tomPSGcinema (AlloCinéen)

Sa critique : Grâce à la présence d’une merveilleuse histoire d’amour et d’une superbe mise en scène, ce long métrage de Darren Aronofsky s’avère toujours aussi palpitant à suivre même après de multiples visions. Hugh Jackman et Rachel Weisz campe un couple formidable et la photographie est une très grande réussite – notamment quand le récit se déroule en 1500, à l’époque des conquistadors. Une œuvre donc forcément passionnante.

Sa critique : Quand on visionne “Black Swan”, il est tout de même bien difficile de ne pas être ébahit par le talent incroyable de mise en scène de Darren Aronofsky, qui à décider avec une grande intelligence de filmer le tout avec la caméra à l’épaule, car cela permet de pouvoir suivre la descente aux enfers de l’héroine de la meilleure des façons. Le réalisateur fait en effet preuve ici d’une maestria hors du commun sur la quasi-totalité de cette œuvre sombre qui possède en plus une histoire dramatique d’une très grande originalité ainsi qu’une BO superbe de Clint Mansell qui rend bien honneur à l’œuvre de Tchaikovsky. Quant au casting, si on est épater par les performances de Mila Kunis, de Barbara Hershey (qui possède ici le rôle d’une mère possessive qui ressemble étrangement à celle de Piper Laurie dans «Carrie» ) ou encore de Vincent Cassel dans celui du directeur artistique intransigeant, on reste émerveiller et sans voix devant la prestation hallucinante d’un Natalie Portman merveilleuse dans le rôle d’une jeune ballerine qui rêve de devenir danseuse étoile. Cette dernière fait d’ailleurs clairement une des meilleures interprétations féminines que j’ai pu visionner jusqu’à présent. En bref, le réalisateur de «Requiem for a dream» nous a concoctés un chef-d’œuvre absolu et il serait bien dommage de s’en passer.

Sa critique : Malgré un script assez conventionnel ainsi que la prestation en demi-teinte d’une Faith Domergue pas toujours très inspirée dans le rôle de la femme fatale, j’ai suivi sans réel ennui ce film noir américain en grande partie grâce à la qualité de la mise en scène de John Farrow et surtout par rapport à la très grande performance du grand Robert Mitchum. Ce dernier impose tout son talent et son charisme dans le rôle d’un docteur tombant rapidement amoureux d’une patiente qui se trouvera être une vraie psychopathe. On notera également les sympathiques seconds rôles de Claude Rains et de Maureen O’Sullivan (femme du réalisateur à l’époque) et aussi une photographie en noir et blanc d’une certaine beauté.

Sa critique : Pour un de ses premiers films parlants, Cecil B. DeMille réalise avec « The Sign of the cross » un drame historique absolument magnifique, car dotés d’une superbe histoire, d’impressionnants décors et d’une mise en scène comme seul ce réalisateur savait le faire durant cette période du cinéma. D’ailleurs, il y a quantités de séquences mémorables tout au long du métrage, comme celle du bain de lait de l’impératrice dans sa piscine ou encore toute la partie concernant les jeux du cirque qui sont d’une rare violence pour l’époque. Côté casting, on retiendras notamment les grandes performances de Fredric March ( Marcus Superbus ), de Elissa Landi ( Mercia ), de Charles Laughton ( Neron ) ou encore de la sublime Claudette Colbert ( Poppée ). Cette dernière interprète d’ailleurs avec beaucoup de talent une des femmes les plus vicieuses de l’histoire du cinéma. On est donc en présence d’un film à grand spectacle d’anthologie et qui mériterait de figure parmi les plus grandes réussites de son auteur.

Sa critique : Il s’agit du tout premier film que je visionne chez ce réalisateur et le résultat final ne m’a franchement pas déçu car, d’une part, sa mise en scène est bien nerveuse et sans temps mort, et en plus Vincent Gallo nous offre une superbe performance dans le rôle d’un homme traqué. On est donc devant une chasse à l’homme qui propose une grande intensité, une bonne dose de suspense et certaines séquences bien violentes et malgré une fin guère surprenante on passe un excellent moment de cinéma.

Sa critique : Même si je ne peux l’inclure parmi les plus grandes réussites du genre, je dois avouer que j’ai trouvé cette adaptation de “Thor” plutôt fun à visionner. La mise en scène de Kenneth Branagh comporte quelques bons moments au niveau des séquences d’actions, mais aussi sur les scènes plus intimistes que possèdent les personnages de Chris Hensworth et de la belle Natalie Portman. Ces deux comédiens sont d’ailleurs bien inspirés au niveau de leurs prestations, tout comme celle très shakespearienne d’un Anthony Hopkins totalement à son aise dans le rôle d’Odin. Sur le plan artistique, si l’utilisation de la 3D ne s’avère pas forcément très judicieuse, les décors et les effets spéciaux sont en règle générale fort réussis et rendent ce long métrage suffisamment attrayant.

Sa critique : Bien que légèrement inférieur par rapport à l’exceptionnel premier opus, « La secte du lotus blanc » s’avère un très grand film du cinéma d’arts-martiaux grâce à ses séquences de combats ingénieux spectaculaires et aussi pour son humour très présent tout au long du long métrage. Jet Li campe avec talent le rôle principal, les décors sont grandioses et le scénario ne manque pas de rebondissements. Une suite qui s’avère donc totalement recommandable.

Sa critique : Suite du très bon Fist of Legend (qui possédait comme acteur principal un certain Jet Li), ce film asiatique s’avère très sympa et fun à visionner. En effet, nous avons le droit à une mise en scène très rythmée et qui ne manque pas de séquences d’actions, ces dernières étant d’ailleurs assez spectaculaires. L’histoire n’est pas franchement très originale, mais elle a tout de même le mérite de n’être jamais ennuyeuse grâce à la présence de quelques rebondissements bienvenue. Donnie Yen prouve qu’il est un des acteurs asiatiques les plus à l’aise dans les scènes de combats et son interprétation est de première qualité. Quant à la belle Shu Qi, elle nous fait part d’une bonne prestation dans l’ensemble. On est donc en présence d’un excellent film d’action qui devrait largement convenir aux fans du genre.

Sa critique : Me souvenant finalement que très peu du roman de Victor Hugo, je ne pourrais pas dire si cette version s’avère d’une grande fidélité au matériau d’origine, mais qu’importe puisque j’ai passé un très grand moment de cinéma. La mise en scène de William Dieterle est superbe et certaines séquences sont franchement inoubliables – notamment celles qui concerne Louis XI visitant l’imprimerie -, les décors et la photographie sont particulièrement soignés et le casting est excellent. Dans le rôle de Quasimodo on retrouve le magistral Charles Laughton qui fait preuve d’une grande justesse et de beaucoup d’émotions et nul doute que si sa prestation s’avère aussi marquante encore aujourd’hui, elle le doit aussi aux faramineux maquillages que son personnage possède. A ses côtés, nous retrouvons la magnifique actrice irlandaise Maureen O’Hara qui campe avec une belle volonté la belle Esmeralda, mais aussi sir Cedric Hardwicke dans le rôle de Frollo, Edmond O’Brien interprète Gringoire et Thomas Mitchell, Clopin. Bref, il n’y a que du beau monde dans cette palpitante superproduction de la RKO !

Sa critique : Considérer à juste titre comme étant un des très grands films de Josef von Sternberg, « L’ange Bleu » possède une mise en scène d’une grande richesse, des très belles chansons ainsi qu’une photographie qui a particulièrement bien vieilli pour un film qui a tout de même plus de 80 ans d’existence. Mais la grande qualité de ce long métrage est à mettre à l’actif de l’interprétation du casting qui est franchement mémorable. Emil Jannings campe avec une grande énergie un professeur qui va vite tomber amoureux de la belle Lola Lola qui est interpréter avec une grande malice par une Marlene Dietrich qui offre à son personnage une bonne dose d’érotisme.