Avis : Clayface - Page 5

Un film divertissant et bien réalisé, qui sait maintenir le spectateur en haleine du début à la fin. Les personnages, même s’ils restent assez conventionnels pour le genre, sont convaincants et tiennent la route. Le rythme fonctionne, l’ambiance est réussie et l’on se laisse facilement embarquer. Un bon moment de cinéma, tout simplement !

Depuis que James Gunn a pris les reines de DC Comics, l'objectif était notamment de "sortir" d'une vague de blockbuster à la marvel sans saveur. Après un Superman inventif, un Supergirl basique et des séries à foison (que j'ai pas vu), l'univers s'étend par Clayface

La bande annonce et les premiers retours nous avaient annoncé un film d'horreur typique d'un film auteur. Cette promesse, que je tenais tant, a été tenu !

James Watkins, habitué au cinéma d'horreur, nous plonge dans un body horreur vraiment efficace et évite l'auto-censure. Ceci est grandement par le scénario écrit en partie par Mike Flanagan. Sans surprise, l'horreur est partout et symbolique par le récit raconté. On sent sa pate lorsque l'émotion arrive : un équilibre parfait.

L'ambiance régné est prenant. On retrouve un Gotham crasseux (comme dans The Batman) avec des plans sombres et filmé globalement de nuit.

Les acteurs et actrices sont convaincant et le travail des effets est très réussi !

Autant dire que la hype est mérité autour de ce film, en espérant qu'il trouve son public.

Les autres films de super héros devraient s'en inspirer : Avoir une vraie empreinte d'auteur quand l'histoire le permet

Le film aurait dû s'appeler doppelganger : on ne voit que ça dans le Long métrage . Il ne se transforme jamais en quoi que ce soit ( une honte !!! ) . Pratiquement toutes les scènes de meurtres sont hors-champ et ne sont pas très imaginatif.
. Concernant le body-horror : les scènes corporelle ou de chair sont plutôt superflu car rien non plus de terrorisant. On nous vends une suite à la dernière minute du film qu'on aurait voulu voir pendant tout le long du film . Film trop sage . malheureusement dommage il yavait du potentiel . Encore un acte manqué concernant le producteur James gunn ...

Une très bonne surprise, moi qui déteste les films Marvel (ça tombe bien ici on est chez DC comics). Ici, le super-vilain de l’univers Batman est un mix entre Double-Face et Darkman, le film de Sam Raimi (*dans lequel un scientifique atrocement défiguré, laissé pour mort, devient un être monstrueux animé par la vengeance. Comme chez Raimi, c’est cette transformation physique qui fait basculer un homme dans une autre identité, avec tout ce que cela implique de rage).

J’ai quand même eu un peu de mal au début, tant tout va vite : la défiguration du personnage, sa rencontre avec la médecin qui va lui proposer une solution miracle (et sans protocole du tout, seule dans son coin), leur attirance… Tout s’enchaîne un peu trop vite. Sans doute pour coller aux attentes d’un public plutôt jeune adulte, qui semble avoir de moins en moins de patience quand il s’agit de laisser une intrigue s’installer, comme on savait encore le faire au siècle dernier.

Mais petit à petit, la sauce prend. Et notamment grâce au charisme animal de Tom Rhys Harries, un acteur totalement inconnu pour moi (un peu le frère jumeaux de caleb Landry Jones) qui porte le film avec une belle intensité, grâce aussi à la virtuosité de la mise en scène de James Watkins (qui a prouvé qu'il sait filmer la peur et l'horreur avec le très bon "Speak No Evil") et le scenario diablement efficace de Mike Flannagan (qui a réussit un très interessant Remake du "Carrie" de Stephen King et De Palma)

Le film est à la fois terrifiant, glauque et franchement divertissant. Le body horror y est particulièrement réussi, avec des effets spéciaux qui font leur effet, mais sans le côté pesant de The Substance. Ici, l’horreur physique s’accompagne d’un vrai plaisir de cinéma pop corn, avec même quelques touches d’humour bienvenues, notamment cette scène de boîte de nuit et sa chorégraphie aussi inattendue que réjouissante.

Mais ce qui me plaît surtout, c’est que le personnage n’a rien d’un héros lisse et redresseur de torts. Il tue, il se venge, ne laisse aucune place au doute et n’accorde pas de seconde chance. On lui a enlevé son humanité ? Tant pis pour ceux qui en sont responsables ! Et c’est justement cette absence de scrupules qui rend notre antihéros aussi jouissif.

Décidément, la nouvelle ère de l’univers Batman, où Batman lui-même n’est plus forcément au centre du jeu, continue de se surpasser. Après l’excellente série The Penguin, Clayface confirme qu’il y a encore de belles choses à raconter dans les marges de Gotham, en explorant ses monstres et ses laissés-pour-compte plutôt qu’en nous resservant une énième aventure du Chevalier noir.

Pendant que les blockbusters de super-héros s’épuisent à sauver le monde, eux préfèrent nous plonger dans la fange, le sang et la folie. Et franchement, c’est autrement plus réjouissant.

Vraiment pas terrible. Aucune réflexion, pas crédible, pas toujours bien joué, très prévisible...

En un mot : raté.

Une bonne surprise. Une adaptation solide du personnage qui ménage ses effets, reste suffisamment gore dans sa mise en scène, et prends le temps de développer la tragique plongée en enfer de son protagoniste principal. La transformation physique est de plus supporté par un bon mélange entre effets pratiques et effets spéciaux au service de la mise en scène. On demanderait presque plus d'adaptations des méchants iconiques de Batman. A Quand Calendar man et le Ventriloque ?

J’ai adoré CLAYFACE ! 喝 DC Studios nous propose un film de body horror complètement dingue, et franchement, en tant que fan du genre, je me suis régalé !

Derrière la caméra, James Watkins fait un excellent travail. L’ambiance est sombre, malsaine et oppressante, exactement ce que j’attendais d’un film comme celui-ci. Du côté du casting, Tom Rhys Harries est incroyable dans le rôle de Matt Hagen ! Sa performance est bluffante, et on s’attache énormément à son personnage avant de le voir sombrer progressivement dans quelque chose de monstrueux. Naomi Ackie est tout aussi excellente, et son duo avec Tom Rhys Harries fonctionne à merveille !

喝 Parlons maintenant du body horror ! C’est clairement l’un des gros points forts du film, mais j’avoue que j’aurais aimé que le réalisateur aille encore plus loin dans le gore et l’horreur corporelle. La fameuse scène de l’avion est complètement folle ! 勞 Mais là encore, j’ai eu le sentiment qu’ils auraient pu pousser le curseur encore plus loin.

J’ai même eu l’impression que DC Studios et Warner Bros. avaient peut-être retenu certaines scènes ou limité leur intensité pour ne pas trop choquer le public. Attention, ce n’est que mon ressenti, et je n’affirme absolument pas que c’est réellement le cas. Mais vu le potentiel du film, j’aurais adoré découvrir une version encore plus viscérale et dérangeante !

 Autre énorme point fort : Gotham ! L’atmosphère de la ville est incroyable. On ressent vraiment la patte de Matt Reeves, qui officie ici comme producteur. Gotham est sombre, poisseuse et inquiétante, et elle colle parfaitement à l’histoire.

Et que dire de la transformation finale de Matt Hagen en Clayface ? C’est une véritable dinguerie ! 勞 Visuellement, c’est exactement le genre de séquence qui reste en tête après le générique.

En bref, CLAYFACE nous retourne le cerveau ! Un film sombre, dérangeant et porté par deux excellentes performances. J’aurais simplement aimé que le body horror soit encore plus extrême, mais cela n’enlève rien au plaisir que j’ai pris devant ce film.

DC Studios, continuez à nous proposer ce genre de films ! 喝

Ce film est très bien joué et c’est pour ça que je mets 4 comme note mais il m’a fait penser au film The substance le pire film que j’ai vu de ma vie et ça c’est dommage. 

Il y a quelque chose de profondément cruel à raconter l’histoire d’un acteur à qui l’on arrache son visage. Car pour celui qui a consacré son existence à être regardé, la défiguration ne constitue pas seulement une mutilation physique : elle menace jusqu’à la possibilité d’exister aux yeux des autres. C’est sur cette idée particulièrement féconde que James Watkins bâtit *Clayface*, récit d’une dépossession qui fait de la transformation corporelle le prolongement d’une blessure intime. Matt Hagen, comédien ayant arraché sa réussite à la précarité de Gotham, voit son ascension brutalement interrompue lorsqu’une agression détruit son apparence et, avec elle, les fondements de son identité sociale. Dans un milieu où la valeur d’un individu semble indissociable de son image, il découvre que l’admiration, la loyauté et les promesses de réussite peuvent disparaître aussi rapidement qu’elles sont apparues. La perspective d’un traitement expérimental lui offre alors l’espoir de retrouver ce qu’il a perdu, mais ouvre également la porte à une horreur autrement plus insidieuse. Le film possède ainsi un point de départ remarquablement pertinent : faire d’un homme dont le métier consiste à incarner les autres quelqu’un qui risque de ne plus pouvoir être lui-même. Une contradiction aussi fascinante que tragique, dont Watkins tire un spectacle horrifique solide et parfois saisissant, sans toutefois parvenir à en épuiser toute la richesse psychologique.

La principale qualité de *Clayface* réside dans son approche résolument organique de l’horreur. Watkins comprend que la monstruosité du personnage ne doit pas seulement impressionner par ses proportions ou ses capacités, mais provoquer une réaction presque instinctive devant la perspective d’un corps qui cesse d’obéir à son propriétaire. La chair devient une matière instable, les contours du visage perdent leur fiabilité et les transformations prennent une dimension profondément anxiogène parce qu’elles bouleversent ce que nous considérons comme le plus élémentaire : la permanence de notre propre anatomie. Le recours important aux maquillages prothétiques et aux effets physiques constitue à cet égard un choix particulièrement judicieux. La texture des chairs, leur pesanteur et leurs déformations possèdent une matérialité qui permet aux mutations de conserver une dimension tangible, même lorsque les effets numériques viennent en prolonger les possibilités. Watkins sait également travailler la proximité du cadre, la durée des gestes et l’anticipation de la douleur pour susciter un malaise qui ne dépend pas exclusivement de la violence graphique. Certaines séquences témoignent d’une véritable inventivité dans la manière de transformer des situations ordinaires en expériences de panique corporelle. Cette efficacité demeure néanmoins inégale : lorsque les manifestations horrifiques deviennent plus démonstratives, la sophistication des effets tend parfois à prendre le dessus sur leur puissance émotionnelle. Le film impressionne alors davantage par ce qu’il est techniquement capable de montrer que par ce qu’il nous fait ressentir.

Cette réussite visuelle s’accompagne d’un travail d’atmosphère appréciable. La photographie de Rob Hardy confère à Gotham une identité sombre et oppressante, dominée par les reflets artificiels, les architectures massives et une impression persistante de délabrement. La ville semble partager avec son protagoniste une même maladie : derrière ses façades prestigieuses se dissimule un monde gangrené par la corruption, les rapports de domination et l’indifférence à la souffrance individuelle. Watkins évite heureusement de réduire cet environnement à un simple catalogue de références destinées aux amateurs de l’univers DC. Gotham possède une présence suffisamment concrète pour accueillir une histoire qui pourrait presque se dérouler indépendamment de toute mythologie super-héroïque. La direction artistique, les décors et le travail sur les matières participent à cette cohérence esthétique, tandis que la mise en scène privilégie régulièrement des espaces resserrés qui accentuent le sentiment d'enfermement. Il en résulte une atmosphère de thriller urbain particulièrement adaptée à la dégradation physique et morale de Matt. Pourtant, cette identité plastique, aussi convaincante soit-elle, ne s’accompagne pas toujours d’une inventivité dramaturgique équivalente. Le cadre possède une personnalité plus affirmée que certaines situations qu’il accueille, et l’intrigue emprunte progressivement des chemins dont la familiarité atténue la singularité de son point de départ.

Tom Rhys Harries constitue heureusement un véritable point d’ancrage émotionnel. Son interprétation repose sur un équilibre intéressant entre la vulnérabilité d’un homme humilié et la fébrilité d’un individu qui refuse désespérément de renoncer à l’existence qu’il s’était construite. L’acteur parvient à faire sentir combien l’assurance de Matt dépendait auparavant du regard des autres, puis combien la disparition de cette reconnaissance fragilise sa perception de lui-même. Son travail corporel mérite également d’être souligné : les mouvements, les tensions musculaires et les réactions à l’inconfort donnent aux transformations une dimension vécue plutôt que simplement spectaculaire. Harries conserve suffisamment d’humanité pour rendre perceptible la souffrance derrière la monstruosité, même lorsque le personnage devient plus difficile à comprendre ou à soutenir. Naomi Ackie lui oppose une présence plus contenue dans le rôle de Caitlyn Corr, scientifique dont les ambitions et les propres blessures permettent au film d’aborder les promesses contradictoires du progrès médical. Leur relation possède un potentiel dramatique réel, puisqu’elle confronte deux formes de dépossession et deux désirs de réparation. Cependant, son développement manque parfois de nuances et de respiration. Certains rapprochements émotionnels paraissent davantage dictés par les nécessités du scénario que par une évolution suffisamment progressive des personnages. Quant aux figures secondaires, malgré des interprètes investis, elles demeurent trop fréquemment définies par leur fonction dans les péripéties, au détriment d’une véritable autonomie psychologique.

C’est précisément sur le terrain de l’écriture que *Clayface* révèle ses limites les plus importantes. Le scénario de Mike Flanagan et Hossein Amini dispose pourtant de plusieurs pistes passionnantes : la marchandisation de l’apparence, la violence sociale de la célébrité, les frontières éthiques de l’expérimentation scientifique et, surtout, le rapport entre l’identité personnelle et la reconnaissance extérieure. Mais ces différentes dimensions ne bénéficient pas toutes du même approfondissement. La critique d’un monde où l’on peut perdre sa valeur en perdant son visage demeure pertinente, sans toujours dépasser un constat relativement attendu. De même, les interrogations sur le pouvoir de la science et sur ses conséquences humaines servent efficacement le récit, mais auraient gagné à être confrontées à des contradictions morales plus complexes. Le film se montre particulièrement intéressant lorsqu’il suggère que l’obsession de retrouver une existence passée peut devenir aussi destructrice que l’événement qui l’a anéantie. Il se révèle moins convaincant lorsqu’il transforme cette idée en mécanique de vengeance relativement conventionnelle. La psychologie de Matt n’est jamais dépourvue de cohérence, mais plusieurs étapes de son évolution paraissent insuffisamment développées pour produire toute la force tragique recherchée. Watkins sait nous placer devant les conséquences d’une souffrance ; il peine davantage à nous faire éprouver, avec une égale précision, les mécanismes intérieurs par lesquels cette souffrance se transforme.

Cette difficulté se retrouve dans l’équilibre général du film, constamment partagé entre drame intime, horreur corporelle, thriller criminel et spectacle de transformation. La diversité des registres contribue indéniablement à son dynamisme, mais elle entraîne aussi quelques ruptures de ton. Certaines séquences semblent vouloir installer une douleur durable, tandis que d’autres privilégient l’efficacité immédiate, l’humour macabre ou la satisfaction viscérale du spectacle. Ces différentes intentions ne sont pas incompatibles, mais leur articulation manque parfois de fluidité. La progression narrative connaît également quelques facilités, notamment dans la manière dont certains événements interviennent pour accélérer les conflits ou relancer les enjeux. Le problème n’est pas tant que le film obéisse à des conventions de genre que le fait qu’il dispose d’une matière suffisamment singulière pour mériter une construction moins prévisible. Sa durée relativement resserrée favorise une certaine efficacité, mais laisse paradoxalement le sentiment que plusieurs relations et dilemmes auraient nécessité davantage d’espace. À force de vouloir faire coexister la tragédie, la romance, l’épouvante et la vengeance, *Clayface* finit parfois par effleurer ce qu’il aurait fallu approfondir.

Il serait toutefois excessif de réduire ces réserves à un échec de ses ambitions. James Watkins signe un film qui possède une véritable personnalité, une liberté de ton appréciable et un rapport à la violence suffisamment frontal pour échapper à l’aseptisation que pourrait laisser craindre son appartenance à une franchise. Sa mise en scène témoigne d’un authentique savoir-faire, particulièrement lorsqu’elle fait de l’altération physique une source de suspense, et son acteur principal apporte une densité humaine indispensable à un personnage qui aurait facilement pu n’être qu’une attraction monstrueuse. Le film réussit également à préserver une interrogation troublante derrière ses débordements organiques : que reste-t-il de notre identité lorsque disparaissent les attributs sur lesquels nous avions fondé toute notre existence ? C’est cette question qui nourrit ses meilleurs moments et lui confère une profondeur que ses imperfections narratives ne parviennent pas entièrement à effacer.

*Clayface* demeure ainsi une proposition horrifique convaincante, généreuse dans ses effets, régulièrement inventive dans sa réalisation et portée par une idée centrale d’une réelle puissance symbolique. Mais sa construction dramatique trop familière, ses personnages secondaires insuffisamment développés et son exploration psychologique parfois superficielle l’empêchent de devenir la grande tragédie monstrueuse qu’il semblait pouvoir être. Il en reste un film de genre intéressant, techniquement soigné et suffisamment habité pour susciter une véritable empathie, même si le souvenir de certaines images risque de survivre davantage que celui de son parcours émotionnel. Car toute l’ironie de cette histoire tient finalement dans cette évidence : il ne suffit pas de déformer un visage pour révéler ce qui se cache derrière.

Spoilers:

spoiler: Il existe une cruauté particulière dans le fait de détruire le visage d’un acteur : ce n’est pas seulement son apparence qu’on lui arrache, mais l’instrument même par lequel il existe aux yeux des autres. C’est autour de cette idée que James Watkins construit *Clayface*, une plongée dans la défiguration, l’obsession et la dissolution de l’identité, où la naissance d’un monstre trouve son origine dans une tragédie profondément humaine. Matt Hagen, jeune comédien promis à une carrière prestigieuse, découvre brutalement que sa réussite, son entourage et jusqu’à sa crédibilité reposaient sur une image infiniment plus fragile qu’il ne l’imaginait. Lorsque le criminel Markos Szabo lui lacère le visage, sa vie s’effondre avec une rapidité terrifiante. Sa réputation est méthodiquement détruite, ses proches l'abandonnent ou le trahissent, et les institutions censées le protéger se révèlent impuissantes face à ceux qui disposent de l’argent et de l’influence nécessaires pour les contourner. Le film trouve dans cette déchéance une matière dramatique intéressante : avant même que la chair ne commence à se transformer, c’est déjà le regard des autres qui a fait de Matt un monstre. L’une des principales réussites de *Clayface* réside dans sa volonté de traiter cette histoire comme un véritable récit d’horreur corporelle plutôt que comme le simple prélude aux affrontements d’un univers super-héroïque. Gotham n’est pas ici un terrain de jeu spectaculaire, mais une ville oppressante, saturée de bâtiments imposants, de lumières artificielles et de recoins où la misère semble parfaitement cohabiter avec le luxe. La photographie de Rob Hardy et les décors contribuent à installer une atmosphère poisseuse, presque maladive, qui épouse progressivement la décomposition physique et morale du protagoniste. Watkins possède un sens indéniable de la tension et sait exploiter la matérialité des corps avec une inventivité parfois remarquable. Les effets de maquillage, les prothèses et les transformations numériques se complètent généralement avec une efficacité convaincante, donnant aux métamorphoses une dimension organique particulièrement désagréable. La séquence de l’avion, durant laquelle Matt doit découper aux ciseaux la matière qui soude ses paupières, constitue à cet égard un excellent morceau de cinéma horrifique : l’exiguïté des toilettes, les turbulences et l’impossibilité momentanée de voir transforment un dérèglement anatomique en expérience de panique presque physique. L’horreur fonctionne alors parce qu’elle ne repose pas uniquement sur ce que l’on montre, mais sur la sensation insupportable d’être prisonnier d’un corps devenu étranger. Tom Rhys Harries apporte au personnage une vulnérabilité qui permet de croire à cette dépossession progressive. Son interprétation est particulièrement convaincante lorsqu’il laisse apparaître, derrière la colère et le désespoir, l’humiliation d’un homme incapable d’accepter la disparition de celui qu’il croyait être. Il parvient aussi à préserver quelque chose d'infantile dans la quête de reconnaissance de Matt, ce besoin presque maladif d’être admiré, aimé et rassuré, qui prend progressivement une tournure inquiétante. Face à lui, Naomi Ackie compose une Caitlyn Corr sensible et retenue, scientifique elle-même blessée par un système qui a confisqué le mérite de ses recherches. Leur rapprochement possède ainsi une justification intéressante : deux êtres dépossédés de ce qu’ils ont construit trouvent momentanément dans leur collaboration la possibilité d’une réparation. Pourtant, cette relation révèle également l’une des limites majeures du scénario de Mike Flanagan et Hossein Amini. Ce qui devrait devenir le cœur émotionnel du récit peine parfois à dépasser sa fonction narrative. Les sentiments de Matt évoluent plus rapidement que leur approfondissement ne le permet véritablement, tandis que John Borrelli, le fiancé de Caitlyn, demeure trop souvent réduit au rôle d’obstacle sentimental et d’enquêteur chargé de faire progresser l’intrigue. Le triangle qui se dessine manque de complexité pour donner toute sa force à ses conséquences tragiques. Cette fragilité affecte plus largement la transformation psychologique de Matt. Le film possède une idée particulièrement féconde : offrir à un acteur capable d’incarner n’importe qui le pouvoir de devenir littéralement n’importe qui. Son don représente alors autant l’accomplissement monstrueux de sa vocation que l’aboutissement de son incapacité à se définir autrement qu’à travers le regard d’autrui. Mais cette proposition, aussi riche soit-elle, n’est pas explorée avec toute la rigueur qu’elle mériterait. À mesure que le récit s’oriente vers la vengeance, l’enchaînement des confrontations tend à prendre le pas sur l’examen des contradictions intérieures du personnage. Les meurtres de Frank Fitzpatrick et de Corey Bowery sont particulièrement révélateurs : la trahison de ces hommes donne à la colère de Matt une origine compréhensible, mais le plaisir de punir finit par supplanter trop facilement le vertige moral que devrait provoquer le franchissement de l’irréparable. Le scénario semble parfois hésiter entre la volonté de préserver notre compassion et celle de faire de son protagoniste un prédateur de plus en plus terrifiant. Cette ambiguïté pourrait être passionnante si elle était véritablement travaillée ; elle apparaît trop souvent comme une difficulté à articuler les différentes étapes de sa déshumanisation. Les possibilités offertes par les nanites évoluent également au gré des nécessités dramatiques, avec une souplesse qui facilite les rebondissements sans toujours renforcer leur crédibilité. Il serait néanmoins injuste de minimiser la réussite de certaines séquences de violence, notamment celle du Vesuvius, où les changements d’apparence deviennent les instruments d’une mise en scène particulièrement ludique et cruelle. Watkins exploite habilement la circulation des corps, les déplacements dans l’espace et les ruptures d’identité pour faire naître une confusion qui sert autant le suspense que le spectacle. La vengeance de Matt contre Szabo possède même une cohérence visuelle redoutable : en retournant contre son bourreau la mutilation qui a détruit sa propre existence, il fait de son corps l’arme et le témoignage de sa souffrance. Mais cette inventivité ne suffit pas à masquer une progression dramatique relativement prévisible, ni le caractère parfois fonctionnel des personnages secondaires. Le film multiplie les manifestations spectaculaires de la monstruosité sans toujours leur donner une signification nouvelle. Plus gênante encore est la manière dont le meurtre de John, commis pour supprimer ce que Matt considère désormais comme le dernier obstacle à son bonheur avec Caitlyn, intervient comme l'ultime confirmation d'une dérive que le récit a insuffisamment interrogée. Ce geste est pourtant essentiel : Matt ne cherche plus seulement à récupérer l’existence qu’on lui a volée, il estime désormais pouvoir disposer de celle des autres. Sa douleur ne justifie plus ses actes ; elle devient le prétexte par lequel il s’autorise tout. C’est précisément dans cette confusion entre amour, possession et besoin de reconnaissance que *Clayface* retrouve, lors de son dénouement, sa dimension la plus troublante. Après avoir perdu le contrôle de sa transformation et survécu à la destruction supposée des nanites, Matt disparaît dans les entrailles de Gotham. La séquence finale, où il semble retrouver Caitlyn avant que l’on découvre qu’il a lui-même façonné cette présence à partir de son propre corps, contient sans doute l’idée la plus désespérée du film. Celui qui rêvait de retrouver son visage possède désormais la capacité d’en créer une infinité, mais il ne peut plus obtenir ce qui lui manque réellement : être aimé par quelqu’un qui le reconnaisse pour ce qu’il est. En fabriquant lui-même la femme qu’il désire, il transforme sa solitude en représentation, condamné à jouer simultanément les deux rôles d’une histoire d’amour dont il ne reste plus que lui. Le comédien est devenu son propre partenaire, son propre public et sa propre illusion. L’apparition de sa forme monstrueuse définitive donne alors une conclusion visuelle saisissante à cette contradiction : Matt a conquis le pouvoir absolu de modifier son apparence, au prix de la destruction de tout ce qui pouvait encore lui permettre d’exister derrière elle. Reste que cette dernière image, aussi forte soit-elle, révèle également ce qui sépare *Clayface* d’une œuvre pleinement accomplie. Le film sait admirablement représenter la dégradation d’un corps, mais peine davantage à rendre parfaitement sensible la continuité de la conscience qui l’habite. Ses ambitions psychologiques et sa générosité horrifique ne se rejoignent pas toujours avec la profondeur espérée. La critique du culte de l’apparence, la violence des rapports de pouvoir, les dérives de l’expérimentation scientifique et la tentation de substituer la vengeance à la justice constituent autant de pistes stimulantes, parfois esquissées plutôt que véritablement développées. Pourtant, grâce à une atmosphère soignée, des effets corporels mémorables, un interprète principal investi et quelques trouvailles de mise en scène particulièrement inspirées, James Watkins signe un film de genre solide, régulièrement captivant et suffisamment singulier dans son approche pour susciter un intérêt réel. Une œuvre imparfaite, dont les ambitions excèdent parfois la maîtrise narrative, mais qui possède assez de personnalité pour ne pas se réduire à la présentation d’un futur adversaire de Batman. Au fond, sa plus belle intuition tient dans ce paradoxe tragique : Matt Hagen ne devient pas un monstre parce qu’il a perdu son visage, mais parce qu’il finit par croire qu’aucun visage ne saurait lui rendre ce qu’il a perdu.

Déjà introduit dans "Creature Commandos", Gueule-d’Argile a droit à sa propre origin-story et autant dire que le résultat apporte du neuf à l’univers DC. Après nous avoir offert des films très super-héroïques, l’univers prend une tournure inattendue avec un ton horrifique et gore. Le parcours du personnage principal m’a paru « caricaturer » l’entreprise du cinéma. J’ai juste été très déçu du dénouement qui m’a paru prévisible et dont l’exécution laisse à désirer ; spoiler: ce qui n’est pas cas de la scène finale
.
Tom Rhys Harries était le choix parfait pour incarner le « héros », ses motivations sont compréhensibles et il parvient à livrer une performance convaincante, malgré ses couches de maquillages. Naomi Ackie s’avère aussi convaincante : Caitlyn a pas mal de traits ressemblant à Matt et son alchimie avec ce dernier est réussi. John aurait pu être relayé au rang d’inutile, mais il finit par devenir attachant. Même chose concernant Jabo, qui évite de tomber dans la caricature.
James Atkins sait me mettre mal à l’aise avec ses scènes gores : entre les plans insistants sur les peaux et la photographie très orangeâtre, le genre ne nous laisse pas indifférent. Le film a mine de rien eu la tâche de représenter Gotham dans le DCU et on est loin des versions de T. Burton et de C. Nolan. La direction artistique est donc immersive et propose une nouvelle version d’une ville connue. Mais la plus grande réussite reste les maquillages et les effets spéciaux : avec un faible budget, la maîtrise est présente. La musique prend un côté visqueux et offre des tons horrifiques qui renforcent le côté gore.

L’année 2026 marque une nouvelle tournure pour le DCU et "Clayface" en est le parfait exemple : fini l’optimisme de "Superman 2025", place à du sérieux tout comme "Lanterns" et "Supergirl", sauf qu’ici on est dans de l’horreur. Le film a le mérite d’introduire un antagoniste méconnu de l’univers de Batman. De nombreuses scènes sont rapidement devenues cultes spoiler: (la scène dans la boîte de nuit
est ma préférée). Le casting est impliqué, visuellement c’est de la bombe et crédible et le rythme nous tient en haleine.

J'ai été emballé par ce film mais pas convaincu, ce mélange de body horror et de vengeance à la sauce dark romance etait sympa a regarder, mais la réalisation globale était assez fade et cheap. La n'a pas aidé, avec ces dialogues faussement ténébreux et le jeu d'acteur cabotinant qui me faisait pensé à une pièce de théâtre fait par des adolescents.

Après en ce qui concerne la partie du monstre, j'ai bien aimé cette nouvelle interprétation ainsi que l'état d'esprit du protagonistes et transformation psychologique.

La fin était surprenante, j'ai bien aimé ce passage dansant au club, mais j'ai eu sentiment de bâclé et d'une conclusion trop vite expédié.

Le tout m'a souvent rappelé l'infame film Morbius, même si Clayface est bien au dessus.

En ce qui concerne le DCU, le film n'a pas démontré de connexion particulières avec l'univers de Gunn.

Comme si a tout moment le personnage pourrait être évincé du lore.

En somme, un moyen divertissement qui s'oubliera assez vite

Pour tout dire, les films DC Comics et consorts, je ne suis pas fan et je les évite souvent, mais comme il y avait foule à La gradiva au Lido (tant mieux!), je me suis rabattu in extremis sur celui-ci et je ne le regrette pas car c'est un excellent film fantastique et surtout d'horreur, puisque en effet, il faut avoir le cœur bien ancré pour passer certaines scènes gorre !
C'est bien joué, superbement mis en scène et les effets spéciaux sont incroyables, spécialement les changements de personnalités qui nous bluffent plus d'une fois.
Une réussite doublé d'une excellente surprise.

Clayface est un film de James Watkins sorti en 2026.

Ce méchant de l'univers DC est un personnage intéressant : visage détruit suite à une altercation alors que c'est une étoile montante d'Hollywood, il va chercher à se réparer grâce à une chercheuse puis à se venger. Malheureusement, le film, intimiste (pour un film DC), a un goût d'inachevé. L'acteur principal fait le job, l'histoire est efficace, les quelques effets "horrifiques" employés sont bien exécutés et il y a quelques bonnes idées de mise en scène ( spoiler: la bagarre dans la boîte de nuit vers la fin du film
) mais le tout manque de consistance. Les personnages secondaires portent bien leur nom tant ils sont peu développés ( spoiler: notamment les rapports entre Clayface et son agente
). Certaines transitions laissent également apparaître le fait que le film a l'air d'avoir été charcuté au montage, ce qui donne un gros sentiment de frustration. L'histoire semble bouclée pour lui mais le sentiment qui domine à la fin du métrage, c'est l'impression d'avoir vu un film amputé de certaines scènes qui auraient amenées l'univers beaucoup plus loin.

L'idée de s'intéresser à un vilain dans un film plus minimaliste était une belle idée, mais malheureusement elle ne semble pas être allée à son terme, et c'est vraiment dommage.

Ce film est dingue, allez le voir !!!!!!
Les effets spéciaux, le scénario, l’ambiance Gotham, City, bien sombre, et puante dans tous les sens du terme, les protagonistes et surtout, le personnage principal, c’est un truc de fou.
J’ai simplement kiffé et j’espère de pas en avoir trop dit pour vous gâcher le plaisir de tout découvrir.
Ce film mérite d’être en haut du palmarès des meilleurs films de DC comics.
Par contre, interdit, au mois de 12 ans, c’est même très léger… Le moins de 16 ans, n’aurait pas été trop. 

J’aime beaucoup la plupart des méchants de chez DC, je les trouve toujours profondément bien travaillés. J’avoue que je ne connaissais pas grand-chose à Clayface, à part ses apparitions dans les jeux vidéo, et je trouve que ce film lui rend parfaitement honneur. Je n’avais pas autant apprécié un film sur un méchant de comics depuis Joker.

D’abord, le body horror est fou et très bien réalisé. Il y a pas mal de scènes qui font grimacer par moments et où on en vient à se demander comment ils ont pu faire. Ça ajoute une touche horrifique au film qui ne me déplaît pas du tout.

On remarque aussi très bien les changements psychologiques du personnage, qui s’opèrent petit à petit alors qu’il devient un monstre. Tom Rhys Harries est très bon dans ce rôle.

Un excellent film !