AlloCiné
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Ce film à la première partie intrigante et prometteuse tombe malheureusement dans ce que le cinéma d'auteur japonais a de plus caricatural : des acteurs imperturbables et impassibles, une photographie intéressante mais une camera trop statique, la tension d'émotions contenues qui confine à l'ennui et la stérilité, et puis des histoires improbables où l'effort de l'intellect devrait puiser des symboles pour faire un sens à tout ça. Des coups de théâtre assénés avec autant de brutalité que peu d'à propos, certaines scènes creuses presque grotesques (ce jeune acteur qui se fait photographier avec un bruit de déclenchement assourdissant!), et toute cette grisaille étirée sur trois heures injustifiées n'est finalement qu'une snobinardise de plus au Panthéon du cinema qui se veut du septième art. Pour cela il faudrait du spontané, du mouvement, de l'audace
Du silence au mot, de la douleur ineffable à son expression écrite puis orale, Doraibu mai kâ pense le deuil comme une lente délégation de la parole par laquelle un artiste se reconstruit en construisant une œuvre. L’art offre ainsi la médiation nécessaire entre l’un et les autres, entre l’individu saisi dans sa singularité et le collectif auquel il prête une voix, à la fois sienne, celle de son épouse ravie et celle des comédiens. Ryūsuke Hamaguchi dispose moins d’un talent de conteur que du talent de faire conter, et ses personnages deviennent tour à tour narrateurs et spectateurs attentifs d’une histoire banale et extraordinaire à la fois en ce qu’elle mêle la fiction à la réalité, plutôt convertit la trivialité du quotidien en une matière à songes.
Il est audacieux d’investir le cinéma, art visuel par excellence, en privilégiant la voix : celle d’Oto qui résonne pendant l’amour et les trajets en voiture, celle de Yūsuke qui se montre directive et précise lorsqu’elle s’adresse aux acteurs, bien plus rare en dehors du travail, celle enfin de Misaki, dont le mutisme initial disparaît à mesure qu’elle est amenée à se dire, à mesure que se compose entre elle et son passager un vivre-ensemble. Au cœur du long métrage se trouvent donc, comme dans toute l’œuvre du cinéaste, des rituels intimes propices à l’éclosion de la parole, des espaces d’immobilité apparente qui font advenir l’humain dans un langage secret alors que rien ne paraît se passer ; une parole qui serait la parole pure, originelle, hors du jeu – voilà pourquoi Yūsuke interdit à ses acteurs les intonations factices et autres tentatives d’appropriation. Lire pour dire, seulement dire. Ces espaces langagiers (véhicule rouge, salles de travail et de spectacle, chambre à coucher) se voient aussitôt cultivés et par le film et par les personnages, ils obéissent à une nécessité qui, quand elle est perturbée par un retard ou un imprévu, engendre de la frustration.
Règne au cœur de Doraibu mai kâ une alchimie de la parole : du rien naît la chose, du lit d’hôtel vidé de son amante naît l’inspiration, d’Hiroshima naît une relation indéfinissable parce qu’elle ne se raconte pas directement, parce qu’elle est, à son tour, déléguée par l’intrigue théâtrale. Ryūsuke Hamaguchi a parfaitement saisi l’essence du théâtre et de l’art, il déjoue le piège de la projection pure de l’artiste (entendu comme être biographique) dans ce qu’il crée : l’essentiel réside non dans l’individuel strict mais dans la translation, dans la médiation par autrui qui permet une déconstruction et une reconstruction collective. La voiture en est une puissante métaphore, caisse de résonnance de cette polyphonie à l’œuvre. Un immense film, d’une intelligence et d’une maîtrise visuelle et tonale précieuses.
Il est audacieux d’investir le cinéma, art visuel par excellence, en privilégiant la voix : celle d’Oto qui résonne pendant l’amour et les trajets en voiture, celle de Yūsuke qui se montre directive et précise lorsqu’elle s’adresse aux acteurs, bien plus rare en dehors du travail, celle enfin de Misaki, dont le mutisme initial disparaît à mesure qu’elle est amenée à se dire, à mesure que se compose entre elle et son passager un vivre-ensemble. Au cœur du long métrage se trouvent donc, comme dans toute l’œuvre du cinéaste, des rituels intimes propices à l’éclosion de la parole, des espaces d’immobilité apparente qui font advenir l’humain dans un langage secret alors que rien ne paraît se passer ; une parole qui serait la parole pure, originelle, hors du jeu – voilà pourquoi Yūsuke interdit à ses acteurs les intonations factices et autres tentatives d’appropriation. Lire pour dire, seulement dire. Ces espaces langagiers (véhicule rouge, salles de travail et de spectacle, chambre à coucher) se voient aussitôt cultivés et par le film et par les personnages, ils obéissent à une nécessité qui, quand elle est perturbée par un retard ou un imprévu, engendre de la frustration.
Règne au cœur de Doraibu mai kâ une alchimie de la parole : du rien naît la chose, du lit d’hôtel vidé de son amante naît l’inspiration, d’Hiroshima naît une relation indéfinissable parce qu’elle ne se raconte pas directement, parce qu’elle est, à son tour, déléguée par l’intrigue théâtrale. Ryūsuke Hamaguchi a parfaitement saisi l’essence du théâtre et de l’art, il déjoue le piège de la projection pure de l’artiste (entendu comme être biographique) dans ce qu’il crée : l’essentiel réside non dans l’individuel strict mais dans la translation, dans la médiation par autrui qui permet une déconstruction et une reconstruction collective. La voiture en est une puissante métaphore, caisse de résonnance de cette polyphonie à l’œuvre. Un immense film, d’une intelligence et d’une maîtrise visuelle et tonale précieuses.
Ayant pourtant reçu plusieurs récompenses et de bonnes critiques, ce Drame coécrit et mis en scène par Ryūsuke Hamaguchi m'a beaucoup déçu. Avec une introduction de quarante minutes, ce film au rythme lent est beaucoup trop long. D'autres éléments m'ont perturbé comme le montage volontairement troublant ou les voix off narrant les scènes ...
Pourtant amateur du cinéma asiatique avec Hirokazu Kore-eda, Bong Joon Ho ou de Chloé Zhao, désolé de me montrer imperméable à l'ambiance et à la psychologie nippone de ce réalisateur où l'excès de subtilité frise parfois l'opacité.
Pourtant amateur du cinéma asiatique avec Hirokazu Kore-eda, Bong Joon Ho ou de Chloé Zhao, désolé de me montrer imperméable à l'ambiance et à la psychologie nippone de ce réalisateur où l'excès de subtilité frise parfois l'opacité.
Yusuke (Hidetoshi Nishijima) est metteur en scène et acteur de théâtre. Il se rend à Hiroshima pour monter une pièce pour un Festival, pièce qui résonne beaucoup avec son histoire personnelle. Il se lie peu à peu avec son chauffeur, Misaki (Toko Miura), une jeune femme très discrète.
Les dialogues sont intéressants, ils font avancer le récit, créent parfois un certain suspens. La pièce a aussi tout son sens par rapport à l’histoire réelle des personnages. C’est une belle histoire, bien racontée, le film est esthétique. En revanche, c’est malheureusement trop long (3h). Certes, la lenteur correspond bien à ce type de film mais là c’est un peu trop.
Les dialogues sont intéressants, ils font avancer le récit, créent parfois un certain suspens. La pièce a aussi tout son sens par rapport à l’histoire réelle des personnages. C’est une belle histoire, bien racontée, le film est esthétique. En revanche, c’est malheureusement trop long (3h). Certes, la lenteur correspond bien à ce type de film mais là c’est un peu trop.
À l'image du personnage de Yusuke Kafuku qui se laisse conduire pour tous les trajets de son nouveau travail, le spectateur accepte également de se laisser guider par le réalisateur sans savoir où il va nous mener. "Drive My Car" n'est pas forcément difficile à cerner dans le sens où tout est assez clair, mais la destination finale reste floue. Quel est le véritable but de ce film qui semble rester sur la même voie pendant tout le trajet. La vie, le deuil, l'amour le travail, il est question de beaucoup de choses et Ryûsuke Hamaguchi n'hésite pas à rebattre les cartes après une longue et très bonne introduction. La force du film est son écriture fluide et dense des personnages et de l'histoire ainsi que la mise en scène millimétrée de Ryûsuke Hamaguchi qui ne laisse rien au hasard. Cependant, j'ai attendu quelque chose qui n'est jamais arrivé. Le film n'a pas cette petite étincelle ou émotion qui va donner une autre dimension à l'ensemble, et ce même s'il y a quelques scènes charmantes au cours desquelles les personnages s'ouvrent un peu et se laissent aller à quelques confidences. C'est agréable et doux, et ce n'est surtout jamais ennuyeux, ce qui est une bonne chose pour un film de trois heures, mais il m'a manqué ce petit quelque chose qui m'a fait décrocher juste avant la fin. Des deux films que Ryûsuke Hamaguchi a sortis en 2021, j'ai préféré "Wheel of Fortune and Fantasy" qui m'a fait ressentir beaucoup plus de choses même si on ne peut évidemment pas comparer les deux films qui n'ont pas le même style ni la même durée.
Encore un beau tunnel comme trop souvent le cinéma nippon, et asiatique en général, nous en propose. Un scénario sans substance, sans âme, totalement hermétique, étiré sur trois interminables heures. Le même film produit par des français se serait fait lapider, mais comme c'est japonais... c'est l'extase. Pathétique.
Les personnages de Drive my Car sont intelligemment construits, mais les 3 heures de film ne sont à mon sens pas justifiées... et créent un déséquilibre.
Un drame psychologique sur la rédemption d’une grande délicatesse et sensibilité, traversé de moments bouleversants, mais également de longueurs interminables. 3,25
Je pourrais me taire et me contenter de mettre 2 étoiles mais je m'élève contre les critiques faites à ce film.
OK, le film a une certaine profondeur et une plastique plutôt belle mais la moyenne des notes est largement trop élevée. Elle est une insulte à tous les cinéastes qui font du bon cinéma car rien ne mérite plus de 3/5 dans ce film. Et ce genre de notation finira par décrédibiliser les critiques de films qui sont, je le rappelle, un outil de sélection pour les amateurs de cinéma.
Si vous étiez stressé ou mal dans votre peau, la longueur et le calme de ce film vous ont peut-être fait du bien mais vous auriez aussi bien pu aller méditer en forêt...
OK, le film a une certaine profondeur et une plastique plutôt belle mais la moyenne des notes est largement trop élevée. Elle est une insulte à tous les cinéastes qui font du bon cinéma car rien ne mérite plus de 3/5 dans ce film. Et ce genre de notation finira par décrédibiliser les critiques de films qui sont, je le rappelle, un outil de sélection pour les amateurs de cinéma.
Si vous étiez stressé ou mal dans votre peau, la longueur et le calme de ce film vous ont peut-être fait du bien mais vous auriez aussi bien pu aller méditer en forêt...
Yusuke et Misaki sont des endeuillés, rongés par la culpabilité
spoiler:
de n'avoir pu sauver, lui sa femme, elle sa mère
. Alors ils avancent vaille que vaille. Lui en montant sans cesse Oncle Vania avec une distribution internationale où chacun joue son rôle dans sa langue maternelle, elle en étant chauffeur car c'est sa mère qui lui avait appris à conduire. Hamaguchi arrive à rendre cette mélancolie impalpable avec une mise en scène jouant sur les valeurs de plans, les trajets en voiture - Yusuke répète sans cesse le texte de la pièce en roulant - les répétitions. Il fait montre d'une grande sensibilité qui faisait défaut à sa mini-série Senses
. Alors ils avancent vaille que vaille. Lui en montant sans cesse Oncle Vania avec une distribution internationale où chacun joue son rôle dans sa langue maternelle, elle en étant chauffeur car c'est sa mère qui lui avait appris à conduire. Hamaguchi arrive à rendre cette mélancolie impalpable avec une mise en scène jouant sur les valeurs de plans, les trajets en voiture - Yusuke répète sans cesse le texte de la pièce en roulant - les répétitions. Il fait montre d'une grande sensibilité qui faisait défaut à sa mini-série Senses
Avec ce long-métrage du réalisateur japonais Ryusuke Hamaguchi, couronné de l’Oscar du meilleur film international en 2022, on a le droit à une œuvre très cérébrale. Le destin croisé d’individus associés à la mise en scène d’une pièce de théâtre d'Anton Tchekhov donne lieu à de multiples réflexions. Les thèmes de la perte d’une personne chère, la culpabilité, l’amour, l’inspiration artistique, etc. foisonnent avec subtilité. Néanmoins, la durée du film (près de trois heures) se fait nettement ressentir. En particulier, les nombreuses séquences d’apprentissage de la pièce « Oncle Vania » pratiquée en diverses langues (dont le langage des signes) qui hachent les propos pourtant intéressants. Bref, un long cheminement spirituel au pays du soleil levant.
Un véritable petit bijou d'écriture, de mise en scène et d'interprétation.
Le film prend un temps monstre à développer la psychologie des personnages et pourtant il réussit la prouesse de ne jamais être ennuyeux. L'utilisation des silences pour transmettre des émotions atteint un niveau rarement égalé. Par moment, on a la sensation que le film est touché par la grâce.
Le film prend un temps monstre à développer la psychologie des personnages et pourtant il réussit la prouesse de ne jamais être ennuyeux. L'utilisation des silences pour transmettre des émotions atteint un niveau rarement égalé. Par moment, on a la sensation que le film est touché par la grâce.
Si vous aimez l'art moderne sur Arte et la méditation, ce film est pour vous. On se laisse tout de même bercé par l'ambiance japonaise et la découverte subtile et très progressive des personnages.
Quel film, quel scénario. Le cinéma Japonais nous entraine dans des univers différents où tout est possible. Il n'y a pas de cascade, pas d'effets spéciaux, pas de niaiseries, mais une scenario tiré au cordeau et une réalisation impeccable. Je ne veux pas raconter le film, il n'est pas racontable car il faut le voir et s'imprégner de son ambiance. J'ai vu ce film il y a 18 mois et je me souviens du moindre détail.
Un film s presque trois heures c'est pas forcément mon truc ou même pour un film de cette durée il faut qu' esce soit bien fait et bien écrit, et bien réaliser pour pas perdre et ennuyer les spectateurs , pourtant c'est ce qu'il arrive ici , car FRANCHEMENT les trente premières minutes du film ne servent à rien et n'importe quasiment rien à histoire du film et au film en lui même ça en est presque ennuyeux avant cela . Une fois les 30minutes passer le film est plutôt intéressant, est aussi plutôt intrigant par endroit qui nous montre une autre facette du cinéma, des casting , du théâtre et tous ce qui entoure ce monde en lui même.
Les personnages sont plutôt bon , très bien réussie, est les acteurs et actrices sont tous excellent et montre leur haut niveaux de jeux dans ce film . Des décors magnifique , un film qui parle de bien'plus de chose que l'on pourrait le croire un film qui merite sa nomination au oscars en 2022 . a regarder entre amies mais probablement pas mettre entre toute les mains donc à ne pas voire en famille .
Les personnages sont plutôt bon , très bien réussie, est les acteurs et actrices sont tous excellent et montre leur haut niveaux de jeux dans ce film . Des décors magnifique , un film qui parle de bien'plus de chose que l'on pourrait le croire un film qui merite sa nomination au oscars en 2022 . a regarder entre amies mais probablement pas mettre entre toute les mains donc à ne pas voire en famille .
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