Derniers Avis sur French Connection

Quel ennui ! J'ai vu d'excellents documentaires sur la French Connection et je m'attendais à être déçu, mais pas à ce point !

Courses poursuites auto-métro, échanges de gnons entre flics irascible...

aucune psychologie, aucune vraie investigation policière, passez votre chemin !

French Connection garde aujourd’hui une puissance presque insolente, parce qu’il ne ressemble pas à un polar fabriqué pour flatter le spectateur, mais à un morceau de ville capturé à vif. Le film a cette qualité rare des œuvres qui semblent avoir été tournées avant même d’avoir été “mises en scène” : New York y apparaît comme un espace sale, froid, nerveux, saturé de bruits, de regards et de mouvements parasites. William Friedkin impose une sécheresse qui donne au récit une tension permanente, même quand l’action semble simplement observer des hommes attendre, marcher, surveiller, manger, mentir ou disparaître dans la foule. Sorti en 1971, porté par Gene Hackman et Roy Scheider dans les rôles de deux policiers des stups, le film a été reconnu comme un jalon du cinéma policier américain, notamment pour son style new-yorkais brutal et rugueux.

Ce qui frappe d’abord, c’est la manière dont Friedkin refuse presque systématiquement le confort. Il n’y a pas ici le plaisir lisse d’une enquête brillante où chaque indice s’imbrique avec élégance. Il y a plutôt une progression heurtée, instinctive, parfois ingrate, où la vérité se devine dans un geste trop appuyé, une dépense trop voyante, une attitude trop calme. Le film est passionnant parce qu’il montre l’enquête comme une affaire de patience animale : suivre, attendre, se tromper, recommencer, s’épuiser, puis sentir soudain qu’un détail a bougé. Cette mécanique pourrait devenir froide, mais elle reste constamment vivante grâce à l’impression de réel que Friedkin obtient par le tournage en décors urbains, l’énergie quasi documentaire et une part de dialogue improvisé qui donnent à l’ensemble un grain très particulier.

Popeye Doyle est l’un des grands personnages inconfortables du cinéma américain. Gene Hackman ne cherche jamais à le rendre sympathique par facilité : il en fait un homme brutal, obstiné, vulgaire, nerveux, souvent antipathique, mais doté d’un flair presque maladif. C’est là que le film devient beaucoup plus intéressant qu’un simple récit de policiers contre trafiquants. Doyle n’est pas seulement l’instrument de la loi ; il est aussi une zone de trouble. Sa ténacité fascine, sa violence dérange, son intuition impressionne, sa manière d’exister fatigue presque physiquement. Hackman joue tout cela sans coquetterie, avec une densité sèche, le visage fermé, le corps toujours en tension, comme si son personnage ne savait plus vivre autrement qu’en poursuivant quelqu’un.

Face à lui, Fernando Rey apporte une opposition magnifique, presque musicale. Là où Doyle transpire l’impatience et la rue, son adversaire respire le contrôle, la politesse, la distance. Le film devient alors une confrontation de tempéraments avant d’être une confrontation policière : d’un côté, l’Amérique râpeuse, affamée, impulsive ; de l’autre, une élégance européenne qui cache autre chose sous son calme. Ce contraste pourrait être schématique, mais Friedkin le rend constamment concret, notamment dans les scènes de filature, où l’enjeu n’est pas seulement de savoir qui suit qui, mais qui garde son sang-froid le plus longtemps. Le suspense naît moins d’un coup de théâtre que d’une humiliation, d’un retard, d’une porte qui se referme, d’un regard qui a compris une seconde trop tard.

Roy Scheider, plus discret, est essentiel à l’équilibre du film. Son personnage tempère Doyle sans jamais l’annuler. Il apporte une humanité plus lisible, une présence moins dévorante, et permet au duo d’exister autrement que comme une simple machine policière. Ce n’est pas un second rôle décoratif : c’est le contrepoids qui empêche le film de basculer entièrement dans la fureur de son protagoniste. La réussite de French Connection tient beaucoup à cette distribution sèche, sans afféterie, où personne ne semble jouer pour être aimé. Même les silhouettes secondaires ont quelque chose d’usé, de plausible, de pris dans un monde plus vaste qu’elles.

La mise en scène est d’une précision redoutable parce qu’elle a l’air de refuser la précision trop visible. Friedkin ne souligne pas tout, ne dramatise pas chaque information, ne donne pas toujours au spectateur la satisfaction immédiate de comprendre avant les personnages. Il préfère créer une tension de surveillance. On observe des hommes qui observent d’autres hommes, et peu à peu, cette répétition devient hypnotique. La ville n’est jamais neutre : elle avale les corps, brouille les pistes, ralentit les certitudes. Les rues, les bars, les stations, les restaurants, les voitures, les trottoirs humides composent une sorte de labyrinthe moral où l’enquête semble contaminer ceux qui la mènent.

La photographie d’Owen Roizman participe énormément à cette sensation. French Connection n’est pas beau au sens décoratif ; il est beau parce qu’il accepte d’être ingrat, gris, mal éclairé, sale, presque rêche au toucher. Le film semble couvert d’une pellicule de froid et de pollution. Cette image donne une vérité physique à chaque scène : on sent les manteaux lourds, les vitres sales, les néons fatigués, la nourriture avalée trop vite, la fatigue nerveuse des planques interminables. Cette rugosité visuelle n’a rien d’un effet daté : elle demeure l’une des raisons pour lesquelles le film paraît encore aussi vivant. Beaucoup de thrillers plus récents ont cherché à paraître réalistes ; French Connection, lui, donne l’impression de ne pas avoir eu besoin de le déclarer.

La célèbre poursuite reste évidemment un sommet, non seulement parce qu’elle est spectaculaire, mais parce qu’elle semble dangereuse d’une manière presque primitive. Elle n’a pas la netteté chorégraphiée de beaucoup de scènes d’action modernes : elle tremble, elle cogne, elle paraît parfois échapper à la maîtrise du film lui-même. Cette sensation de danger réel, renforcée par la réputation de ses méthodes de tournage particulièrement risquées, donne à la séquence une intensité qui n’a pas vieilli. Friedkin ne filme pas la vitesse comme un simple plaisir mécanique ; il filme une obsession lancée à pleine puissance dans un espace urbain qui ne devrait pas pouvoir la contenir.

Mais le film n’est pas seulement grand dans l’action. Il l’est aussi dans ses silences, ses attentes, ses frustrations. C’est même là que son intelligence apparaît le mieux. French Connection comprend que la tension policière ne vient pas uniquement du danger, mais de l’incertitude : regarder quelqu’un sans pouvoir encore l’accuser, deviner une structure criminelle avant de pouvoir la prouver, sentir qu’un détail compte sans savoir lequel. Cette patience donne au film une densité que beaucoup de polars plus démonstratifs n’ont pas. Le scénario ne cherche pas à rendre chaque étape brillante ; il accepte les zones mortes, les longueurs apparentes, les moments où l’enquête ressemble à une fatigue plus qu’à une aventure.

Ce choix a aussi ses limites, et c’est précisément ce qui empêche le film d’être absolument parfait. À force de sécheresse, certains personnages restent davantage des fonctions que des présences pleinement développées. Le film fascine plus qu’il n’émeut. Il impressionne, il agrippe, il tend les nerfs, mais il ne cherche presque jamais à ouvrir une faille intime plus profonde. C’est cohérent avec son projet, mais cela crée parfois une forme de distance. On admire la rigueur, la nervosité, la crudité, sans toujours être bouleversé par ce qui se joue humainement. Le film est immense dans sa texture et dans son énergie, un peu moins dans sa capacité à faire vibrer autre chose que la tension, l’obsession et le malaise.

Il y a aussi une ambiguïté morale passionnante, mais parfois inconfortable, autour de Doyle. Friedkin montre clairement sa brutalité et son caractère problématique, mais il utilise aussi son énergie comme moteur spectaculaire. Le spectateur est donc placé dans une position instable : il peut être révulsé par l’homme tout en étant happé par sa détermination. Cette contradiction fait la richesse du film, mais elle laisse parfois un trouble que l’œuvre ne résout pas entièrement. French Connection est assez intelligent pour ne pas transformer Doyle en héros pur ; il est parfois assez électrisant pour risquer malgré tout de rendre sa violence dangereusement séduisante.

La grandeur du film vient alors de cette tension non réconciliée. Friedkin ne livre pas un polar moralement propre. Il filme un monde où la loi et la criminalité ne sont pas équivalentes, mais où la lutte contre le crime use les corps, déforme les regards et expose des pulsions que personne ne semble vraiment contrôler. C’est pour cela que French Connection reste plus qu’un classique d’efficacité : c’est un film sur l’obsession, sur la ville comme terrain de chasse, sur la frontière incertaine entre intuition et acharnement. Son triomphe aux Oscars, où il a remporté notamment les prix du meilleur film, de la meilleure réalisation, du meilleur acteur, du meilleur scénario adapté et du meilleur montage, témoigne de l’impact énorme qu’il a eu dès son époque.

Avec le recul, ce qui demeure le plus impressionnant est peut-être sa résistance au vieillissement. Certaines représentations appellent aujourd’hui une distance critique évidente, certains angles paraissent volontairement ou involontairement rugueux, mais la force de cinéma reste intacte. French Connection ne donne pas l’impression d’un monument figé : il continue de courir, de surveiller, de transpirer, de grincer. Il a été inscrit au National Film Registry en 2005, ce qui correspond bien à son statut d’œuvre devenue historiquement et esthétiquement incontournable dans le cinéma américain.

French Connection est donc un grand film, pas un objet intouchable. Sa puissance vient autant de ses éclats que de ses aspérités. Il peut sembler froid, parfois moralement rêche, parfois moins ample émotionnellement qu’on pourrait le souhaiter, mais sa mise en scène, son rythme interne, son interprétation principale, son regard sur New York et sa manière de transformer une enquête en fièvre urbaine en font une œuvre majeure. C’est un film tendu comme une mâchoire, sale comme une rue après la pluie, habité par un personnage qu’on ne peut pas aimer simplement, mais qu’on ne peut pas oublier. Une référence du polar, non parce qu’elle aurait tout inventé seule, mais parce qu’elle a donné à tout un pan du cinéma criminel américain une forme, une température, une nervosité et une vérité physique que beaucoup ont ensuite tenté d’imiter sans retrouver tout à fait cette brûlure.

Spoilers:

spoiler: French Connection reste l’un de ces films qui semblent avoir été arrachés au bitume plutôt que fabriqués en studio : un polar nerveux, sale, fiévreux, presque hostile, où New York n’est pas un décor mais un organisme malade qui respire par ses bouches de métro, ses bars enfumés, ses trottoirs glacés et ses arrière-cours pleines de soupçons. William Friedkin y impose une méthode quasi documentaire, nourrie de tournage en décors réels à New York, Washington et Marseille, avec une part d’improvisation et une volonté de donner l’impression que la caméra surprend les événements au lieu de les organiser. C’est précisément ce qui donne au film sa force intacte : on ne regarde pas seulement une enquête, on a l’impression de suivre une traque avant même que ceux qui traquent sachent vraiment ce qu’ils cherchent. La grande idée du film, c’est de ne jamais rendre Popeye Doyle aimable, ni même vraiment admirable. Gene Hackman, récompensé à juste titre pour ce rôle, ne joue pas un héros dur mais nécessaire ; il joue un homme brutal, obsessionnel, vulgaire, parfois brillant, souvent répugnant, qui avance comme un chien de chasse incapable de distinguer son instinct de sa morale. Le film devient alors passionnant parce qu’il ne repose pas sur la pure efficacité policière, mais sur une question beaucoup plus inconfortable : que vaut une victoire obtenue par quelqu’un dont les méthodes ressemblent déjà à une forme de contamination ? Doyle est raciste, violent, humiliant, impulsif ; il est pourtant celui qui voit le fil invisible reliant Sal Boca, Weinstock, Charnier, la voiture piégée et l’héroïne. Friedkin ne demande jamais au spectateur de l’aimer, mais il le force à rester avec lui, dans son souffle court, ses filatures absurdes, sa faim nerveuse, sa frustration permanente. La construction est remarquable parce qu’elle refuse longtemps le spectaculaire immédiat. Le film prend son temps dans l’observation : des regards échangés dans un restaurant, un homme qui mange luxueusement pendant qu’un autre gèle dehors, une filature qui devient presque une chorégraphie comique et cruelle, un métro pris et repris comme un jeu de cache-cache entre deux intelligences opposées. La scène où Charnier humilie Doyle en lui échappant dans la rame est l’un des sommets du film, non parce qu’elle explose, mais parce qu’elle condense tout : le Français élégant, calme, presque aristocratique, contre le policier américain transpirant, grossier, incapable de supporter d’être battu sur le terrain du sang-froid. Fernando Rey, que Friedkin a choisi dans des circonstances devenues célèbres autour d’une confusion avec Francisco Rabal, apporte à Charnier une politesse venimeuse, une douceur de surface qui rend le personnage plus inquiétant qu’un simple trafiquant menaçant. La fameuse poursuite sous le métro aérien reste évidemment un morceau de cinéma sidérant. Elle n’est pas seulement impressionnante parce qu’elle va vite ; elle l’est parce qu’elle paraît mal contrôlée, presque illégale, comme si le film lui-même franchissait la limite entre mise en scène et accident. Le fait que cette séquence ait été abondamment célébrée comme l’une des grandes poursuites de l’histoire du cinéma tient à cette sensation de danger physique brut, Friedkin et son équipe ayant poussé la logique de réalisme jusqu’à une brutalité qui se ressent encore aujourd’hui dans chaque coup de volant, chaque freinage, chaque collision. Mais ce qui la rend vraiment forte, c’est son absence de triomphe : Doyle ne poursuit pas Nicoli comme un justicier limpide, il le chasse avec une rage presque animale, et lorsqu’il l’abat dans le dos en haut des escaliers, le film retire immédiatement toute jouissance héroïque à la scène. Le plan est sec, laid, définitif. Il n’y a pas de pose, pas de phrase culte, pas de gloire. Juste un homme qui tue un autre homme parce qu’il ne supporte plus que la proie lui échappe. Visuellement, le film est superbe d’une manière ingrate. Owen Roizman ne cherche pas la beauté classique : il cherche le froid, le grain, le gris sale, la lumière qui tombe mal, les intérieurs trop jaunes, les rues trop dures. C’est une photographie qui semble vouloir effacer le prestige du polar pour le ramener à une matière plus rugueuse. On sent le cuir usé, les manteaux lourds, les pare-brise sales, les sandwiches avalés debout, les cafés tièdes, les bureaux où personne ne semble jamais vraiment rentrer chez soi. Cette esthétique donne au film une modernité folle : il annonce le Nouvel Hollywood le plus paranoïaque, celui où les institutions ne sauvent pas le monde mais pataugent dans la même boue que les criminels. Le scénario est d’une efficacité remarquable, mais il n’est pas parfait. Certains personnages secondaires existent davantage comme rouages que comme êtres vivants, et le film, à force de sécheresse, laisse parfois moins de place à la résonance émotionnelle qu’à la mécanique de surveillance. C’est aussi ce qui l’empêche d’être absolument bouleversant : il fascine plus qu’il ne hante, il agrippe plus qu’il ne déchire. La sécheresse de Friedkin est cohérente, mais elle a un prix. On peut également sentir, avec le recul, une ambiguïté parfois dangereuse dans la manière dont le film regarde la violence policière de Doyle : il la montre, il la rend inconfortable, mais il bénéficie aussi de son énergie spectaculaire. Cette tension est passionnante, mais elle laisse parfois un goût trouble, comme si le film savait que Doyle est monstrueux sans toujours empêcher complètement le spectateur de vibrer à sa monstruosité. La dernière partie est admirable justement parce qu’elle refuse la purification. La drogue est trouvée, le réseau est partiellement démantelé, Sal Boca est tué, plusieurs coupables tombent, mais Charnier s’échappe. Plus fort encore : Doyle, lancé dans l’entrepôt comme un possédé, abat par erreur Mulderig, un agent fédéral qu’il détestait, puis continue d’avancer hors champ, aspiré par sa propre obsession. Le coup de feu final, dont Friedkin a lui-même entretenu l’ambiguïté, ne clôt rien moralement ; il transforme la conclusion en trou noir. Le film ne dit pas “la justice a gagné”, il dit plutôt : quelque chose a été saisi, quelque chose a été perdu, et l’homme qui voulait absolument attraper le mal en portait déjà une partie en lui. C’est cette fin qui élève French Connection au-dessus du simple grand polar. La réussite policière y a l’amertume d’un échec existentiel. Doyle ne devient pas meilleur parce qu’il avait raison. Charnier ne devient pas moins coupable parce qu’il est élégant. Russo, plus posé, plus humain, reste entraîné dans une machine qui le dépasse. Et New York demeure là, indifférente, comme si l’arrestation d’un réseau n’était qu’une secousse minuscule dans un système beaucoup plus vaste. Le film a d’ailleurs été reconnu très tôt comme une œuvre majeure, remportant notamment les Oscars du meilleur film, de la meilleure réalisation, du meilleur acteur, du meilleur montage et du meilleur scénario adapté, avant d’être inscrit au National Film Registry en 2005. Ce qui impressionne encore aujourd’hui, c’est que French Connection n’a presque rien perdu de sa nervosité. Certaines attitudes ont vieilli, certains angles moraux appellent désormais une distance critique plus forte, mais la mise en scène, elle, reste d’une puissance rare. Friedkin filme l’enquête comme une maladie de l’attention : regarder, attendre, suivre, se tromper, recommencer, s’acharner jusqu’à ce que le réel cède enfin. Le film n’est pas seulement tendu ; il est tendu contre lui-même, partagé entre fascination pour l’efficacité de Doyle et dégoût pour ce que cette efficacité suppose. C’est un classique abrasif, imparfait mais immense, un film de poursuite où la vraie cible n’est peut-être ni Charnier ni l’héroïne, mais l’idée même qu’un homme violent puisse sortir propre d’un monde violent.

Un classique extrêmement bien filmé, porté par un Gene Hackman au sommet. Pas mal de suspens. Le film n'a pas vieilli la réalisation reste toujours aussi efficace.

Vu le 9 janvier 2026 en VOSTFR au cinéma
Si tu veux devenir flic, regarde ce film car tu sauras ce qu’est que faire une planque. Alors oui, c’est un film lent, mais regarde quand même cette course poursuite. Comment ne pas l’oublier. Trente ans après mon premier visionnage, j’en reste encore fan. Roy Schneider, que je ne pouvais dissocier dans ma jeunesse de son rôle dans Les Dents de la Mer, et Gene Hackman forment un duo de flics convainquant et convaincu.

Le spectateur visite Marseille et NewYork sous une coloration froide à la Derrick : si ça passe pour NewYork ça l’est moins pour Marseille.
Le film détaille l’enquête sur la fameuse French Connection par ce duo de flic très proches. Filature, descente dans les bars, intimidations, indics, le jeu du chat et de la souris, planques et cette fin …

C’est un grand film policier dans le style documentaire : tout le long du film, le spectateur est à l’intérieur de l’enquête, souvent la caméra est portée à l’épaule dans l’esprit de la nouvelle vague. Il n’y a rien de révolutionnaire, mais William Friedkin ne dévie pas de sa ligne, c’est à la fois la force et la faiblesse de ce film. The french connection est un film policier qu’il faut avoir vu au moins une fois.

Ma scène préférée : en dehors de la course poursuite, il y a cette scène dans laquelle Popeye et son acolyte « contrôle » les clients du bar.

Le fait que le film soit adapté du livre éponyme (1969) de l’écrivain américain Robin Moore, lui-même s’étant inspiré de l’enquête de 2 policiers de New York, Eddie Egan et Sonny Grosso (conseillers techniques et figurants du film), sur l’importation à New York d’héroïne en provenance de France (d’où le titre), lui donne une valeur documentaire. Une bonne partie du film est consacrée au quotidien de 2 flics, Doyle dit Popeye (Gene Hackman, 41 ans), brutal et impulsif, et Buddy Russo dit Cloudy (Roy Scheider, 39 ans) : descentes dans des bars louches, planques (en voitures ou déguisés), ainsi que filatures. Celle du Français Alain Charnier (Fernando Rey, 54 ans) par Doyle dans le métro, évoque celle de Jeff Costello (Alain Delon) par des policiers dans le métro parisien, dans « Le samouraï » (1967) de Jean-Pierre Melville. Le film a marqué les esprits avec la célèbre poursuite où Gene Hackman suit en voiture le métro aérien où s’est enfuit le tueur aux ordres d’Alain Charnier (Marcel Bozzuffi, 42 ans). La cache de l’héroïne spoiler: dans la voiture Lincoln du présentateur français de télé, Henri Devereaux (Frédéric de Pasquale, 40 ans)
a inspiré Gérard Oury dans son film, « Le corniaud » (1965) où Antoine Maréchal (Bourvil) convoyait une Cadillac de Naples à Bordeaux où la voiture devait embarquer pour New York. Il est étonnant que la Lincoln, entièrement désossée, et sans précautions, par les policiers new-yorkais pour rechercher l’héroïne, soit rendue « intacte » à son propriétaire. Enfin, le tournage, en lumière naturelle, pendant l’hiver rigoureux 1970-71, accroit l’authenticité du film, sans oublier la scène finale, particulièrement glauque dans une usine désaffectée, suintante et humide. Enfin, on a plaisir à voir Marseille dans les années 70 (basilique Notre-Dame-de-la-Garde, Canebière, château d’If). Pas étonnant que le film ait obtenu 5 Oscars [meilleurs film (au détriment de « Orange mécanique » de Stanley Kubrick), réalisateur, acteur (Gene Hackman), scénario adapté et montage].

C'est un film qui a forcément mal vieilli (il a plus de 50 ans !) mais je trouve la photo superbe et la façon de tourner particulièrement intéressante. Il est à noter que Friedkin fera 2 ans plus tard l'Exorciste qui n'a rien à voir comme genre ! Et sinon faute d'ortographe dès la première minute avec "Marseilles" mais bref... On était pas à ça près à l'époque.

Une découverte pour moi bien que je connaissais de nom cette oeuvre. J'ai réellement apprécié le rythme du film, ne s'arrêtant jamais et semblant monter en intensité minute après minute.

Gene Hackman est juste parfait, il joue à la perfection le jusqu'au boutisme et la détermination, tout le long du film il n'a qu'un seul but et rien ne pourra l'empêcher de l'atteindre ce qui rend l'intensité du personnage proche de la perfection.

Néanmoins j'ai trouvé le film trop court, effectivement j'aurai aimé en apprendre plus sur les personnages, leurs attitudes et émotions. Dès lors j'ai du mal à donner plus que 3,5/5 car selon moi le film est imparfait et semble aller trop vite.

Mais in fine on est sur un très bon thriller policier, joué par de très bons acteurs et qui fait sens sans pour autant rentrer dans l'extraordinaire.

Au départ, french connection ou pas, le sujet constitue un cas de figure policier tout à fait banal, où deux policiers tentent de démanteler un réseau de trafiquants de drogue. Cependant, dans les rues de New York, après le préambule marseillais, la mise en scène de William Friedkin montre une remarquable efficacité dans la maitrise de l'action, du suspense et de la description minutieuse d'un trafic sous surveillance policière.
Au coeur du film, deux scènes éminentes reflètent la qualité de la réalisation : l'haletante filature entre des flics et des malfrats sur le qui-vive et, plus tard, la spectaculaire spoiler: poursuite voiture-métro aérien
entre Gene Hackman et Marcel Bozzuffi. Ces deux séquences ne sont pas les seuls motifs qui distinguent le film. L'approche de Friedkin est exemplaire. La sobriété de la mise en scène et des personnages, motivée par la recherche de comportements vrais et d'un récit réaliste, confine par moments au style documentaire. La nervosité des policiers -l'acharnement du flic Jimmy Doyle est même une source d'interrogation- et le laconisme des truands en sont, à cet égard, la manifestation intelligente et convaincante.

Belle adaptation cinématographique de la vie d'une taupe pour la police de l'anti-gang,attacher au affaire extraordinaire;il illustre magistralement la lutte contre les narco-trafficants et nous livre;selon,un visage tragique ou presque angélique de ce qu'est la réaliter du traffic et du pouvoir.

On ne présente cet immense classique du film policier récompensé aux Oscars. D’un souci méticuleux proche du documentaire, la réalisation de William Friedkin est un modèle du genre avec évidemment en point d’orgue la fameuse scène de la course-poursuite qui est d’une construction haletante. Avec son écriture au cordeau, son suspense montant crescendo et son final tout en ambivalence « French Connection » est un formidable polar qui est également bonifié par son excellent casting avec un Gene Hackman habité dans son rôle de policier des narcotiques.

Polar / film d'espionnage au rythme lent, qui vaut surtout pour ses longues scènes de filature et sa mise en scène réaliste filmée caméra à l'épaule. Pas un film indispensable mais on aime la réalité sans fioriture des rues sinistres du New York des années 70.

Passée la fascination pour la virtuosité de la mise en scène et l'interprétation magistrale de Gene Hackman, on s'aperçoit au bout de plusieurs visions des petites faiblesses d'un scénario qui tend à aligner courses poursuites et filatures pour faire "remplissage ".

Vraiment vous me siderez, en quoi ne suis je pas courtois. j'ai remplacé le mot précédent par policier. J'ai aussi enlevé la caracterisation du monde tel que analysé dans ce film (et pourtant, comment le definissez vous) Mais je vous avoue que si le problème est là, je trouve que vous cherchez la petite bête.
Film réalisé comme un documentaire mais qui s'en tient trop aux faits sans jamais aborder la moindre critique sociale ou politique. Les truands s en sortent plutôt bien alors que cette histoire est pavée de heaucoup de morts, chez les policiers comme dans la population. Mais assez peu chez les truands. A mon avis Friedkin a réalisé Killer Joe 40 ans plus tard infiniment plus efficace dans sa dénonciation de ce monde.

C'était un bon film policier et gangster. J'ai bien aimé le déroulement de l'histoire. De suivre un policier durant son enquête d'une livraison de drogue en provenance de la France.

La scène de course-poursuite du métro et de la voiture est mémorable.

Globalement à un cheveu de la perfection, tout juste empêchée par un jeu d'acteurs francophones (dans la VO) pas toujours au niveau.

À part ça c'est parfait ! Une enquête palpitante, de bons acteurs (sauf les francophones donc), des retournements jamais prévisibles, et (c'est certainement le plus gros atout du film) les scènes d'action sont merveilleusement bien faites surtout pour l'époque, et ça donne une valeur ajoutée supplémentaire à ce film qui n'en avait de toute façon pas besoin.

Soyez tout de même avertis qu'il faut être concentré, l'enquête est certes prenante, elle n'en est pas moins compliquée.

Un film absolument incroyable !