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Vu en avant première aux Variétés à Marseille en juin dernier en présence du réalisateur.
Un film en forme de conte d'une poésie incroyable dans une atmosphère en hommage au cinéma des années 70.
Milo bouleversant dans ce rôle d'adolescent torturé en quête existentialiste. Du très beau cinéma.
Un film en forme de conte d'une poésie incroyable dans une atmosphère en hommage au cinéma des années 70.
Milo bouleversant dans ce rôle d'adolescent torturé en quête existentialiste. Du très beau cinéma.
C’est manifestement les films de la Nouvelle Vague et tout particulièrement ceux de François Truffaut que Félix de Givry a pris comme modèles, Milo Machado-Graner, qu’on avait découvert dans "En thérapie" puis dans "Anatomie d’une chute", et qui interprète ici le rôle de Otto Vidal, pouvant être considéré comme la réincarnation de Jean-Pierre Léaud dans ses interprétation du personnage d’Antoine Doinel. Non exempt de défauts (un grand nombre d’invraisemblances, une musique envahissante), "Adieu monde cruel" arrive, sans qu’on puisse vraiment parler de suspense, à maintenir une sympathique tension du début jusqu’à la fin tout en introduisant délicatement le début d’une romance entre deux adolescents. Cerise sur le gâteau : la voix off d’une narratrice, celle de l’incomparable Françoise Lebrun, qui contribue à renforcer l’aspect très romanesque du film. Critique complète sur le site avec le tiret du 6 entre critique et film; Film vu au Festival de Cannes 2026.
Adieu monde cruel est une variation sur le teenage movie, où la mise en scène joue un rôle de premier plan. Celles et ceux qui iront pour l'histoire s’engageront dans un récit sans doute assez limité, axé sur un amour adolescent qui draine évidemment son lot de naïveté. Mais cette naïveté est souvent touchante, et nous renvoie à celle qui était la nôtre en notre temps. Premiers rôles et seconds rôles sont assez bien construits, et le comédien principal porte une part de mystère naturelle qui enrichit le récit.
Mais le film vaut peut-être davantage pour sa mise en scène. En cela il nous rappelle qu'au delà des histoires contées, le cinéma est d'abord un art, fondé sur des recherches plastiques porteuses de sens. Ici dès le premier plan, on comprend que ce premier film nourrie la nostalgie du cinéma argentique des années 1970-1980. Le gros grain de l'image est assez curieux car il résulte du passage d'une pellicule 16mm via un projecteur numérique, et ce n'est absolument pas l'effet réel d'une projection argentique. Mais, comme sur certains bluray, c'est devenu une bizarre convention pour dire qu'on est parti d'une pellicule argentique. Toujours est-il que cette image sale et rudimentaire est le fondement d'effets plastiques ménagés par le fils Bangalter. Il en tire des trésors de clairs obscurs, de surgissements colorés, de gros plans admirables, et y ajoute de savants et mystérieux fondus au noir. Couplés à la voix off de Jeanne Lebrun, ces effets inscrivent ouvertement le film dans la grande histoire du cinéma. Reste à savoir en lien avec qui, car personne n'est d'accord. Télérama cite Truffaut, d'autres clairement Robert Bresson, moi j'y ai parfois vu du Hitchcock (notamment par la musique, volontairement dramatique, mais aussi un plan d'une femme en imper coloré munie de lunettes de soleil...).
Bref, c'est un peu fou de faire un premier film aussi tenu, avec un chef op de 24 ans. C'est une vraie réussite, peut-être avec quelques limites induites par la naïveté des protagonistes et donc de leurs mésaventures, mais sublimée par de régulières et constantes fulgurances plastiques traduisant une sensibilité neuve et profonde.
Mais le film vaut peut-être davantage pour sa mise en scène. En cela il nous rappelle qu'au delà des histoires contées, le cinéma est d'abord un art, fondé sur des recherches plastiques porteuses de sens. Ici dès le premier plan, on comprend que ce premier film nourrie la nostalgie du cinéma argentique des années 1970-1980. Le gros grain de l'image est assez curieux car il résulte du passage d'une pellicule 16mm via un projecteur numérique, et ce n'est absolument pas l'effet réel d'une projection argentique. Mais, comme sur certains bluray, c'est devenu une bizarre convention pour dire qu'on est parti d'une pellicule argentique. Toujours est-il que cette image sale et rudimentaire est le fondement d'effets plastiques ménagés par le fils Bangalter. Il en tire des trésors de clairs obscurs, de surgissements colorés, de gros plans admirables, et y ajoute de savants et mystérieux fondus au noir. Couplés à la voix off de Jeanne Lebrun, ces effets inscrivent ouvertement le film dans la grande histoire du cinéma. Reste à savoir en lien avec qui, car personne n'est d'accord. Télérama cite Truffaut, d'autres clairement Robert Bresson, moi j'y ai parfois vu du Hitchcock (notamment par la musique, volontairement dramatique, mais aussi un plan d'une femme en imper coloré munie de lunettes de soleil...).
Bref, c'est un peu fou de faire un premier film aussi tenu, avec un chef op de 24 ans. C'est une vraie réussite, peut-être avec quelques limites induites par la naïveté des protagonistes et donc de leurs mésaventures, mais sublimée par de régulières et constantes fulgurances plastiques traduisant une sensibilité neuve et profonde.
Effectivement la voix off donne à ce film l allure de un conte. Au probleme de harcèlement succède une toute autre histoire, une histoire d amour hors du temps, hors contexte. L essence même d une relation amoureuse comme on en voit dans les contes. En fin de compte ce film est merveilleux.
Christian RZ
tout le film est comme une parenthèse : il ne raconte pas le harcèlement qu’a subit cet adolescent (ouvrez la parenthèse : le film raconte le déroulement de son suicide raté, sa fugue, sa rencontre amoureuse avec une gamine qui est un peu comme lui, c’est long, et pas très intéressant, et l’ado présumé mort décide de réapparaître - fin de la parenthèse) donc le film s’abstient de raconter son retour dans la ville qui est en train de lui rendre un hommage funéraire, alors que le spectateur se demande pour le coup comment ce retour pourrait bien être vécu ! dommage
Ce premier film a fait sensation à la dernière Semaine de la critique cannoise. Présenté en clôture, bon nombre de festivaliers et critiques professionnels ont eu un coup de cœur pour lui. Et on peut aisément comprendre que la proposition de Félix de Givry ait pu emballer cette partie du public. « Adieu monde cruel » nous embarque dans un voyage dans le temps, un retour en arrière vers un style de cinéma enterré et désuet. Le doute n’est pas permis quant aux velléités du jeune cinéaste de vouloir ressusciter certains canons du cinéma d’auteur français des années 70, notamment de la Nouvelle Vague. Le long-métrage cite Truffaut ou Bresson mais on pense aussi à Rohmer ou Téchiné sur certains aspects. Néanmoins, il est difficile de cerner si on est face à un hommage à cette période ou une sorte d’œuvre fétichiste et nostalgique de cette époque - un film-musée en quelque sorte – ou encore à un pur et simple exercice de style maniéré. C’est peut-être même tout cela à la fois et on ne peut nier que la note d’intention soit pleinement remplie. Et si on peut facilement comprendre qu’une partie de spectateurs puisse y trouver son compte et rechercher ce genre d’œuvre mausolée et désuète, il est aussi logique qu’une autre partie puisse ne pas accrocher du tout à ce type de démarche.
Si on lit le résumé, il est difficile de ne pas trouver cela intrigant. Un jeune garçon harcelé qui tente de se suicider mais rate son coup et se cache pour ne pas perdre la face après avoir envoyé des lettres de suicide à tout son entourage. Cela aurait pu être les prémisses d’un récit initiatique ou d’une errance adolescente dans l’air du temps. Sauf que les thématiques du harcèlement et du suicide sont bien trop vite évacuées au profit d’une histoire d’amour adolescente bien peu palpitante. Il a donc une certaine frustration de voir le sujet initial mis de côté et de se retrouver en face d’une bluette finalement peu convaincante tant on a du mal à ressentir leur coup de foudre et leur amour. C’est peut-être à cause de la forme qui vampirise tout le fond. Certes, le travail pour obtenir un rendu visuel comme dans le cinéma des années 70 cité plus haut est probant. Tourné en 16 mm avec image granuleuse, une voix off omniprésente, l’obscurité comme refuge, une musique lyrique singeant le conte de fées, ... Toute l’armada de cette mode cinématographique passée est là mais empêche finalement de se fondre dans les émois amoureux de ces deux jeunes gens. Le flou quant à l’époque ainsi que la crédibilité de cette intrigue empêchent également l’adhésion à la proposition. En somme, « Adieu monde cruel » plaira surtout aux nostalgiques d’un certain cinéma moribond et dépassé. On ne pourra pas dire que c’est mauvais certes. C’est un film hors du temps mais davantage destiné à un public de niche et qui nous a laissé indifférent.
Plus de critiques cinéma sur ma page Facebook Ciné Ma Passion.
Si on lit le résumé, il est difficile de ne pas trouver cela intrigant. Un jeune garçon harcelé qui tente de se suicider mais rate son coup et se cache pour ne pas perdre la face après avoir envoyé des lettres de suicide à tout son entourage. Cela aurait pu être les prémisses d’un récit initiatique ou d’une errance adolescente dans l’air du temps. Sauf que les thématiques du harcèlement et du suicide sont bien trop vite évacuées au profit d’une histoire d’amour adolescente bien peu palpitante. Il a donc une certaine frustration de voir le sujet initial mis de côté et de se retrouver en face d’une bluette finalement peu convaincante tant on a du mal à ressentir leur coup de foudre et leur amour. C’est peut-être à cause de la forme qui vampirise tout le fond. Certes, le travail pour obtenir un rendu visuel comme dans le cinéma des années 70 cité plus haut est probant. Tourné en 16 mm avec image granuleuse, une voix off omniprésente, l’obscurité comme refuge, une musique lyrique singeant le conte de fées, ... Toute l’armada de cette mode cinématographique passée est là mais empêche finalement de se fondre dans les émois amoureux de ces deux jeunes gens. Le flou quant à l’époque ainsi que la crédibilité de cette intrigue empêchent également l’adhésion à la proposition. En somme, « Adieu monde cruel » plaira surtout aux nostalgiques d’un certain cinéma moribond et dépassé. On ne pourra pas dire que c’est mauvais certes. C’est un film hors du temps mais davantage destiné à un public de niche et qui nous a laissé indifférent.
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Otto Vidal est un jeune garçon de 14 ans, harcelé qui décide de disparaitre. Alors que tout le monde le cherche, il se lie avec une fille de son lycée. Ensemble, ils imaginent une fuite et une vie ailleurs. L’histoire est touchante, et joliment réalisée. Le casting fonctionne très bien, portée par le talent notamment de Milo Machado-Graner.
une histoire intéressante d'adolescents touchante. le film est truffe d' invraissemblances et la forme est poussive: une caméra sombre, un éclairage triste et surtout une voix off qui alourdit encore l'ensemble.
j'aurais aimé que la narration
soit remplacée par des prises de vues mieux maîtrisées
mais pour un premier film cela merite quand même un grand bravo!
j'aurais aimé que la narration
soit remplacée par des prises de vues mieux maîtrisées
mais pour un premier film cela merite quand même un grand bravo!
Ameline Grout
Un premier film aussi fragile que prometteur, où Félix de Givry transforme le quotidien en terrain de jeu mélancolique. Une chronique générationnelle touchante, parfois maladroite, mais toujours sincère.
Pôpô passion ciné
C'est un premier film envoûtant et poétique.
Le réalisateur a d'ailleurs coécrit et produit le merveilleux "Arco" et cela se ressent, notamment sur la musique !
Le grain de l'image vieilli apporte un côté vintage charmant.
Il a su s'entourer de deux jeunes acteurs bluffants !
Je ne présente plus Milo Machado-Graner que j'ai découvert dans "Anatomie d'une chute" et qui confirme ici son statut d'acteur incontournable. Il crève l'écran par son regard pur et confiant, il est sensible et vrai. Il sait capter l'attention et ses passages à l'écran sont à chaque fois marquants, quel que soit son rôle dans lequel on le retrouve.
En revanche, son acolyte est une vraie révélation pour moi. Jane Beever est sans artifice et elle livre une présentation incroyable ! Même si la ressemblance est facile, elle me fait penser à Sadie Sink à la fois fougueuse et criante de vérité.
D'une fraîcheur et d'un naturel saisissants : je vais scruter ses futurs rôles avec attention !
Ce premier long métrage est prometteur !
On sent une réelle pâte et la musique, intrigante, donne une vraie dimension lyrique au récit.
D'habitude, je ne suis pas friante des voix off mais ici elle sert vraiment l'histoire !
Elle permet de créer comme une atmosphère de conte, de prendre de la hauteur sur cette histoire tout en apportant une dimension poétique.
J'ai été émue et touchée par cette histoire de disparition d'adolescent, sur fonds des premiers émois amoureux avec un vrai fond social, sans être moralisateur.
Il met en avant un malaise de notre société avec des questionnement qui sont intemporels et infinis : quelle est notre place dans ce monde, est-ce qu'on compte pour quelqu'un, est-ce que la vie vaut la peine d'être vécue. Et tout cela d'après les yeux d'un adolescent de 14 ans qui est plus lucide sur ce monde que la plupart des vieux croûtons.
Une pépite que je vous invite à découvrir rapidement !!
Le réalisateur a d'ailleurs coécrit et produit le merveilleux "Arco" et cela se ressent, notamment sur la musique !
Le grain de l'image vieilli apporte un côté vintage charmant.
Il a su s'entourer de deux jeunes acteurs bluffants !
Je ne présente plus Milo Machado-Graner que j'ai découvert dans "Anatomie d'une chute" et qui confirme ici son statut d'acteur incontournable. Il crève l'écran par son regard pur et confiant, il est sensible et vrai. Il sait capter l'attention et ses passages à l'écran sont à chaque fois marquants, quel que soit son rôle dans lequel on le retrouve.
En revanche, son acolyte est une vraie révélation pour moi. Jane Beever est sans artifice et elle livre une présentation incroyable ! Même si la ressemblance est facile, elle me fait penser à Sadie Sink à la fois fougueuse et criante de vérité.
D'une fraîcheur et d'un naturel saisissants : je vais scruter ses futurs rôles avec attention !
Ce premier long métrage est prometteur !
On sent une réelle pâte et la musique, intrigante, donne une vraie dimension lyrique au récit.
D'habitude, je ne suis pas friante des voix off mais ici elle sert vraiment l'histoire !
Elle permet de créer comme une atmosphère de conte, de prendre de la hauteur sur cette histoire tout en apportant une dimension poétique.
J'ai été émue et touchée par cette histoire de disparition d'adolescent, sur fonds des premiers émois amoureux avec un vrai fond social, sans être moralisateur.
Il met en avant un malaise de notre société avec des questionnement qui sont intemporels et infinis : quelle est notre place dans ce monde, est-ce qu'on compte pour quelqu'un, est-ce que la vie vaut la peine d'être vécue. Et tout cela d'après les yeux d'un adolescent de 14 ans qui est plus lucide sur ce monde que la plupart des vieux croûtons.
Une pépite que je vous invite à découvrir rapidement !!
Film de Clôture de la Semaine de la critique à Cannes
[UNE MELANCOLIE CRUELLE]
Ce film suit l'histoire d'un garçon marqué par un contexte de suicide suite à du harcèlement. Ce cadre très réel permet de raconter un voyage introspectif et une histoire d'amour naissante entre un garçon tourmenté et incompris et une jeune fille tout à fait lambda, qui finit par se révéler aussi sensible que lui et ne plus pouvoir se passer de lui. Le long-métrage montre comment des idées noires naissent au cours d'une adolescence troublée et tourmentée**, au cœur d'un** monde sombre où l'espoir renaît à travers cette interaction marquante. Le jeu des acteurs est au top et la mise en scène s'avère élégante, certes terne et mélancolique, mêlant contemplation, réalisme et brutalité. C'est un film sur l'introspection et les pensées lugubres que traverse chaque être humain.
Un petit bémol toutefois : quelques petites longueurs sont à prévoir, notamment lors de la mise en place de la relation entre les deux protagonistes.
Vu dans le cadre du festival de Cannes 2026
[UNE MELANCOLIE CRUELLE]
Ce film suit l'histoire d'un garçon marqué par un contexte de suicide suite à du harcèlement. Ce cadre très réel permet de raconter un voyage introspectif et une histoire d'amour naissante entre un garçon tourmenté et incompris et une jeune fille tout à fait lambda, qui finit par se révéler aussi sensible que lui et ne plus pouvoir se passer de lui. Le long-métrage montre comment des idées noires naissent au cours d'une adolescence troublée et tourmentée**, au cœur d'un** monde sombre où l'espoir renaît à travers cette interaction marquante. Le jeu des acteurs est au top et la mise en scène s'avère élégante, certes terne et mélancolique, mêlant contemplation, réalisme et brutalité. C'est un film sur l'introspection et les pensées lugubres que traverse chaque être humain.
Un petit bémol toutefois : quelques petites longueurs sont à prévoir, notamment lors de la mise en place de la relation entre les deux protagonistes.
Vu dans le cadre du festival de Cannes 2026
Quelques jolies idées de photographie et de scénario, mais dans l’ensemble un film peu inventif et un scénario pauvre. Pas désagréable à regardé cependant.
Une pépite...
du vrai, du beau, du grand cinéma, deux acteurs au plus près de leur rôle, une lumière splendide, une musique de toute beauté, un propos universel, et la voix unique, bouleversante de Françoise Lebrun.
du vrai, du beau, du grand cinéma, deux acteurs au plus près de leur rôle, une lumière splendide, une musique de toute beauté, un propos universel, et la voix unique, bouleversante de Françoise Lebrun.
Comment se sortir du piège que l'on a soi-même tissé ? Comment arrive t-on à trouver une bonne fin à l'histoire d'un jeune qui signale à tout le monde qu'il va se suicider et qui finalement ne le fait et qui disparaît mais pas pour tout le monde ? Le réalisateur et ses acolytes ne s'en tirent pas si mal.
L'atout du film se trouve dans la présence de ses 2 jeunes acteurs et de la voix de la grande Daniele Lebrun.
J'y ai trouvé une réminiscence trufaldienne et on est toujours content que la transmission ne disparaisse pas.
Un souvenir amusant, presque nostalgique, avec le timbre prioritaire rouge et la tournée du facteur l'après-midi. Qui s'en souvient encore ?
L'atout du film se trouve dans la présence de ses 2 jeunes acteurs et de la voix de la grande Daniele Lebrun.
J'y ai trouvé une réminiscence trufaldienne et on est toujours content que la transmission ne disparaisse pas.
Un souvenir amusant, presque nostalgique, avec le timbre prioritaire rouge et la tournée du facteur l'après-midi. Qui s'en souvient encore ?
Scénario : Sublimé
Réalisation : Magnifique (sauf voix-off malvenue)
Rythme : Parfait
Acting : Très émouvant
Ressenti : D’une maîtrise excellente
Félix de Givry vient peut-être de nous livrer l’un des plus beaux champ-contrechamps de l’histoire du cinéma, puissant, magnifique, dévastateur, tout cela à la fois. Ce simple procédé de montage raconte ici, par l’image, toute l’impossibilité du dialogue verbal d’un fils voulant crier à sa mère qu’il existe encore, ou au contraire, se taire. Peut-être cet enfant n’aurait-il pas eu les mots. Bien des pistes peuvent être explorées, des réflexions peuvent être menées, mais au fond ce n’est pas le résultat qui importe, mais le pouvoir de l’image photographique à nous tendre ces questionnements. Otto, face au chignon de sa mère, qu’il reconnait tout de suite, attend le bon moment spoiler: pour passer aux aveux : avouer qu’il n’est pas mort, et les raisons de sa fuite
. Camouflé, les cheveux teints, sous une casquette sombre, il est habillé d’un gros manteau noir qui l’anonymise dans cette foule, au coeur de la marche blanche organisée en son propre nom. Si le regard, la confrontation avec sa mère est impossible - elle est toujours dos à lui - le spectateur est aussi sujet à cette barrière, il subit l’inaccessible, à savoir la pleine vue sur le visage d’Otto, en gros plan, à cause d’un ballon de baudruche blanc qui danse devant l’objectif. spoiler: Puis le contrechamp permet d’entamer, tout en douceur, le retournement de sa mère, qui balaie la foule du regard, lentement, comme pour admirer tous ceux venus en mémoire de son fils. Désormais, elle est seule face à la foule, elle aussi en gros plan, et regarde ; elle regarde jusqu’à le voir lui. Tout s’arrête. Puis le visage d’Otto réapparait à l’écran, toujours caché à demi par le ballon, qui laisse deviner une rivière de larmes qui s’accumule sur ses paupières inférieures.
Aucun dialogue ne vient rompre cette absence de dialogue, pour autant, la scène est portée par le merveilleux piano d’Arnaud Toulon. spoiler: Comment réagit sa mère en apprenant que le fils qu’elle pleure depuis un mois se trouve devant ses yeux ? Que dit Otto en revoyant sa mère qu’il n’a pas vue depuis un mois ? Comment leurs retrouvailles se passent-elles ? Quel après les attend ?
Toutes ces questions sont contenues dans ces quelques plans, dans ce champ-contrechamp humaniste d’une superbe, d’une tendresse et d’une justesse à toute épreuve. La détresse et la joie émanent de l’image granuleuse, vieillie, de la caméra de Félix de Givry, qui inscrit son film dans un cinéma plus intime, plus poétique. En somme, c’est l’histoire d’un enfant qui découvre la vie, et qui, par ce biais, se découvre lui-même. Milo Machado-Graner est terriblement attachant, tout autant que Jane Beever qui débute sa carrière avec brio. Le tout est excellent, d’une esthétique admirable, tant au niveau de la mise en scène de l’histoire que du son. Le seul reproche qui, à mon sens, pourrait être fait à ce film, est la double voix-off, d’une dame, tout d’abord, qui n’est pas justifiée, puis d’Otto lui-même, qui prend ouvertement la parole avant de lire sa lettre qui sera plus tard relue par des élèves… Avec des images comme celles-ci, nul besoin de vouloir les expliquer, au contraire, il s’agirait peut-être alors de desservir le récit. Les situations confèrent au spectateur le temps d’assimilation nécessaire aux personnages, par le temps du rêve, par l’image, et non par l’explication de ce rêve qui ne fait que répéter l’action donnée à voir, ou qui essaie de donner de la profondeur psychologique, de ce fait malvenue, et incongrue. Les images suffisent. Si le silence avait imprégné le film tout autant que le champ-contrechamp final, il n’aurait plus été affaire « d’excellent film », mais de « chef-d’oeuvre ».
Réalisation : Magnifique (sauf voix-off malvenue)
Rythme : Parfait
Acting : Très émouvant
Ressenti : D’une maîtrise excellente
Félix de Givry vient peut-être de nous livrer l’un des plus beaux champ-contrechamps de l’histoire du cinéma, puissant, magnifique, dévastateur, tout cela à la fois. Ce simple procédé de montage raconte ici, par l’image, toute l’impossibilité du dialogue verbal d’un fils voulant crier à sa mère qu’il existe encore, ou au contraire, se taire. Peut-être cet enfant n’aurait-il pas eu les mots. Bien des pistes peuvent être explorées, des réflexions peuvent être menées, mais au fond ce n’est pas le résultat qui importe, mais le pouvoir de l’image photographique à nous tendre ces questionnements. Otto, face au chignon de sa mère, qu’il reconnait tout de suite, attend le bon moment spoiler: pour passer aux aveux : avouer qu’il n’est pas mort, et les raisons de sa fuite
. Camouflé, les cheveux teints, sous une casquette sombre, il est habillé d’un gros manteau noir qui l’anonymise dans cette foule, au coeur de la marche blanche organisée en son propre nom. Si le regard, la confrontation avec sa mère est impossible - elle est toujours dos à lui - le spectateur est aussi sujet à cette barrière, il subit l’inaccessible, à savoir la pleine vue sur le visage d’Otto, en gros plan, à cause d’un ballon de baudruche blanc qui danse devant l’objectif. spoiler: Puis le contrechamp permet d’entamer, tout en douceur, le retournement de sa mère, qui balaie la foule du regard, lentement, comme pour admirer tous ceux venus en mémoire de son fils. Désormais, elle est seule face à la foule, elle aussi en gros plan, et regarde ; elle regarde jusqu’à le voir lui. Tout s’arrête. Puis le visage d’Otto réapparait à l’écran, toujours caché à demi par le ballon, qui laisse deviner une rivière de larmes qui s’accumule sur ses paupières inférieures.
Aucun dialogue ne vient rompre cette absence de dialogue, pour autant, la scène est portée par le merveilleux piano d’Arnaud Toulon. spoiler: Comment réagit sa mère en apprenant que le fils qu’elle pleure depuis un mois se trouve devant ses yeux ? Que dit Otto en revoyant sa mère qu’il n’a pas vue depuis un mois ? Comment leurs retrouvailles se passent-elles ? Quel après les attend ?
Toutes ces questions sont contenues dans ces quelques plans, dans ce champ-contrechamp humaniste d’une superbe, d’une tendresse et d’une justesse à toute épreuve. La détresse et la joie émanent de l’image granuleuse, vieillie, de la caméra de Félix de Givry, qui inscrit son film dans un cinéma plus intime, plus poétique. En somme, c’est l’histoire d’un enfant qui découvre la vie, et qui, par ce biais, se découvre lui-même. Milo Machado-Graner est terriblement attachant, tout autant que Jane Beever qui débute sa carrière avec brio. Le tout est excellent, d’une esthétique admirable, tant au niveau de la mise en scène de l’histoire que du son. Le seul reproche qui, à mon sens, pourrait être fait à ce film, est la double voix-off, d’une dame, tout d’abord, qui n’est pas justifiée, puis d’Otto lui-même, qui prend ouvertement la parole avant de lire sa lettre qui sera plus tard relue par des élèves… Avec des images comme celles-ci, nul besoin de vouloir les expliquer, au contraire, il s’agirait peut-être alors de desservir le récit. Les situations confèrent au spectateur le temps d’assimilation nécessaire aux personnages, par le temps du rêve, par l’image, et non par l’explication de ce rêve qui ne fait que répéter l’action donnée à voir, ou qui essaie de donner de la profondeur psychologique, de ce fait malvenue, et incongrue. Les images suffisent. Si le silence avait imprégné le film tout autant que le champ-contrechamp final, il n’aurait plus été affaire « d’excellent film », mais de « chef-d’oeuvre ».
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