Derniers Avis sur Clayface

Un chef d’œuvre, satisfaction maximum tout le long, une rédaction millimétré et effets spéciaux irréprochables

l'acting jouent bien , les effets spéciaux son bien faits , l'histoire du film sa peu avoir du potentiel mais trop long a expédié son personnage il va pas au bout des choses , ses très cuter ses très dégoûtant, je pence le scénario mal écrit y'as des facilités bref ses moyens pas a la hauteur de CLAYFACE du moins pas assez .

Il y a quelque chose de profondément cruel à raconter l’histoire d’un acteur à qui l’on arrache son visage. Car pour celui qui a consacré son existence à être regardé, la défiguration ne constitue pas seulement une mutilation physique : elle menace jusqu’à la possibilité d’exister aux yeux des autres. C’est sur cette idée particulièrement féconde que James Watkins bâtit *Clayface*, récit d’une dépossession qui fait de la transformation corporelle le prolongement d’une blessure intime. Matt Hagen, comédien ayant arraché sa réussite à la précarité de Gotham, voit son ascension brutalement interrompue lorsqu’une agression détruit son apparence et, avec elle, les fondements de son identité sociale. Dans un milieu où la valeur d’un individu semble indissociable de son image, il découvre que l’admiration, la loyauté et les promesses de réussite peuvent disparaître aussi rapidement qu’elles sont apparues. La perspective d’un traitement expérimental lui offre alors l’espoir de retrouver ce qu’il a perdu, mais ouvre également la porte à une horreur autrement plus insidieuse. Le film possède ainsi un point de départ remarquablement pertinent : faire d’un homme dont le métier consiste à incarner les autres quelqu’un qui risque de ne plus pouvoir être lui-même. Une contradiction aussi fascinante que tragique, dont Watkins tire un spectacle horrifique solide et parfois saisissant, sans toutefois parvenir à en épuiser toute la richesse psychologique.

La principale qualité de *Clayface* réside dans son approche résolument organique de l’horreur. Watkins comprend que la monstruosité du personnage ne doit pas seulement impressionner par ses proportions ou ses capacités, mais provoquer une réaction presque instinctive devant la perspective d’un corps qui cesse d’obéir à son propriétaire. La chair devient une matière instable, les contours du visage perdent leur fiabilité et les transformations prennent une dimension profondément anxiogène parce qu’elles bouleversent ce que nous considérons comme le plus élémentaire : la permanence de notre propre anatomie. Le recours important aux maquillages prothétiques et aux effets physiques constitue à cet égard un choix particulièrement judicieux. La texture des chairs, leur pesanteur et leurs déformations possèdent une matérialité qui permet aux mutations de conserver une dimension tangible, même lorsque les effets numériques viennent en prolonger les possibilités. Watkins sait également travailler la proximité du cadre, la durée des gestes et l’anticipation de la douleur pour susciter un malaise qui ne dépend pas exclusivement de la violence graphique. Certaines séquences témoignent d’une véritable inventivité dans la manière de transformer des situations ordinaires en expériences de panique corporelle. Cette efficacité demeure néanmoins inégale : lorsque les manifestations horrifiques deviennent plus démonstratives, la sophistication des effets tend parfois à prendre le dessus sur leur puissance émotionnelle. Le film impressionne alors davantage par ce qu’il est techniquement capable de montrer que par ce qu’il nous fait ressentir.

Cette réussite visuelle s’accompagne d’un travail d’atmosphère appréciable. La photographie de Rob Hardy confère à Gotham une identité sombre et oppressante, dominée par les reflets artificiels, les architectures massives et une impression persistante de délabrement. La ville semble partager avec son protagoniste une même maladie : derrière ses façades prestigieuses se dissimule un monde gangrené par la corruption, les rapports de domination et l’indifférence à la souffrance individuelle. Watkins évite heureusement de réduire cet environnement à un simple catalogue de références destinées aux amateurs de l’univers DC. Gotham possède une présence suffisamment concrète pour accueillir une histoire qui pourrait presque se dérouler indépendamment de toute mythologie super-héroïque. La direction artistique, les décors et le travail sur les matières participent à cette cohérence esthétique, tandis que la mise en scène privilégie régulièrement des espaces resserrés qui accentuent le sentiment d'enfermement. Il en résulte une atmosphère de thriller urbain particulièrement adaptée à la dégradation physique et morale de Matt. Pourtant, cette identité plastique, aussi convaincante soit-elle, ne s’accompagne pas toujours d’une inventivité dramaturgique équivalente. Le cadre possède une personnalité plus affirmée que certaines situations qu’il accueille, et l’intrigue emprunte progressivement des chemins dont la familiarité atténue la singularité de son point de départ.

Tom Rhys Harries constitue heureusement un véritable point d’ancrage émotionnel. Son interprétation repose sur un équilibre intéressant entre la vulnérabilité d’un homme humilié et la fébrilité d’un individu qui refuse désespérément de renoncer à l’existence qu’il s’était construite. L’acteur parvient à faire sentir combien l’assurance de Matt dépendait auparavant du regard des autres, puis combien la disparition de cette reconnaissance fragilise sa perception de lui-même. Son travail corporel mérite également d’être souligné : les mouvements, les tensions musculaires et les réactions à l’inconfort donnent aux transformations une dimension vécue plutôt que simplement spectaculaire. Harries conserve suffisamment d’humanité pour rendre perceptible la souffrance derrière la monstruosité, même lorsque le personnage devient plus difficile à comprendre ou à soutenir. Naomi Ackie lui oppose une présence plus contenue dans le rôle de Caitlyn Corr, scientifique dont les ambitions et les propres blessures permettent au film d’aborder les promesses contradictoires du progrès médical. Leur relation possède un potentiel dramatique réel, puisqu’elle confronte deux formes de dépossession et deux désirs de réparation. Cependant, son développement manque parfois de nuances et de respiration. Certains rapprochements émotionnels paraissent davantage dictés par les nécessités du scénario que par une évolution suffisamment progressive des personnages. Quant aux figures secondaires, malgré des interprètes investis, elles demeurent trop fréquemment définies par leur fonction dans les péripéties, au détriment d’une véritable autonomie psychologique.

C’est précisément sur le terrain de l’écriture que *Clayface* révèle ses limites les plus importantes. Le scénario de Mike Flanagan et Hossein Amini dispose pourtant de plusieurs pistes passionnantes : la marchandisation de l’apparence, la violence sociale de la célébrité, les frontières éthiques de l’expérimentation scientifique et, surtout, le rapport entre l’identité personnelle et la reconnaissance extérieure. Mais ces différentes dimensions ne bénéficient pas toutes du même approfondissement. La critique d’un monde où l’on peut perdre sa valeur en perdant son visage demeure pertinente, sans toujours dépasser un constat relativement attendu. De même, les interrogations sur le pouvoir de la science et sur ses conséquences humaines servent efficacement le récit, mais auraient gagné à être confrontées à des contradictions morales plus complexes. Le film se montre particulièrement intéressant lorsqu’il suggère que l’obsession de retrouver une existence passée peut devenir aussi destructrice que l’événement qui l’a anéantie. Il se révèle moins convaincant lorsqu’il transforme cette idée en mécanique de vengeance relativement conventionnelle. La psychologie de Matt n’est jamais dépourvue de cohérence, mais plusieurs étapes de son évolution paraissent insuffisamment développées pour produire toute la force tragique recherchée. Watkins sait nous placer devant les conséquences d’une souffrance ; il peine davantage à nous faire éprouver, avec une égale précision, les mécanismes intérieurs par lesquels cette souffrance se transforme.

Cette difficulté se retrouve dans l’équilibre général du film, constamment partagé entre drame intime, horreur corporelle, thriller criminel et spectacle de transformation. La diversité des registres contribue indéniablement à son dynamisme, mais elle entraîne aussi quelques ruptures de ton. Certaines séquences semblent vouloir installer une douleur durable, tandis que d’autres privilégient l’efficacité immédiate, l’humour macabre ou la satisfaction viscérale du spectacle. Ces différentes intentions ne sont pas incompatibles, mais leur articulation manque parfois de fluidité. La progression narrative connaît également quelques facilités, notamment dans la manière dont certains événements interviennent pour accélérer les conflits ou relancer les enjeux. Le problème n’est pas tant que le film obéisse à des conventions de genre que le fait qu’il dispose d’une matière suffisamment singulière pour mériter une construction moins prévisible. Sa durée relativement resserrée favorise une certaine efficacité, mais laisse paradoxalement le sentiment que plusieurs relations et dilemmes auraient nécessité davantage d’espace. À force de vouloir faire coexister la tragédie, la romance, l’épouvante et la vengeance, *Clayface* finit parfois par effleurer ce qu’il aurait fallu approfondir.

Il serait toutefois excessif de réduire ces réserves à un échec de ses ambitions. James Watkins signe un film qui possède une véritable personnalité, une liberté de ton appréciable et un rapport à la violence suffisamment frontal pour échapper à l’aseptisation que pourrait laisser craindre son appartenance à une franchise. Sa mise en scène témoigne d’un authentique savoir-faire, particulièrement lorsqu’elle fait de l’altération physique une source de suspense, et son acteur principal apporte une densité humaine indispensable à un personnage qui aurait facilement pu n’être qu’une attraction monstrueuse. Le film réussit également à préserver une interrogation troublante derrière ses débordements organiques : que reste-t-il de notre identité lorsque disparaissent les attributs sur lesquels nous avions fondé toute notre existence ? C’est cette question qui nourrit ses meilleurs moments et lui confère une profondeur que ses imperfections narratives ne parviennent pas entièrement à effacer.

*Clayface* demeure ainsi une proposition horrifique convaincante, généreuse dans ses effets, régulièrement inventive dans sa réalisation et portée par une idée centrale d’une réelle puissance symbolique. Mais sa construction dramatique trop familière, ses personnages secondaires insuffisamment développés et son exploration psychologique parfois superficielle l’empêchent de devenir la grande tragédie monstrueuse qu’il semblait pouvoir être. Il en reste un film de genre intéressant, techniquement soigné et suffisamment habité pour susciter une véritable empathie, même si le souvenir de certaines images risque de survivre davantage que celui de son parcours émotionnel. Car toute l’ironie de cette histoire tient finalement dans cette évidence : il ne suffit pas de déformer un visage pour révéler ce qui se cache derrière.

Spoilers:

spoiler: Il existe une cruauté particulière dans le fait de détruire le visage d’un acteur : ce n’est pas seulement son apparence qu’on lui arrache, mais l’instrument même par lequel il existe aux yeux des autres. C’est autour de cette idée que James Watkins construit *Clayface*, une plongée dans la défiguration, l’obsession et la dissolution de l’identité, où la naissance d’un monstre trouve son origine dans une tragédie profondément humaine. Matt Hagen, jeune comédien promis à une carrière prestigieuse, découvre brutalement que sa réussite, son entourage et jusqu’à sa crédibilité reposaient sur une image infiniment plus fragile qu’il ne l’imaginait. Lorsque le criminel Markos Szabo lui lacère le visage, sa vie s’effondre avec une rapidité terrifiante. Sa réputation est méthodiquement détruite, ses proches l'abandonnent ou le trahissent, et les institutions censées le protéger se révèlent impuissantes face à ceux qui disposent de l’argent et de l’influence nécessaires pour les contourner. Le film trouve dans cette déchéance une matière dramatique intéressante : avant même que la chair ne commence à se transformer, c’est déjà le regard des autres qui a fait de Matt un monstre. L’une des principales réussites de *Clayface* réside dans sa volonté de traiter cette histoire comme un véritable récit d’horreur corporelle plutôt que comme le simple prélude aux affrontements d’un univers super-héroïque. Gotham n’est pas ici un terrain de jeu spectaculaire, mais une ville oppressante, saturée de bâtiments imposants, de lumières artificielles et de recoins où la misère semble parfaitement cohabiter avec le luxe. La photographie de Rob Hardy et les décors contribuent à installer une atmosphère poisseuse, presque maladive, qui épouse progressivement la décomposition physique et morale du protagoniste. Watkins possède un sens indéniable de la tension et sait exploiter la matérialité des corps avec une inventivité parfois remarquable. Les effets de maquillage, les prothèses et les transformations numériques se complètent généralement avec une efficacité convaincante, donnant aux métamorphoses une dimension organique particulièrement désagréable. La séquence de l’avion, durant laquelle Matt doit découper aux ciseaux la matière qui soude ses paupières, constitue à cet égard un excellent morceau de cinéma horrifique : l’exiguïté des toilettes, les turbulences et l’impossibilité momentanée de voir transforment un dérèglement anatomique en expérience de panique presque physique. L’horreur fonctionne alors parce qu’elle ne repose pas uniquement sur ce que l’on montre, mais sur la sensation insupportable d’être prisonnier d’un corps devenu étranger. Tom Rhys Harries apporte au personnage une vulnérabilité qui permet de croire à cette dépossession progressive. Son interprétation est particulièrement convaincante lorsqu’il laisse apparaître, derrière la colère et le désespoir, l’humiliation d’un homme incapable d’accepter la disparition de celui qu’il croyait être. Il parvient aussi à préserver quelque chose d'infantile dans la quête de reconnaissance de Matt, ce besoin presque maladif d’être admiré, aimé et rassuré, qui prend progressivement une tournure inquiétante. Face à lui, Naomi Ackie compose une Caitlyn Corr sensible et retenue, scientifique elle-même blessée par un système qui a confisqué le mérite de ses recherches. Leur rapprochement possède ainsi une justification intéressante : deux êtres dépossédés de ce qu’ils ont construit trouvent momentanément dans leur collaboration la possibilité d’une réparation. Pourtant, cette relation révèle également l’une des limites majeures du scénario de Mike Flanagan et Hossein Amini. Ce qui devrait devenir le cœur émotionnel du récit peine parfois à dépasser sa fonction narrative. Les sentiments de Matt évoluent plus rapidement que leur approfondissement ne le permet véritablement, tandis que John Borrelli, le fiancé de Caitlyn, demeure trop souvent réduit au rôle d’obstacle sentimental et d’enquêteur chargé de faire progresser l’intrigue. Le triangle qui se dessine manque de complexité pour donner toute sa force à ses conséquences tragiques. Cette fragilité affecte plus largement la transformation psychologique de Matt. Le film possède une idée particulièrement féconde : offrir à un acteur capable d’incarner n’importe qui le pouvoir de devenir littéralement n’importe qui. Son don représente alors autant l’accomplissement monstrueux de sa vocation que l’aboutissement de son incapacité à se définir autrement qu’à travers le regard d’autrui. Mais cette proposition, aussi riche soit-elle, n’est pas explorée avec toute la rigueur qu’elle mériterait. À mesure que le récit s’oriente vers la vengeance, l’enchaînement des confrontations tend à prendre le pas sur l’examen des contradictions intérieures du personnage. Les meurtres de Frank Fitzpatrick et de Corey Bowery sont particulièrement révélateurs : la trahison de ces hommes donne à la colère de Matt une origine compréhensible, mais le plaisir de punir finit par supplanter trop facilement le vertige moral que devrait provoquer le franchissement de l’irréparable. Le scénario semble parfois hésiter entre la volonté de préserver notre compassion et celle de faire de son protagoniste un prédateur de plus en plus terrifiant. Cette ambiguïté pourrait être passionnante si elle était véritablement travaillée ; elle apparaît trop souvent comme une difficulté à articuler les différentes étapes de sa déshumanisation. Les possibilités offertes par les nanites évoluent également au gré des nécessités dramatiques, avec une souplesse qui facilite les rebondissements sans toujours renforcer leur crédibilité. Il serait néanmoins injuste de minimiser la réussite de certaines séquences de violence, notamment celle du Vesuvius, où les changements d’apparence deviennent les instruments d’une mise en scène particulièrement ludique et cruelle. Watkins exploite habilement la circulation des corps, les déplacements dans l’espace et les ruptures d’identité pour faire naître une confusion qui sert autant le suspense que le spectacle. La vengeance de Matt contre Szabo possède même une cohérence visuelle redoutable : en retournant contre son bourreau la mutilation qui a détruit sa propre existence, il fait de son corps l’arme et le témoignage de sa souffrance. Mais cette inventivité ne suffit pas à masquer une progression dramatique relativement prévisible, ni le caractère parfois fonctionnel des personnages secondaires. Le film multiplie les manifestations spectaculaires de la monstruosité sans toujours leur donner une signification nouvelle. Plus gênante encore est la manière dont le meurtre de John, commis pour supprimer ce que Matt considère désormais comme le dernier obstacle à son bonheur avec Caitlyn, intervient comme l'ultime confirmation d'une dérive que le récit a insuffisamment interrogée. Ce geste est pourtant essentiel : Matt ne cherche plus seulement à récupérer l’existence qu’on lui a volée, il estime désormais pouvoir disposer de celle des autres. Sa douleur ne justifie plus ses actes ; elle devient le prétexte par lequel il s’autorise tout. C’est précisément dans cette confusion entre amour, possession et besoin de reconnaissance que *Clayface* retrouve, lors de son dénouement, sa dimension la plus troublante. Après avoir perdu le contrôle de sa transformation et survécu à la destruction supposée des nanites, Matt disparaît dans les entrailles de Gotham. La séquence finale, où il semble retrouver Caitlyn avant que l’on découvre qu’il a lui-même façonné cette présence à partir de son propre corps, contient sans doute l’idée la plus désespérée du film. Celui qui rêvait de retrouver son visage possède désormais la capacité d’en créer une infinité, mais il ne peut plus obtenir ce qui lui manque réellement : être aimé par quelqu’un qui le reconnaisse pour ce qu’il est. En fabriquant lui-même la femme qu’il désire, il transforme sa solitude en représentation, condamné à jouer simultanément les deux rôles d’une histoire d’amour dont il ne reste plus que lui. Le comédien est devenu son propre partenaire, son propre public et sa propre illusion. L’apparition de sa forme monstrueuse définitive donne alors une conclusion visuelle saisissante à cette contradiction : Matt a conquis le pouvoir absolu de modifier son apparence, au prix de la destruction de tout ce qui pouvait encore lui permettre d’exister derrière elle. Reste que cette dernière image, aussi forte soit-elle, révèle également ce qui sépare *Clayface* d’une œuvre pleinement accomplie. Le film sait admirablement représenter la dégradation d’un corps, mais peine davantage à rendre parfaitement sensible la continuité de la conscience qui l’habite. Ses ambitions psychologiques et sa générosité horrifique ne se rejoignent pas toujours avec la profondeur espérée. La critique du culte de l’apparence, la violence des rapports de pouvoir, les dérives de l’expérimentation scientifique et la tentation de substituer la vengeance à la justice constituent autant de pistes stimulantes, parfois esquissées plutôt que véritablement développées. Pourtant, grâce à une atmosphère soignée, des effets corporels mémorables, un interprète principal investi et quelques trouvailles de mise en scène particulièrement inspirées, James Watkins signe un film de genre solide, régulièrement captivant et suffisamment singulier dans son approche pour susciter un intérêt réel. Une œuvre imparfaite, dont les ambitions excèdent parfois la maîtrise narrative, mais qui possède assez de personnalité pour ne pas se réduire à la présentation d’un futur adversaire de Batman. Au fond, sa plus belle intuition tient dans ce paradoxe tragique : Matt Hagen ne devient pas un monstre parce qu’il a perdu son visage, mais parce qu’il finit par croire qu’aucun visage ne saurait lui rendre ce qu’il a perdu.

Plat et ennuyeux, juste gaure avec quelques scènes intéressantes, ce qui rattrape un peu la note.
Le jeu d'acteur ne m'a pas convaincu

Pari risqué et réussi pour DC Comics qui ose délaisser les exploits de ses héros destinés au grand public pour explorer le passé d'un vilain en s'aventurant dans le genre horrifique. Clayface plonge dans la lente descente aux enfers d’un homme pour qui le physique et l’imitation ont toujours été des moyens de survie jusqu’à ce que tout lui soit brutalement arraché. Prêt à tout pour retrouver sa vie d’avant, il accepte une transformation technologique aussi fascinante que dangereuse.

Le film explore la frontière mince entre héros et vilain rappelant que les choix d'un homme qui définissent ce qu'il devient. Batman et Clayface ont tous deux vu leur vie bouleversée par un traumatisme mais là où l'un se laisse consumer par sa souffrance et finit par servir sa propre vengeance, l'autre transforme sa douleur en combat pour protéger les autres.

La mise en scène est une réussite avec ses effets spéciaux, son rythme dynamique, son ambiance sombre et paranoïaque. Les acteurs sont convaincants et l’histoire bien ficelée.

Entre thriller horrifique et drame psychologique, Clayface est une proposition originale et rafraîchissante qui donne envie de découvrir d’autres facettes méconnues et plus sombres des vilains de DC.

Un super film. J’y suis allé en connaissant son histoire grâce aux comics et je n’ai pas été déçue du tout de cette adaptation bien au contraire ! ❤️

Agréable j’ai pas vue le temps passer L’acteur joue vraiment bien la fin etait cool . : spoiler: le moment dans le club j’ai adorer.
J’aimerais sincèrement le revoir

Clayface est un film de James Watkins sorti en 2026.

Ce méchant de l'univers DC est un personnage intéressant : visage détruit suite à une altercation alors que c'est une étoile montante d'Hollywood, il va chercher à se réparer grâce à une chercheuse puis à se venger. Malheureusement, le film, intimiste (pour un film DC), a un goût d'inachevé. L'acteur principal fait le job, l'histoire est efficace, les quelques effets "horrifiques" employés sont bien exécutés et il y a quelques bonnes idées de mise en scène ( spoiler: la bagarre dans la boîte de nuit vers la fin du film
) mais le tout manque de consistance. Les personnages secondaires portent bien leur nom tant ils sont peu développés ( spoiler: notamment les rapports entre Clayface et son agente
). Certaines transitions laissent également apparaître le fait que le film a l'air d'avoir été charcuté au montage, ce qui donne un gros sentiment de frustration. L'histoire semble bouclée pour lui mais le sentiment qui domine à la fin du métrage, c'est l'impression d'avoir vu un film amputé de certaines scènes qui auraient amenées l'univers beaucoup plus loin.

L'idée de s'intéresser à un vilain dans un film plus minimaliste était une belle idée, mais malheureusement elle ne semble pas être allée à son terme, et c'est vraiment dommage.

il y a tout ,très bon suspens,merci l'IA pour le travail sur les visages..très bon polar...
la fin est à plusieurs tiroirs, à vous de voir!!

Une origin story sombre et intéressante, sans être exceptionnelle.

Honnêtement, je n'attendais absolument rien de particulier de ce Clayface, et finalement, j'ai plutôt bien apprécié mon visionnage !

On est devant un film assez sombre, qui prend le temps de raconter la naissance d'un monstre issu de l'univers de Batman. Et pour le coup, son origin story est plutôt bien construite.

Les acteurs sont intéressants, avec quelques interprétations qui sortent clairement du lot. Le personnage principal est notamment bien exploité dans sa descente aux enfers. On suit cette star montante d'Hollywood, arrogante, persuadée que tout lui est permis, qui va progressivement perdre tout ce qu'elle a construit. Une chute brutale qui la fait passer des étoiles au fin fond de Gotham, dans ce quartier populaire où elle a grandi.

J'ai particulièrement apprécié le traitement de l'amour, de la haine et des troubles psychiques qui accompagnent la transformation du personnage. Le film joue intelligemment sur cette frontière entre l'être humain et le monstre. Il y a également quelque chose d'assez intéressant dans cette réflexion sur la célébrité : on peut être adulé du jour au lendemain, puis complètement rejeté par ses fans et par la population lorsque tout s'écroule.

Visuellement, le film propose quelques passages franchement dérangeants, parfois même assez dégoûtants ! Certaines scènes de transformation, spoiler: notamment lorsqu'il doit couper les fils au niveau de ses yeux alors que sa peau se déforme et se liquéfie,
sont particulièrement marquantes.

J'ai également beaucoup aimé la capacité de Clayface spoiler: à prendre l'apparence des personnes qu'il touche
. C'est un aspect du personnage vraiment intéressant, qui ouvre des possibilités assez géniales en matière de mise en scène et de manipulation.

Petit regret néanmoins : spoiler: on ne découvre véritablement Clayface sous sa forme monstrueuse qu'à la fin du film. C'est dommage, même si cette approche rappelle un peu celle du Joker, où le personnage emblématique se révèle progressivement au fil du récit.


Côté musique, il y a quelques thèmes vraiment intéressants et certaines compositions fonctionnent très bien. Néanmoins, on reste clairement en dessous de ce que proposait Joker. Même constat pour la réalisation : elle fait le travail, propose quelques beaux plans et une ambiance sombre plutôt réussie, mais elle n'atteint pas le niveau de mise en scène de son illustre comparaison.

Un autre bon point : sa durée ! Ça fait franchement du bien de voir un film qui ne cherche pas systématiquement à dépasser les deux heures. Aujourd'hui, beaucoup de productions s'étirent inutilement avec des séquences interminables où l'on finit par regarder sa montre. Ici, le rythme est plutôt bien maîtrisé et le film va globalement à l'essentiel.

Au final, Clayface n'est certainement pas un chef-d'œuvre et ne révolutionne pas le genre. Mais son ambiance, son traitement psychologique et son histoire m'ont suffisamment intéressé pour passer un bon moment.

On a tous apprécié, l'histoire est très vite captivante, le rythme rapide, on ne s'ennuie pas.
L'acteur principal est impressionnant!
Très bon film

LES GARS UN PURE BANGER .je
m'attendais tellement pas à ça le film est si bien purée.
Je pensais que c'était un film d'horreur au début mais que nenni, ça mélange le gore avec l'humour j'en verse ma larme svp, les acteurs jouent tellement bien.
Bref je conseille giga méga fortement ce film. (J'espère ils font une suite)

Un nouveau DC et disons que mon enthousiasme vis à vis de la firme est pas au max ! Le refont nous à pondu deux premiers films plus qu'oubliable et ce film ben je n'en attendais vraiment pas grand chose. Et bien tant mieux car pour un film classé R, misant sur l'horreur (enfin c'est un bien grand mot tout de même) et sur un personnage connu vraiment par les fans de cet univers ben fallait pas se rater. Et j'ai adoré, la gloire et la très rapide descente aux enfers puis le renouveau mais qui vire au cauchemar qui enchaîne avec la vengeance!!!! Et là pas de mode "Joker" avec le fait d'avoir le côté "il est ainsi parce qu'il à des circonstances" blablabla... il se venge, il ne fait pas semblant et on garde ce côté méchant qui monte ne lui. Nickel.
NOTE : 8/10

Une étoile pour les effets spéciaux et les scènes gores qui sortent un peu du lot. Pour le reste très peu surprenant voire mauvais par moments.

Beaucoup d'originalité, drôle, dynamique, sanglant à souhait, effets spéciaux et monstres de luxe, et chouette bande son !