cuisinier ?", se demande un jour Jan Pinkava, animateur et réalisateur de courts métrages chez Pixar. A partir de cette idée, il invente une histoire, puis écrit un scénario. Retouché par Brad Bird (le papa des "Indestructibles") qui se voit ainsi confier son deuxième long métrage chez Pixar, le scénario devient celui de "Ratatouille", et l’équipe de John Lasseter part visiter, le temps d’un film, la capitale française et sa culture gastronomique.

Pour se préparer à ce voyage des sens, l’équipe du film sait que qui veut la faim, veut les moyens. Entre autres démarches, ils installent ainsi dans les studios une grande cage pleine de rats, pour pouvoir étudier leurs mouvements. Moins glamour que l’aménagement d’un aquarium pour "Le Monde de Nemo", il faut l’avouer ! Mais l’équipe se console en partant pour Paris, où ils font la tournée des plus célèbres restaurants, éveillant leurs papilles et leur imagination.

S’inspirant de leur voyage, Brad Bird et les artistes du film se lancent ainsi dans un véritable hommage à Paris, rendant à l’écran une vision idyllique et romantique de la capitale française. Mélangeant authenticité et magie, et ajoutant à leur préparation une pincée d’humour à la Pixar, les studios servent ainsi au monde entier, tout juste sorti du four, un chef-d’œuvre de plus.

Le film se lance ainsi dans une carrière exemplaire en salles, devenant le troisième plus gros succès Pixar de l’époque, et parvenant à rafler le troisième Oscar du Meilleur Film d’animation du studio. "Ratatouille" est un film qui donne faim, et pour l’occasion, le public a un appétit d’ogre.

Le saviez-vous ?

• Suite au succès de "Ratatouille", une marque de vin à l’effigie du film a été créée et commercialisée. Cependant, considéré comme incitant les mineurs à la consommation d’alcool, le projet a rapidement été abandonné.
• Pour réaliser un travail de qualité, les studios Pixar n’hésitent pas à mettre toutes les chances de leur côté. Ainsi, pour rendre plus réaliste la séquence dans laquelle Linguini saute dans la Seine, un animateur habillé comme le personnage s’est porté volontaire pour plonger tout habillé dans une piscine, afin que son équipe puisse s’en inspirer visuellement.
• Le personnage d’Auguste Gusteau a été inspiré aux artistes du film par l’histoire du célèbre chef français Bernard Loiseau, dont la fin fut encore plus tragique que celle du personnage, puisqu’il se serait suicidé après que son restaurant ait perdu une partie de son prestige.
• Le magasin du dératiseur devant lequel se retrouvent Rémy et son père vers la fin du film existe réellement à Paris. On peut le trouver dans le quartier des Halles, sous le nom des Etablissement Julien Aurouze.
• Pour créer Skinner, le tyrannique chef cuisinier, Brad Bird explique qu’il s’est inspiré d’une part du personnage de Salieri dans le film "Amadeus", et d’autre part de l’inspecteur Dreyfus de "La Panthère rose".
• Au début du film, lorsque Remy sort des égouts et arrive dans les rues de Paris, un chien dont on ne peut apercevoir que l’ombre lui aboie dessus. Il s’agit de Doug, fidèle compagnon de Russell dans le film "Là-haut", alors en production.
• Le code A113, correspondant à la salle de classe qu’ont fréquentée John Lasseter et Brad Bird durant leurs études, apparait dans tous les longs métrages Pixar. Dans "Ratatouille", il se trouve sur une petite plaque accrochée à l’oreille de l’un des rats.
• Dans les rues de Paris, les spectateurs les plus attentifs pourront remarquer un mime qui n’est autre que le méchant Bomb Voyage, aperçu au début des "Indestructibles".

Wall-E 2008

De quoi ça parle ?

WALL•E est le dernier être sur Terre et s'avère être un... petit robot ! 700 ans plus tôt, l'humanité a déserté notre planète laissant à cette incroyable petite machine le soin de nettoyer la Terre. Mais au bout de ces longues années, WALL•E a développé un petit défaut technique : une forte personnalité. Extrêmement curieux, très indiscret, il est surtout un peu trop seul...

La naissance du film

Lors de la sortie au cinéma de "Ratatouille", une vidéo pour le moins intrigante est diffusée dans les salles. On peut y voir Andrew Stanton, le réalisateur du "Monde de Nemo", s’adresser aux spectateurs. Il évoque un dîner au restaurant, pris avec John Lasseter et tous les grands animateurs de Pixar, à l’heure où "Toy Story" s’apprêtait à sortir sur les écrans. Enthousiaste, Stanton raconte que lors de ce dîner, les histoires de "1001 Pattes", de "Monstres & Cie" et du "Monde de Nemo" étaient nées. Puis il ajoute qu’à la fin du repas, avait été évoquée l’histoire d’un petit robot, du nom de "WALL·E".

Mais aussitôt créé, le personnage est remis dans les cartons, en attendant l’occasion la plus propice pour le présenter au monde. Andrew Stanton et Pete Docter, à l’origine de l’idée, retournent alors à leurs projets respectifs. Ce n’est qu’en 2001 que Stanton se remet à l’écriture de son Odyssée de l’espace à lui. Toujours à la réalisation du "Monde de Nemo", il boucle enfin le scénario de "WALL·E". Mais le petit robot n’est qu’au tout début du voyage, et commence alors pour lui un périple de sept années en direction des salles obscures.

Il faut dire que le défi est de taille, car il s’agit de réaliser un long métrage quasi-muet, de faire passer tout un panel d’émotions à travers un robot, et donc de multiplier des trouvailles de mise en scène pour faire d’un concept abstrait un chef-d’œuvre du monde de l’animation. En plus des défis techniques et scénaristiques, Pixar s’impose également de mettre en place (et ce pour la première fois de son histoire) un discours politique dans son film. "WALL·E" ne s’adresse donc pas seulement aux enfants, et livre une critique acérée de la société de consommation actuelle.

Comme toujours aux studios à la lampe de bureau, les défis sont atteints, et les résultats dépassent les attentes. Le public, qui regarde depuis longtemps d’un œil intrigué (voire sceptique) le nouveau projet Pixar, se précipite néanmoins dans les salles et ne peut, une fois encore, que se laisser emporter. La critique applaudit plus que jamais, et une nouvelle statuette vient rejoindre les trois Oscars du Meilleur Film d’Animation déjà remportés par les studios. La question que tout le monde se pose depuis longtemps est plus que jamais sur toutes les lèvres : "Mais où vont-ils s’arrêter ?". Et la réponse devra encore attendre longtemps, bien longtemps…

Le saviez-vous ?

• Pour animer le personnage de Wall-E, qui est quasiment muet, les réalisateurs du film se sont énormément inspirés d’acteurs de légende tels que Charlie Chaplin et Buster Keaton.
• En ce qui concerne le peu de dialogues prononcés par le petit robot, c’est l’ingénieur du son Ben Burtt (créateur de tous les bruitages de la saga "Star Wars"), qui a été contacté pour donner une voix à Wall-E. Si on résume, ce dernier serait donc un croisement entre Charlot et… R2-D2 !
• Comme dans de nombreux films Pixar, plusieurs clins d’œil à la compagnie Apple et à son fondateur Steve Jobs, se cachent dans "WALL·E". Le petit robot conserve ainsi chez lui un I-pod, et le son qui indique le chargement de ses batteries est le même que celui que l’on peut entendre au démarrage d’un Macintosh. Enfin, l’apparence d’EVE a été imaginée par un certain Jonathan Ive, qui n’est autre que le designer de l’I-pod.
• Plusieurs références au chef-d’œuvre de Stanley Kubrick, "2001 : l'odyssée de l'espace", apparaissent dans le film. Le pilote automatique de l’Axiom est ainsi une copie quasi-conforme du terrible HAL-9000. Le thème de 2001 retentit d’ailleurs à la fin du film, lorsque le capitaine se confronte au méchant robot.
• En partant dans l’espace, accroché à la fusée, Wall-E percute tout un tas de satellites. Parmi eux se trouve le premier de l’Histoire, Spoutnik.
• Dans le scénario original du film, EVE était censée se faire enlever par des extra-terrestres, et Wall-E devait partir à leur poursuite pour la sauver, mais le script fut vite remanié.
• Parmi la montagne d’ordure qu’est censé trier Wall-E, on peut trouver le scooter de Skinner dans "Ratatouille" et la traditionnelle camionnette Pizza Planet. Chez le petit robot, par ailleurs, sont entreposés le cochon Bayonne et le dinosaure Rex de "Toy Story".
• Inspirés par une paire de jumelles appartenant au réalisateur Andrew Stanton, les yeux de Wall-E ressemblent aussi étrangement à Lenny, un jouet bien connu du premier "Toy Story", représentant une paire de jumelles.

Là-haut 2009

De quoi ça parle ?

Quand Carl, un grincheux de 78 ans, décide de réaliser le rêve de sa vie en attachant des milliers de ballons à sa maison pour s'envoler vers l'Amérique du Sud, il ne s'attendait pas à embarquer avec lui Russell, un jeune explorateur de 9 ans...

La naissance du film

Film après film, les studios Pixar qui règnent à présent en toute suprématie sur le royaume de l’animation, ne cessent de s’élever encore plus au-dessus d’un Disney en déroute et d’un Dreamworks éternellement condamné à la deuxième marche du podium. En 2009, l’ascension continue alors que sort dans les salles le dixième long métrage du studio.

L’histoire de "Là-haut" est inspirée à Pete Docter (réalisateur de "Monstres & Cie"), par le croquis d’un vieil homme vendeur de ballons. On le sait, Pixar a le don de fabriquer du rêve avec les ingrédients les plus simples. La petite lampe de bureau n’a jamais été meilleure qu’en sublimant les éléments du quotidien, tels que les jouets ou les voitures. C’est ainsi que Pete Docter et son équipe décident de faire d’un vieillard à la retraite un intrépide aventurier.

Les gens de chez Pixar aiment les défis ! Et avec "Là-haut", on peut dire qu’ils sont servis. Non contents de centrer leur long métrage sur des personnages humains (ce qui, rappelons-le, constitue une énorme difficulté en termes d’animation), les artistes s’entêtent contre les mauvaises langues du monde entier à choisir un protagoniste de 78 ans, rompant ainsi avec la norme instituée depuis "Blanche-Neige et les sept nains".

Et pour raconter l’histoire d’un homme d’âge mur, rien de mieux que de prendre conseil auprès de vétérans des Walt Disney Studios. Pete Docter n’hésite donc pas à prendre contact avec Frank Thomas, Ollie Johnston et Joe Grant, trois des Nine Old Men, désormais à la retraite. Il n’en faut pas plus aux artisans de chez Pixar pour donner vie à ce que beaucoup considèrent comme leur plus beau film. Jonglant sans cesse entre humour, aventure et émotion pure (réf : la scène d’intro), "Là-haut" débarque ainsi sur les écrans.

A nouveau chef-d’œuvre, nouveau triomphe ! Et celui-ci est de taille ! Avant de gravir l’escalier du succès, "Là-haut" monte en effet les marches du Festival de Cannes, car il est choisi en 2009 pour en être le film d’ouverture. Tout en escaladant les sommets du box-office mondial, "Là-haut" s’attire les louanges de toutes les critiques qui s’attardent sur son cas. Auréolé d’un Oscar du Meilleur Film d’animation, le nouveau Pixar est également nommé dans la catégorie Meilleur Film : un insigne honneur pour un film d’animation, qui n’avait jusque-là été réservé qu’à un seul long métrage : "La Belle et la Bête".

Le saviez-vous ?

• A travers l’un des hublots du dirigeable de Charles Muntz, on peut apercevoir plusieurs de ses chiens qui jouent au poker autour d’une table. Ceci est une référence au célèbre tableau de Cassius Marcellus Coolidge, "Dogs Playing Poker".
• Au début du film, Carl et sa femme Ellie partent faire un pique-nique au sommet d’une colline surplombée par un arbre immense. Sans le savoir, les deux personnages déjeunent ainsi juste au-dessus de la colonie de fourmis de "1001 Pattes".
• L’une des premières personnes à avoir découvert "Là-haut" dans le monde entier est une petite fille de 10 ans. Atteinte d’un cancer, la fillette souhaitait à tout prix voir le film avant de mourir. Les réalisateurs lui ont donc envoyé sans hésiter une copie du DVD avant sa sortie en salles.
• Dans le film, la maison de Carl Fredricksen parvient à s’élever dans les airs grâce à 20 000 ballons. Selon les réalisateurs, il aurait en fait fallu quelques 26 millions de ballons supplémentaires pour que cela soit physiquement possible.
• L’ours rose Lotso, l’un des personnages centraux de "Toy Story 3", se cache dans la chambre d’une petite fille au début du film.
• A la fin du film, l’affrontement entre les héros et l’escadron d’avions pilotés par les chiens de Charles Muntz ressemble de façon assez évidente à la bataille finale de "La Guerre des étoiles", entre les X-Wing et les TIE-fighter. Une référence qui se justifie aisément, sachant que le premier employeur de Pixar n’était autre que Georges Lucas.
• Le méchant du film, Charles Muntz, a été nommé en référence à Charles Mintz, un producteur qui avait récupéré les droits du premier personnage à succès de Walt Disney, Oswald le lapin chanceux. C’est d’ailleurs à la suite de cette mésaventure que Disney s’est lancé dans la création de sa nouvelle mascotte : Mickey Mouse.

Toy Story 3 2010

De quoi ça parle ?

Woody le cowboy, Buzz l'Eclair et les autres jouets se retrouvent confrontés à ce qui devait bien arriver un jour : le départ d'Andy pour l'université...

La naissance du film

Après dix longs métrages, les studios Pixar sont parvenus au sommet du monde de l’animation. De Là-haut, ils n’ont plus à craindre ni concurrents, ni anciens rivaux. Et pourtant, défiant les lois de la physique, voilà qu’ils se préparent à poursuivre leur ascension. C’est ainsi qu’après plusieurs années de production laborieuses (et souvent tendues entre Disney et Pixar), les célèbres jouets sont de retour dans les salles pour "Toy Story 3".

Le jeu en valait certes la chandelle, mais la route fut longue pour Woody et Buzz, qui ont été les témoins d’un violent affrontement entre Steve Jobs (le propriétaire des studios Pixar) et Michael Eisner (directeur commercial de Disney) avant le rachat de la lampe de bureau par le royaume enchanté. En effet, dans un premier temps, "Toy Story 3" est mis en chantier par un nouveau studio baptisé Circle 7. Créé par Disney et spécialisé dans les suites de longs métrages à succès, Circle 7 s’apprête à recycler tous les plus grands succès de Pixar.

Voyant d’un œil contrarié le fait que ses personnages puissent être utilisés à volonté par un autre studio, l’équipe de John Lasseter ne s’entend pas non plus avec Disney sur de nombreux points du contrat qui les lie. Peu avant la sortie en salles de "Cars", et devant la teneur déplorable du scénario de "Toy Story 3" (version Circle 7), Roy Disney, le neveu de Walt, finit par entrer en jeu. Michael Eisner est bientôt évincé, pour faire place à Robert Iger, qui décide immédiatement le rachat de Pixar par Disney, et qui nomme illico presto John Lasseter à la direction du département artistique.

Reste encore à s’occuper du projet "Toy Story 3", sur lequel se mettent à plancher tous les vétérans de chez Pixar. Le scénario est entièrement remanié, l’émotion est décuplée, et tout le savoir-faire technique du studio est déployé. Bref, tout est mis en œuvre pour que "Toy Story 3" devienne le contre-exemple parfait de la suite de base, pour transformer un épisode commercial en une majestueuse apothéose.

Au lieu de proposer au public un script dans lequel Buzz était renvoyé dans son usine de fabrication à Taiwan pour être réparé, tel que c’était prévu au départ, ils préfèrent se pencher sur l’avenir des jouets après le départ d’Andy à l’université, et brassent ainsi des thématiques beaucoup plus matures.

En 2010, lorsque l’épopée de nos jouets préférés vient se clore dans les salles, le succès est immédiat, et le film devient rapidement le plus gros succès de tous les temps pour un film d’animation (tout simplement !) La qualité du long métrage est telle que le public reste sans voix, et que la critique renouvelle ses éloges annuels. "Toy Story 3" remporte l’Oscar du Meilleur Film d’animation et, tout comme "Là-haut" et "La Belle et la Bête" avant lui, il est honoré par une nomination dans la catégorie Meilleur Film. Près de 20 ans plus tôt, John Lasseter et son équipe étaient partis vers l’infini. Cette fois-ci, pas de doute, les voici arrivés au-delà !

Le saviez-vous ?

• Parmi les jouets de la petite Bonnie se trouve une peluche de Totoro. Il s’agit d’un hommage aux films d’Hayao Miyazaki, pour qui John Lasseter ne cache pas son admiration.
• La marque des piles de Buzz dans ce troisième épisode ne devrait pas être inconnue aux adeptes des classiques Pixar. Il s’agit en effet de la marque BnL, qui prendra de plus en plus d’ampleur au fil du temps, pour devenir la compagnie centrale du monde dans l’univers Pixar, tel que l’on peut le voir dans "WALL·E".
• Si Andy a bien changé depuis le premier "Toy Story", c’est aussi le cas de Sid, l’enfant terrible connu pour infliger les pires traitements à ses jouets. On peut en effet l’apercevoir au début du film, occupé à ramasser les ordures du quartier pour les jeter dans un camion-poubelle. La preuve définitive que le crime ne paie pas…
• Si vous avez l’œil, et si vous savez où chercher, vous remarquerez peut-être sur la porte de la chambre d’Andy un logo de "Newt", un ancien projet de long métrage des studios Pixar abandonné. Le film devait suivre les aventures de deux reptiles, ultimes survivants de leur espèce, obligés de se supporter pour s’assurer une descendance.
• Difficile de la voir si on ne sait pas où chercher, ou sans être armé d’une loupe ! Mais accrochée sur un tableau d’affichage de la chambre d’Andy, se trouve une carte postale envoyée par Carl et Ellie Fredricksen. Bons baisers de "Là-haut" !
• Plusieurs voitures tout droit sorties de l’univers de "Cars" se cachent à plusieurs endroits du film. Ces petites autos annoncent le prochain film des studios Pixar, "Cars 2".
• Les noms de Daisy (sur le pendentif de Big Baby) et de Bonnie (sur le sac à dos de cette dernière), ainsi que les dessins qui apparaissent dans la chambre de la fillette, ont été écrits et dessinés à la main par les enfants du réalisateur Lee Unkrich.
• Tom Hanks et Tim Allen, qui prêtent respectivement leurs voix à Woody et à Buzz dans la version originale, ont insisté pour effectuer le doublage du film ensemble, ce qu’ils n’avaient pas fait pour les deux premiers épisodes, et qui est d’ailleurs assez rare en animation de manière générale.

Cars 2 2011

De quoi ça parle ?

Flash McQueen et Martin reviennent sur le devant de la scène, pour faire du monde une piste de circuit. Mais ils auront bien besoin de leur passeport, lorsqu'ils vont se trouver au cœur d'une intrigue qui va les mener aux quatre coins du monde.

La naissance du film

En 2011, Pixar fête ses 25 ans, son 12ème long métrage, et le retour de ses petites voitures fétiches. Mais si les circonstances se prêtent aux célébrations, les réjouissances sont cette fois-ci un peu plus mitigées, car non ! "Cars 2" n’a pas autant de succès que "Toy Story 3", et force est de constater que même l’équipe prodige de John Lasseter ne peut pas gagner à tous les coups !

Fraichement nommé au poste de directeur artistique des studios Disney, John Lasseter mène le combat sur tous les fronts. Bien décidé à faire revivre l’animation traditionnelle dans les classiques de la maison aux grandes oreilles ("La Princesse et la grenouille", "Raiponce",…), le grand manitou de Pixar s’occupe aussi des productions télévisuelles de la firme, ainsi que de ses parcs d’attraction. Mais lorsqu’un réalisateur est demandé au rayon animation pour s’occuper de "Cars 2", Lasseter laisse de côté ses responsabilités pour se consacrer à ce qu’il sait faire de mieux.

Mais plus qu’un nouveau chef-d’œuvre pour les studios Pixar, "Cars 2" semble avant tout destiné à devenir un moteur pour la vente des produits dérivés de la franchise. En effet, depuis que Flash McQueen est devenu le héros préféré des petits garçons en 2006, les moyens ne sont pas épargnés. Des attractions aux couleurs de "Cars" sont construites et une série de courts métrages dédiés à Martin la Dépanneuse sont réalisés.

Cependant, malgré ses indéniables qualités techniques et un bon score au box-office, la nouvelle aventure sur grand écran des petites voitures s’attire bien vite les foudres de la critique, qui rongeait son frein depuis 25 ans. Pas d’Oscar pour Pixar cette année, et pas de nomination du tout, d’ailleurs ! Pour la première fois de sa carrière, la petite lampe de bureau s’arrête pour souffler, avant de repartir de plus (re)belle ?

Le saviez-vous ?

• Grand fan des films d’agents secrets, John Lasseter a d’abord imaginé le personnage de Finn McMissile comme étant la star d’un film d’espionnage que Flash McQueen et Sally seraient allés voir dans un drive-in pour leur premier rendez-vous.
• Les célèbres monuments de Londres et de Paris, tels que Big Ben et la Tour Eiffel, que l’on peut apercevoir dans le film, ont subi un remodelage "façon Cars" de la part des animateurs. Les artistes du film y ont ainsi incorporé des roues, des logos, et toutes sortes d’éléments propres aux voitures.
• La Reine Elisabeth II et le Prince William apparaissent tous deux sous les apparences d’une Rolls Royce et d’une Bentley Continental, lorsque les héros du film arrivent à Londres.
• John Lasseter, réalisateur du film, effectue lui aussi ce que l’on pourrait appeler un "car-méo". Il apparait ainsi dans le film sous les traits d’un pick-up américain, et sous le nom de John Lassetire, effectuant lui-même le doublage de son personnage.
• En hommage à l’acteur Michael Caine, qui double Finn McMissile dans la version originale, la plaque d’immatriculation de la voiture-espion porte les numéros 314-FNMC, qui correspondent à la date de naissance du comédien, le 14 mars.
• L’une des grandes traditions des studios Pixar consiste, on le sait, à cacher dans leurs films les personnages de leur long métrage suivant. Les spectateurs les plus attentifs auront ainsi sans doute remarqué les protagonistes de Rebelle voiturisés, gravés sur le mur d’un pub londonien.

Rebelle 2012

De quoi ça parle ?

Merida, la fille du roi Fergus est bien décidée à suivre son propre chemin dans la vie. Elle défie une tradition millénaire sacrée aux yeux de trois seigneurs du royaume, et sans l’avoir voulu, elle va déchaîner le chaos dans le royaume.

La naissance du film

Après "Cars 2", John Lasseter et son équipe se préparent à décocher leur prochaine flèche et, comme d’habitude, pas question pour eux de choisir la solution de la facilité. Ils surprennent ainsi leur monde une nouvelle fois, en présentant au public la toute première héroïne Pixar et le premier conte de fées du studio : Rebelle. Une façon de montrer à tout le monde que la petite lampe Luxo a plus d’une corde à son arc.

La réalisation du film est confiée à Brenda Chapman, qui devient ainsi la première femme à diriger un projet Pixar. S’inspirant de la relation qu’elle entretient avec sa propre fille, la réalisatrice met ainsi en place une histoire centrée sur la famille, où l’émotion tient une place de choix. N’ayant pas froid aux yeux, elle part ainsi planter la bannière des studios Pixar dans un royaume qui appartient à Disney depuis près d’un siècle. Celui de la magie et des princesses.

Et pour raconter son histoire, rien de tel pour Brenda Chapman que les légendaires Highlands d’Ecosse. Les artistes des studios Pixar partent ainsi explorer les vieux châteaux médiévaux et les mystiques terres du nord de la Grande-Bretagne, s’imprégnant de la culture écossaise. Cependant, en raison d’un scénario trop compliqué et de nombreux désaccords artistiques avec John Lasseter, Brenda Chapman se voit retirer la direction de "Rebelle".

C’est un certain Mark Andrews qui reprend les rênes du projet, en apportant plusieurs modifications à l’histoire originale et en privilégiant la relation entre la princesse Mérida et sa mère dans le scénario. Mais Brenda Chapman ne quitte pas pour autant les studios, et se voit même créditée au générique du film comme réalisatrice.

Un an avant sa sortie en salles, les premières bandes annonces de "Rebelle", aux graphismes tout simplement ébouriffants, font déjà saliver les spectateurs. Une première impression que viendront confirmer un joli score au box-office, une critique bien moins incisive que pour "Cars 2", et surtout un nouvel Oscar du Meilleur film d’animation.

Le saviez-vous ?

• Premier film Pixar à sortir en salles après le décès de Steve Jobs, "Rebelle" rend un hommage particulier à celui qui fut l’un des fondateurs des studios à la lampe de bureau. Ainsi, l’un des trois seigneurs du film porte le nom de Macintosh, en référence au fameux ordinateur Apple. De plus, au début du générique, une annotation "A la mémoire de Steve Jobs" accompagnée d’un petit feu follet, apparait à l’écran.
• A l’origine, le titre du film était "The Bear and the Bow" (littéralement : "L’Ours et l’arc").
• Difficile de placer la traditionnelle camionnette Pizza Planet dans l’Ecosse médiévale ! Pourtant, en ouvrant l’œil, vous pourrez peut-être l’apercevoir dans la maison de la sorcière, accompagnée d'une gravure de Sulli, qui doit faire son grand retour en 2013 dans "Monstres Academy"...
• Egalement présente dans la maison de la sorcière : une petite sculpture en forme de triton, faisant référence à "Newt", projet abandonné des studios Pixar.
• Les petits feux follets bleus qui guident Mérida dans la forêt ont été inspirés aux artistes du film par un phénomène naturel en Ecosse. En effet, il arrive que les gaz produits par les marécages de la région prennent l’apparence de lumières bleues flottantes. Ces manifestations ont donné naissance à de nombreux contes et légendes.
• Bérénice Bejo, qui prête sa voix à la princesse Mérida, donne brièvement la réplique à son mari Michel Hazanavicius dans le film. En effet, le réalisateur de "The Artist" y fait une apparition vocale sous les traits du corbeau de la sorcière.
• A l’origine, le film était censé de dérouler en grande partie dans un monde enneigé. Cependant, après que Mark Andrews ait remplacé Brenda Chapman à la tête du projet, l’idée fut abandonnée pour privilégier les beautés de la nature écossaise.
• A la fin du générique, une petite scène supplémentaire rend hommage au "Château ambulant" de Hayao Miyazaki.

Monstres Academy 2013

De quoi ça parle ?

Le grand rêve de Bob Razowski de devenir une Terreur est menacé lorsque, durant sa première année de licence de Terreur à la Monstres Academy, il rencontre James P. Sullivan, dit Sulli, un vrai crack qui a un don naturel pour Terrifier.

La naissance du film

C’est à un projet mis en chantier depuis plusieurs années qu’est confiée la responsabilité de prendre la suite de la "Rebelle" princesse d’Ecosse aux studios Pixar. 12 ans après un premier opus désormais culte, Bob et Sulli s’apprêtent enfin à retrouver leur public dans "Monstres Academy".

Un retour que les deux monstres auront attendu longtemps. En effet, c’est en 2005, peu après la création du studio d’animation Circle 7 (voir page dédiée à "Toy Story 3"), qu’une suite à "Monstres & Cie" est mise sur les rails. Le projet, imposé à Pixar par les dirigeants Disney, et uniquement destiné à la vidéo, est une continuation pure et simple du premier opus, dans laquelle Bob et Sulli partent à la recherche de la petite Bouh à travers le monde des humains.

Un an plus tard, les studios Disney changent de dirigeant et "Monstres et Cie 2 : Lost in Scaradise" est annulé en même temps que tous les projets du studio Circle 7, qui ferme ses portes. Le projet de redonner aux monstres de Pixar une deuxième vie sur grand écran n’est pourtant pas abandonné, et atterrit entre les mains de Dan Scanlon, un jeune animateur en passe de devenir réalisateur.

C’est alors que contre toute attente, ce qui devait être la suite de "Monstres et Cie" se transforme en prequel, et s’intéresse à la rencontre entre Bob et Sulli sur les bancs de l’université. Œuvrant à coups de personnages inventifs, de musiques entrainantes signées Randy Newman ("Toy Story", "Monstres & Cie", etc...) et de l’humour qu’on leur connaissait jadis, les artistes des studios Pixar équipent ainsi du mieux qu’ils peuvent leur nouveau long métrage, en attendant le verdict du public…

Un verdict qui s’avère particulièrement réjouissant du point de vue des recettes, puisque les monstres se hissent en troisième position du box-office mondial de tous les temps pour les films Pixar, derrière "Toy Story 3" et "Le Monde de Nemo".

L’unique bémol viendra des Oscars, qui préfèreront - une fois n’est pas coutume - priver Pixar de sa statuette annuelle, et même d’une nomination. L’Académie préfèrera en effet aux monstres étudiants une certaine "Reine des Neiges". Les récompenses restent donc dans la famille, et la petite lampe de bureau compte bien sur son prochain projet, de toute façon, pour revenir dans la course…

Le saviez-vous ?

• Une réplique de "Monstres et Cie" dans laquelle Bob accusait Sulli d’être jaloux de lui physiquement depuis la maternelle a posé de sérieux problèmes aux scénaristes de ce second opus, qui avaient prévu d’organiser la première rencontre des deux monstres à l’université. Après des tests non convaincants d’une entrevue à la maternelle, ils décidèrent finalement de mettre de côté leurs principes de rigueur et d’ignorer cette ligne de dialogue pour ne pas nuire au scénario.
• Pour la promotion du film, les studios Pixar ont créé un véritable site Internet universitaire présentant "Monstres Academy". Jusque dans les moindres détails, cette création originale reprend les éléments que l’on peut retrouver sur les vrais sites d’universités américaines.
• Comme chaque film d'animation, "Monstres Academy" a nécessité un certain nombre de dessins pour les storyboards. Au total, la production en a cumulé 100 856 : un véritable record pour les studios Pixar.
• Le scénario original du film prévoyait de montrer Bob avec ses parents au début. Cette idée fut finalement mise de côté, de façon à ce que le jeune monstre apparaisse plus vulnérable.
• La fameuse salle A113, dans laquelle de nombreux animateurs Pixar ont fait leurs études, est une nouvelle fois mise à l’honneur dans "Monstres Academy". L’amphi du professeur Knight porte en effet le sigle A113.
• Comme dans chaque classique Pixar, on retrouve le fameux camion Pizza Planet dans "Monstres Academy". Il est cette fois garé juste à côté du QG des ROR lors de la soirée.

Vice-Versa 2015

De quoi ça parle ?

Au Quartier Général, le centre de contrôle situé dans la tête de la petite Riley, 11 ans, cinq Émotions sont au travail. Lorsque la famille de Riley emménage dans une grande ville, avec tout ce que cela peut avoir d’effrayant, les Émotions ont fort à faire pour guider la jeune fille durant cette difficile transition.

La naissance du film

Peu après avoir réalisé "Là-haut", Pete Docter regarde grandir sa fille. C’est alors que germe dans son esprit un embryon d’idée qui grandira pendant 5 longues années pour devenir le 15ème long métrage des studios Pixar.

Car force est de le constater, sa petite Ellie a changé. Celle qui partage son nom avec l’héroïne de "Là-haut" et qui lui prêtait sa voix dans la première scène du film a maintenant 11 ans, et ses rires de petite fille se sont désormais mués en un curieux silence.

Que peut-il bien se passer dans la tête de nos enfants lorsqu’ils grandissent ?

C’est à la tête d’une armée de scénaristes, à coups de séances de brainstorming et de story-boards par milliers que Pete Docter cherche à résoudre son énigme. Mais cette question initiale en entraine rapidement des centaines d’autres, à mesure que prend forme le script de "Vice Versa" et que se profile à l’horizon et gros comme une maison, rien de moins que le plus grand défi de l’histoire du studio.

"Beaucoup pensent que le film entier était dans notre tête dès le départ. Ce n’est pas vrai du tout. Au début, j’avais de tous petits morceaux d’idées, et notre incroyable équipe n’a pas cessé de travailler, d’essayer des approches différentes, des idées différentes," explique le réalisateur

A quoi ressemblent nos émotions ? Que font-elles ? Où se trouvent-elles ? Quelle est leur rôle ? Combien sont-elles ?

Comme le veut la tradition chez Pixar, le réalisateur et ses artistes entament une phase de recherche pour tenter d’élucider tous ces mystères. C’est à de nombreux spécialistes du cerveau humain, psychologues et neurologues qu’ils font appel, et finissent par réduire les émotions qui sont censées peupler notre esprit au nombre de 5 : la Joie, la Tristesse, la Peur, la Colère et le Dégoût.

Les personnages principaux de "Vice Versa" sont nés, reste à trouver comment les représenter. Et la partie se corse quelque peu…

Impossible cette fois de s’appuyer sur les ours ou les gorilles qui s’étaient avérés bien utiles pour concevoir les créatures de "Monstres et Cie" en 2001, ni sur les êtres humains qui avaient pu servir de modèle aux personnages de "Là-haut" en 2009. Faire du concept de joie ou de celui de peur des personnages de dessin animé relève du véritable tour de force en termes d’imagination.

Après de longues recherches, Pete Docter en arrive à la conclusion que les émotions doivent ressembler à ce qu’elles ressentent. S’inspirant des cartoons à la Tex Avery ou à la Chuck Jones, il leur invente à toutes un design bien particulier. Quant à l’étrange matière qui compose le corps des personnages, Docter part de l’idée des synapses et des connections électriques qui s’opèrent dans notre tête pour élaborer avec son équipe cette espèce d’énergie vivante, presque "effervescente".

L’autre défi que doivent relever les scénaristes du film est de faire cohabiter en permanence deux univers dans le même long métrage. Ce qui se passe dans le monde des humains doit constamment avoir une incidence sur ce qui se passe dans l’esprit de Riley… et Vice Versa.

Cette règle de base en impose rapidement d’autres, au niveau de la lumière, de la conception des plans, des mouvements de caméra digitale, et des décors. Mais qu’importe ! Même s’il faut soupeser chaque détail, redoubler d’inventivité, ne rien laisser au hasard pour donner naissance à un nouveau chef-d’œuvre, les artistes des studios Pixar sont prêts ! A force de temps, d’endurance et de passion, les émotions de "Vice Versa" sont enfin prêtes à rencontrer leur public.

Pour l’occasion, et pour la deuxième fois dans l’histoire du studio, c’est du haut des marches du Grand Palais, à Cannes, que Pete Docter présente au monde du cinéma le 15ème long métrage Pixar.

Le saviez-vous ?

• "Vice Versa" est le premier film Pixar qui met officiellement en scène San Francisco, où sont basés les studios. La ville est particulièrement mise à l’honneur cette année, puisque le nouveau long métrage des studios Disney, "Les Nouveaux Héros", se passe à San Fransokyo, un mélange fictif entre la métropole californienne et la capitale japonaise.
• Le globe terrestre que l’on peut apercevoir dans la salle de classe de Riley est le même que celui qui se trouve sur le bureau d’Andy dans la trilogie "Toy Story".
• Les spectateurs les plus attentifs pourront observer, sur le t-shirt d’un garçon de la classe de Riley, une forme qui rappelle celle d’Arlo, le héros du prochain long métrage Pixar. On pouvait également voir le dinosaure sous forme de jouet dans une chambre d’enfant de "Monstres Academy", puisqu’il était initialement censé sortir juste après.
• Chacune des 5 émotions qui peuplent l’esprit de Riley sont inspirés d’une forme bien particulière qui les caractérise, selon Pete Docter : Joie ressemble à une étoile, Tristesse à une larme, Peur à un nerf à vif, Colère à une brique et Dégoût à un brocoli…
• Les souvenirs stockés dans l’esprit de Riley reprennent des plans que l’on a pu voir dans la scène introductive de "Là-haut", qui retrace la vie de couple de Carl et Ellie Fredricksen.
• En arrivant à San Francisco avec ses parents, la petite Riley passe en voiture devant de nombreux endroits bien connus de la ville. Mais c’est aux lignes électriques qu’il vous faut faire attention si vous regardez le film pour la première fois. Sur l’un d’eux sont en effet perchés des oiseaux bien connus des fans de Pixar : ceux que l’on pouvait voir dans le célèbre court métrage "Drôles d’oiseaux sur une ligne à haute tension", réalisé par Ralph Eggleston (le chef décorateur de "Vice Versa") en 2000.
• Le terrain de hockey sur lequel joue Riley avec son équipe n’est pas situé n’importe où. En effet, il se trouve à l’emplacement exact du Walt Disney Family Museum à San Francisco.
• Comme c’est de coutume aux studios Pixar, un nombre faramineux d’études et de dessins préparatoires ont été réalisés avant d’aboutir au résultat final. Ainsi, le Train des Pensées est passé par 284 designs différents avant de trouver son apparence définitive.