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Nettoyé donc de toute forme d’excès, Le Diable s'habille en Prada 2 ressemble à la mode d’aujourd’hui : bien-pensant, faussement engagé, vaguement féministe.
D’emblée, le film dilapide l’épaisseur mystérieuse que présente son singulier décor, réduit au rang d’arrière-plan.
Le montage de "Do You Love Me" fait émerger un monde à part entière, construit à partir de fragments disparates qui finissent par esquisser une unité - fragile, mais porteuse de la possibilité de recomposer un récit commun.
Ramsay confond intensité et tintamarre.
Dao ne conçoit pas la culture comme un bien légué en l’état aux générations suivantes, mais comme une matière vivante, en constante transformation.
Michael peut être vu comme le portrait d’un artiste entièrement absorbé par la logique de production capitaliste : c’est l'histoire d'une ascension sans chute, qui ne retient du chanteur que sa facette la plus spectaculaire, celle d'une "making money machine".
Un film limité par son didactisme et ses effets de manche.
Si le film n’est pas dénué de tendresse pour ses personnages, il manque de chair et de consistance dans sa manière de figurer le cheminement de son héroïne jusqu’au cœur du désert tchadien.
C’est surtout par sa manière de faire l’archéologie de ce discours sur la grève du sexe, en le saisissant dans son historicité, que le film se révèle intéressant.
Le film de Verbinski, dont le logiciel paraît bien obsolète, ne fait qu’aligner des visions criardes et périmées.
Là où les cadres rigides de Demirkubuz écrasaient autrefois ses personnages, ils semblent ici simplement les laisser dériver.
L'intérêt d'Affection affection naît justement de cette dédramatisation qui installe un état d'incertitude déjouant les mécanismes conventionnels du mystère.
Un film raté, mais curieux dans sa volonté de condenser toutes les facettes du cinéma de Gus Van Sant.
Comme souvent, Toledano et Nakache frottent jusqu'à un certain point leur programme comique à une matière politique, voire abrasive, avant de prendre la tangente. C'est toutefois l'intérêt du film : la fuite est ici littérale et devient son sujet.
La trilogie s’achève sur une immense manifestation d’étudiants à la télévision et l’idée d’une transmission. Loin de la démarche centipède de Cassavetes, qui consistait à s’enrouler dans les replis intimes des personnages jusqu’à la crise, Anja Breien part de cette dernière pour s’ouvrir sur un groupe, une époque et une communauté, transformant le drame intime en question politique.
Le geste métafilmique se montre rapidement appuyé.
Il y a lieu de se demander pourquoi Claire Denis tient encore à filmer l’ailleurs, tant l’autre se réduit presque toujours au même.
À la manière des flux de conscience de Virginia Woolf, le récit s’atomise en une succession de pensées fragmentaires.
L'inquiétude dans laquelle baigne le film constitue surtout une manière de saisir l’ambivalence mélancolique propre à l’innocence, dont la beauté se déploie toujours dans l’anticipation de sa perte.
Le film s’achève d’ailleurs sans que l’intrigue ait trouvé un point de fuite, la cinéaste décidant de libérer le destin de ses héroïnes des limites de l’intrigue.