brqui-gonjinn (AlloCinéen)

Sa critique : Peter Jackson se voit offrir 30 millions de dollars de budget par son mentor Robert Zemeckis pour mettre en scène son premier film de studio. Et il voit les choses en grand en engageant le compositeur de renom Danny Elfman ainsi que le héros de toute une génération, l’inimitable Michael J. Fox dans le rôle principal. Nouveau défi, il décide de conté une histoire d’épouvante fantastico-comique dans laquelle Frank Bannister, un ex-architecte, va devoir utiliser ses dons extralucides pour sauver les habitants de sa ville au lieu de les arnaquer. Le film est un désastre au box-office lors de sa sortie en salle malgré un rythme très équilibré et une histoire originale. Jackson mène son film avec ingéniosité grâce à un scénario empruntant aux meilleurs long-métrages horrifiques tout en laissant place au comique unique de Michael J. Fox. Les effets-spéciaux inventifs tiennent encore la route compte tenu du budget serré de cette production et offre des gags ainsi que des situations stressantes très divertissants. "Fantômes contre Fantômes" marque le début de la carrière du cinéaste du "Seigneur des Anneaux" et prouve immédiatement son génie.

Sa critique : "Les Ailes de l’Enfer" est l’archétype du film d’action des années 90. Un environnement se résumant à un lieu quasi unique, un personnage principal héroïque et scènes d’actions bourrins. Dans ce film réalisé par Simon West l’action se passe dans un avion pénitentiaire faisant la navette pour les criminels les plus dangereux du pays, un avion dans lequel nous suivons un Nicolas Cage tout en muscle n’ayant qu’un but à la fin de la journée : arriver à temps pour l’anniversaire de sa fille née peu après son incarcération. Mettez les prédateurs dans un lieu confiné et vous pouvez être sûr qu’ils vont s’entretuer, sauf que là nous avons affaire à des hommes dont l’un est un véritable génie du crime. Autant dire que les gardiens ne vont pas faire long feu et le seul rempart face à ces fou dangereux sera bien évidement l’ex marine aux valeurs bien droites. La psychologie est raz des pâquerettes, les acteurs sont loin de montrer leur meilleure performance mais on ne peut pas dire que le scénario leur en donne l’occasion non plus. "Les Ailes de l’Enfer" est tout de même un action movie badass qui se laisse relativement bien regarder.

Sa critique : L’adaptation des succès littéraires visant un jeune public est le nouveau sésame des studios et Lionsgate se lance dans la compétition avec sa franchise "Hunger Games" tiré des romans captivants de Suzanne Collis. Les Etats-Unis ne sont plus, bienvenue à Panem et ses 12 districts obligés de fournir chacun 2 tributs pour des "jeux" retransmis dans tout le pays servant à rappeler quel est l’ordre établi, mais seulement l’un d’entre eux en sortira vivant… C’est Gary Ross, le réalisateur du très réussi "Seabiscuit" qui met en scène ce teen movie dans lequel des ados devront faire appel à leurs capacités physiques et mentales afin de survivre à une forêt aussi luxuriante que dangereuse mais également aux autres compétiteurs. Elle était la révélation de "Winter’s Bone", Jennifer Lawrence porte ici l’arc de Katniss avec à ses côtés Josh Hutcherson dans le rôle de Peeta. Un contexte social totalitaire, des personnages à la psychologie recherchée et un rythme oscillant entre stress et excitation, la transposition de l’œuvre de Suzanne Collins est de haute tenue et ce mis à part les quelques scènes sanglantes volontairement passées à l’as et des excentricités qui aurait pu disparaitre. "Hunger Games" fait partie de ces films dont on est encore imprégné bien après la sortie de la salle, on attend donc avec impatience et appréhension la suite des aventures de Katniss Everdeen.

Sa critique : Le milliardaire adopté interprété par Tomer Sisley revient pour une nouvelle aventure sous la houlette de Jérôme Salle. Le jour même où Largo Winch décide de revendre la société dont il a hérité pour financer une fondation humanitaire, il se retrouve accusé de crime contre l’humanité et se retrouve en cavale afin de prouver son innocence. Le ton très américain donné au film prend une autre ampleur avec la présence d’une star du calibre de Sharon Stone au casting, cette dernière n’est malheureusement pas utilisée à sa juste valeur et ne semble servir qu’à gonfler les entrées. Techniquement "Largo Winch II" n’a pas grand-chose à envier aux productions américaines, la mise en scène et le montage nerveux nous offrent des scènes d’action impressionnantes. Il est cependant dommage qu’un personnage aussi riche que celui créé par Jean Van Hamme ne soit pas mieux mis en valeur par le biais d’une intrigue plus sombre et surtout sans l’ombre du père. Cette cavale vers la vérité nous fait visiter la Thaïlande, Londres ou Hong-Kong et nous fait découvrir quelques nouveaux personnages importants de la BD comme Simon (Olivier Barthélémy). De l’humour et de l’action au service d’un bon scénario font de ce second opus des aventures de "Largo Winch" un divertissement de qualité.

Sa critique : Les comédies américaines nous apporte quelques bonnes surprises, malheureusement "Le Mytho" n’est pas de celles-là. Adam Sandler navigue depuis quelques années entre des films tout publics, des projets laissant entrevoir son potentiel d’acteur et des comédies sans intérêt dont le film de Dennis Dugan fait partie. L’histoire se concentre sur un chirurgien esthétique préférant mentir aux jeunes rencontres de bar et boîtes de nuit en leurs racontant toutes sortes d’ineptie sur sa femme imaginaire pour mieux coucher avec elles. Amateurs de Sandler vous serez servi grâce à ce cocktail à l’humour inégal entre gags long penchant sur le mauvais goût et réels moments de comédie pure. Pour l’accompagner dans ses délires il fait appel à Jennifer Aniston dans le rôle de la secrétaire au physique supposé quelconque (un comble !). L’amour survient et ce film décomplexé se transforme en comédie romantique grotesque. Le schéma narratif est tellement éculé qu’aucune surprise n’est possible et ce ne sont pas les gags sans originalité ou le cadre idyllique d’Hawaii qui arrivent à remonter le niveau. Très décevant, "Le Mytho – Just Go With It" est le prototype de la comédie américaine flemmarde dont Adam Sandler semble se délecter.

Sa critique : Le cinéma indé américain semble très friand de comédies dramatiques. "Tout va bien, The Kids are all Right" en est une nouvelle preuve mais il montre également à quel point ce genre ce veux proche de la société actuelle. C’est ainsi que Lisa Cholodenko ("The L World") dresse le portrait de cette famille composée de deux mamans et de leurs enfants un garçon et une fille, issues du même donneur de sperme. Quand la plus grande atteint la majorité, elle se décide, poussée par son frère, à prendre contact avec le fameux donneur au grand damne de sa mère. Pour ce film, la réalisatrice réunit un casting de choix, Julianne Moore et Annette Bening forment un couple de lesbiennes aux fêlures insoupçonnées. Les enfants interprétés par Mia Wasikowska, découverte en "Alice" pour Tim Burton et Josh Hutcherson qui s’émancipe un peu grâce à un rôle plus construit et intéressant sont convaincant mais trop absents. Et l’élément perturbateur s’appelle Mark Ruffalo, très bon dans la peau de l’homme atteint du syndrome de Peter Pan et qui ne se rend pas compte du mal qu’il fait. Ce drame léger apporte peut être une situation originale mais le reste est malheureusement très conventionnel.

Sa critique : L’animation n’est plus un genre exclusivement réservé à un public en bas âge, le long-métrage des espagnols Fernando Trueba et Javier Mariscal prouve une nouvelle fois que des sujets plus adultes peuvent également être traités par ce biais-là. Dans "Chico & Rita", nous suivons l’histoire d’amour de nos deux protagonistes à travers les rues mouvementés de La Havane, les clubs retro et classie de la ville qui ne dort jamais ou des motels poisseux entourant Las Vegas le tout rythmé par des airs de jazz à la fois dansant et profonds. L’animation n’est pas de grande qualité, elle est même très minimaliste ce qui est dommage car cela gâche bon nombre de scènes chantées qui s’en trouvent dépossédées de leur énergie. Cependant quand il s’agit de panoramas, les animateurs savent y faire sublimant Time Square ou La Havane se reflétant dans l’eau. Ce film d’animation romantico-musical divertissant qui traite de faits historiques tels que la ségrégation et la révolution cubaine grâce aux souvenirs de ce jazzman à chacune des étapes importantes de sa vie. Bien que redondant parfois, "Chico & Rita" se regarde assez facilement si tenté que les fans de jazz existent encore.

Sa critique : L’animation n’est plus un genre exclusivement réservé à un public en bas âge, le long-métrage des espagnols Fernando Trueba et Javier Mariscal prouve une nouvelle fois que des sujets plus adultes peuvent également être traités par ce biais-là. Dans "Chico & Rita", nous suivons l’histoire d’amour de nos deux protagonistes à travers les rues mouvementés de La Havane, les clubs retro et classie de la ville qui ne dort jamais ou des motels poisseux entourant L.A. le tout rythmé par des airs de jazz à la fois dansant et profonds. L’animation n’est pas de grande qualité, elle est même très minimaliste ce qui est dommage car cela gâche bon nombre de scènes chantées qui s’en trouvent dépossédées de leur énergie. Cependant quand il s’agit de panoramas, les animateurs savent y faire sublimant Time Square ou La Havane se reflétant dans l’eau. Ce film d’animation romantico-musical divertissant qui traite de faits historiques tels que la ségrégation et la révolution cubaine grâce aux souvenirs de ce jazzman à chacune des étapes importantes de sa vie. Bien que redondant parfois, "Chico & Rita" se regarde assez facilement si tenté que les fans de jazz existent encore.

Sa critique : Ben Stiller dans un style plus posé et subtile qu’à l’accoutumé, c’est assez rare pour qu’on y jette un coup d’œil. Dans cette comédie dramatique indépendante, Ben Stiller incarne un quadra un peu paumé qui débarque à Los Angeles avec l’envie insolite de ne rien faire. Sans trop se fatiguer Noah Baumbach se repose sur ses personnages en marge de la vie qui n’ont aucun but du début jusqu’à la fin de ces 1h45 de film. Rien dans "Greenberg" ne fait preuve de réelle originalité, de la musique pop-électro-rock aux plans d’un Los Angeles impersonnel en passant par la mélancolie de ses personnages. Fort heureusement Ben Stiller est un bon acteur, bien que par habitude, il préfère cacher ses talents dans des comédies souvent lourdes, il réussit ici à surprend et intriguer. Greta Gerwing compose quant à elle un personnage attachant qui, s’il avait bien été utilisé, aurait pu permettre à ce film de décoller un peu. Mais il n’en est rien, le rythme reste désespérément lent, Noah Baumbach ne fait que mettre en scène ce désemparement compréhensible qu'on certains face à la vie mais sans jamais nous faire entrevoir la lumière au bout du tunnel, dommage.

Sa critique : Dans "La Rançon", Mel Gibson est mis dans la pire position qu’un père puisse imaginer, il va devoir coopérer et payer s’il veut un jour revoir son fils enlevé alors qu’il était sous sa surveillance. L’intérêt principal de ce film réside dans le fait que Mel Gibson interprète un rôle beaucoup plus passif et donc à l’opposé des héros casse-cou sur les bords qui s’en tire toujours, rôles auxquels il est largement habitué. Contrairement à la tendance actuelle plutôt portée sur les thrillers d’action aux multiples effets pyrotechniques, Ron Howard déploie le sien afin de lorgner sur le côté psychologique du genre et ainsi ménager plusieurs rebondissements bien trouvés. On se concentre donc principalement sur les anxiétés des parents, ce qui montre ainsi les limites du jeu d’acteur de Mel Gibson et Rene Russo, peu alaise dans ce registre, qui misent sur la surenchère. Malgré cela "La Rançon" est un film pop-corn de qualité et bien pensé, captivant très facilement son public grâce à un scénario original et des twists inattendus.