Ti Nou
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Dominik Moll signe un thriller qui joue sur les points de vue pour distiller ses révélations. Révélations qui ne sont pas toujours efficaces et convaincantes, certaines ficelles scénaristiques étant parfois trop mécaniques et grossières.
On retrouve dans ce deuxième épisode la même ambiance froide exploitée dans masse de polar nordique. Même si ce n’est jamais surprenant, c’est assez réussi dans sa façon de relater une enquête qui va lever le voile sur les secrets d’une communauté.
Une suite qui s’acharne à donner du rythme à son récit en multipliant les course-poursuites où il se passe mille choses à la minute. C’est généreux et on ne s’y ennuie pas mais le récit ne donne jamais le temps à ses personnages secondaires d’exister.
Certes, sa bonne humeur permanente et son absence d’enjeux forts donnent à cette comédie musicale un aspect très superficiel. Mais la forme, avec ses chansons et ses chorégraphies réussies, en font un moment très sympathique et agréable.
En tentant d’être purement factuel et en refusant d’adopter un angle et un point de vue, "L’abandon" passe deux heures à esquiver son sujet. Déléguant Samuel Paty en arrière-plan du récit, le sentiment de solitude ressenti par le professeur face aux lourdeurs administratives et au manque de solidarité de l’équipe enseignante n’est qu’esquissé de façon très caricaturale.
Après une relecture moderne plutôt convaincante de L’homme invisible, Blumhouse et Leigh Whannell aborde un autre Universal monster avec le loup-garou. Et c’est bien moins pertinent, moins réussi. Whannell lorgne vers le body horror en s’attardant sur la métamorphose mais ce n’est jamais suffisamment viscéral pour créer des séquences fortes.
"À toute épreuve" ne se démarque pas par son intrigue, très classique, de flic infiltré et de trafic d’armes, mais par son climax immense de près d’une heure d’action non-stop ultra-généreuse signée par un orfèvre du genre.
Que ce soit dans sa façon de traiter son sujet ou dans sa mise en scène, "En tongs au pied de l’Himalaya", très convenu, tient davantage du téléfilm que d’une œuvre de cinéma. Heureusement, il y a un très jeune acteur, parfaitement dirigé, qui hausse considérablement le niveau de crédibilité du film.
Plus film social que polar, "Max et les ferrailleurs" finit par être un film lourd, empesé. Il ménage peu de rebondissements pour alimenter son côté polar et s’avère trop littéraire et théâtral pour que son aspect social soit réaliste et crédible.
Un film assez singulier dans la carrière de Darren Aronofsky. Il y délaisse son symbolisme appuyé et son style très démonstratif pour un thriller tendu qui multiplie les rebondissements dans une volonté de pur divertissement. C’est remarquablement emballé et efficace.
Une petite pépite du cinéma d’horreur venue d’Argentine. Ce récit, entre possession démoniaque et épidémie, est glauque, malsain et parvient à mettre terriblement mal à l’aise en osant des images fortes, violentes.
Il fallait réussir à faire de tels événements et d’un tel contexte historique, un film aussi mou et ennuyeux. Alors certes, c’est très joli : la photographie est magnifique, les plans sont superbement composés, mais c’est froid, désincarné, sans souffle.
Le premier épisode était moche et faisait l’erreur d’être bien trop solennel. Cette suite reste blindée d’effets spéciaux numériques laids mais elle assume mieux son côté nanar et s’avère donc bien plus plaisante proposant même quelques séquences de combat plutôt bien chorégraphiées.
L’idée de placer son thriller dans le monde opaque du sport de haut niveau est un excellent point de départ. Encore faut-il en faire quelque chose. Ça ne restera malheureusement qu’un décor peu exploité de la quête, très classique, d’un protagoniste pris dans un compte-à-rebours mortel.
Devant revenir dans son village natal suite à l’infarctus de son père, Cécilia va être amenée à remettre en question son parcours et ses buts. Un film touchant, particulièrement doux et confortable lorsqu’il reprend les tubes emblématiques des années 90.
Au moins, ça a le mérite d’être court et direct. Dans un concept qui fait penser à "Sharknado", on y suit deux groupes en proie à un ouragan et à des attaques de requins. Deux groupes qui ne se croiseront jamais dans un récit de survie parfois amusant mais souvent grotesque.
Si on retient beaucoup John Woo dans le cinéma d’action hong-kongais des années 90, il ne faut pas non plus oublier Ringo Lam, qui signe ici un film très réussi dans sa structure dramatique, descente aux enfers d’un héros poussé au sacrifice.
"L’aurore" est bien le chef d’œuvre attesté. Si ça façon d’aborder les rapports entre homme et femme est de son époque, la mise en scène, elle, est d’une extraordinaire modernité. C’est un film sublime, une œuvre majeure.
Le premier épisode était déjà consternant dans sa volonté d’effacer toutes ambiguïtés et éléments esthétiques gothiques rendant la famille Addams marquante. Cette suite fait encore pire sur tous les plans en poussant plus loin tout ce qui était désagréable dans le précédent : le récit parvient à être encore moins bien construit, prenant le prétexte d’un voyage pour empiler les séquences les unes aux autres sans ambition narrative.
"La famille Addams" avait bien besoin d’une version numérique moche et dévitalisée... Elle est assez symptomatique du cinéma d’animation pour enfant de ces dix dernières années : ça ne cherche jamais à construire un récit intéressant et des personnages forts mais ça enchaîne les séquences à un rythme effréné comme une série de sketchs mis bout à bout sans cohérence.
Si cette suite ne parvient pas à être aussi réjouissante que le premier épisode, elle reste cependant suffisamment généreuse et riche en gags pour être un bon moment. On y retrouve avec plaisir les antagonistes du premier.
Sans surprise, ce biopic sur Michael Jackson a les mêmes problèmes que "Bohemian Rhapsody" : c’est sans enjeu, ça dépeint son personnage d’artiste sans la moindre nuance et c’est dénué d’idées. Il y a bien l’envie d’aborder un récit d’émancipation vis-à-vis d’un père toxique, mais en enchaînant les dialogues aux répliques gênantes dignes d’un mauvais ouvrage de développement personnel, c’est plus embarrassant ...
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Valérie Donzelli signe un film fort, apte à secouer le spectateur en lorgnant vers le thriller. Elle y narre avec beaucoup de justesse la quête d’émancipation d’une femme sous l’emprise d’un mari toxique et violent.
On retiendra davantage les apparitions glaçantes de Nicolas Cage qui s’amuse dans un rôle réellement effrayant. Mais l’intrigue gère bien mal son côté fantastique. Dans le style, Osgood Perkins semble tout faire pour que "Longlegs" entre dans la catégorie de l’elevated horror mais il ne raconte rien de suffisamment riche pour ça.
Un film catastrophe, avec son lot d’excès et d’invraisemblances, ancré dans les années 90. Mais, même s’il se distingue par son héroïne, il est à mettre dans le bas du panier parce qu’il est réalisé comme un vulgaire téléfilm.
Le premier épisode, melting-pot de genres extrêmement généreux, est un vrai bonheur. Cette suite, même si elle surprend moins et s’avère un peu moins réussie, provoque le même plaisir d’une fantaisie foutraque qui ose tout.
Si on est dans la structure classique du biopic avec son rise and fall, and rise again. "Rocketman" se démarque par ses nombreuses idées, une mise en scène exubérante (à l’image du chanteur), et une excellente utilisation de la musique poussant le film vers la comédie musicale.
"Histoires de fantômes chinois" est le genre de film complètement fou qui nous laisse des étoiles plein les yeux. Ça croise un peu tout et n’importe quoi (le wu xia pian, le fantastique horrifique, la romance vaudevillesque…) mais au lieu de tomber dans une tambouille indigeste, c’est un spectacle d’une générosité folle, drôle et touchant, brillant dans ses outrances.
"Megalopolis" est bien une œuvre mégalomane, démesurée qui en fait des tonnes et des tonnes quitte à déborder et à devenir imbuvable. C’est souvent pompeux et très artificiel dans son opposition entre progressisme et conservatisme mais c’est bourré d’idées et stimulant.
Les thématiques (maladie, euthanasie…) pourraient facilement conduire au pathos et au larmoyant mais les deux actrices sont suffisamment formidables pour apporter au récit les nuances nécessaires pour le faire respirer.
C’est bien beau de vouloir faire du cinéma lent et contemplatif, appelant à l’introspection, encore faut-il qu’il y ait autre chose à contempler que des plans moyens de quinze minutes ou des panoramiques mous interminables qui ne mettent rien en valeur.
Avec sa structure abordant la même situation de crise de trois points de vue différents, "A house of dynamite" n’évite pas les redites et la lassitude. D’autant plus que, malgré un sujet passionnant, la mise en scène de Kathryn Bigelow cherche à créer le sentiment d’urgence à base de caméra portée mais en devient systématique et superficielle.
Lino Ventura joue encore les gros bras dans ce film d’espionnage maladroit et peu mémorable. Il est surtout plombé par une intrigue qui passe beaucoup trop par des dialogues à rallonge pour qu’on ait envie de s’y intéresser.
Pour la première fois, Toledano et Nakache quitte le contemporain pour le passé. Si on est jamais très loin d’une insupportable vision de carte postale des années 80 et d’une succession de clichés pénibles sur l’adolescence, les deux réalisateurs parviennent à les nuancer et les désamorcer par quelques gags et répliques bien trouvées et des acteurs investis.
En plus d’être techniquement irréprochable en poussant le stop motion à son plus haut niveau, "Ma vie de courgette" est un récit dickensien poignant sur un groupe d’orphelins en quête d’un peu de bonheur. Joli et jamais misérabiliste.
La carrière d’Antoine Fuqua est une succession d’œuvres au mieux médiocres, au pire insupportables. Et ce remake n’y change rien. Malgré la qualité de son casting, aucun personnage n’est correctement mis en valeur et le film, plat, ne provoque aucune émotion.