Derniers Avis sur Le Parrain, 3e partie

Quelle triste fin mais qui reste tout de même légendaire. C'est l'une des meilleures trilogie du cinéma, le jeu des acteurs et actrices est magnifique, l'histoire est belle, touchante et surtout passionnante et puis j'ai pas d'autres mots pour dire que ces trois films m'ont bouleversé. Magnifique film et trilogie a ne pas rater.

Avec le recul, on peut dire que la trilogie du Parrain outre qu’elle soit composée de deux chefs d’œuvre auxquels est venu se rajouter un troisième opus d’excellente facture, s’avère être totalement cohérente notamment dans la perception qu’elle laisse à voir de la décomposition d’une famille marquée par la tragédie du sang versé y compris en son sein. Un troisième film que Francis Ford Coppola n’appelait pas de ses vœux, estimant qu’il était parvenu au bout de l’histoire de la famille Corleone après les deux premiers films. Mais la situation financière désastreuse de sa société de production Zoetrope depuis l’échec de « Coup de cœur » en 1982 qui l’a vu ne réussir à la suite que deux relatifs succès au box-office avec « Outsiders » (1983) et « Peggy Sue s’est mariée » (1986), le convainquent d’enfin réaliser ce troisième épisode de la saga.
Soulagement pour la Paramount qui depuis 1974 avait tenté d’emprunter différentes voies pour réaliser le film sans le concours de Coppola. Mario Puzo son fidèle compagnon le rejoint pour écrire ce que Coppola veut être un épilogue tragique du règne en tant que Parrain de Michael Corleone. Coppola dont l’inspiration penche plutôt vers Le roi Lear de William Shakespeare, ne retient rien des travaux d’écriture commandités par la Paramount dans l’intervalle. Al Pacino personnage central des deux autres épisodes sera bien sûr le protagoniste principal de cette lente décadence.
Michael Corleone parvenu à la fin des années 1970 a fait changer de dimension « l’entreprise familiale » qui rayonne désormais sur plusieurs Etats américains à partir de son siège du Nevada. Âgé de 60 ans, spoiler: Michael n’est plus le fringant soldat du premier épisode qui par un concours de circonstances tragique lié à l’attentat contre son père Vito suivi de la mort de son frère Sonny criblé de balles à un péage d’autoroute, s’était installé au pied levé sur un trône surtout pas convoité de sa part. Usé par un diabète qui le mine et surtout portant en lui le poids de l’assassinat de son frère Fredo commandité au cours de l’épisode précédent
, Michael Corleone est un homme seul coupé de sa famille qui le rejette hormis sa fille Mary (Sofia Coppola) qui lui voue une admiration sans limite. Ne reste plus que les honneurs rendus lors des cérémonies de remerciements pour ses dons caritatifs. La reconnaissance papale dans l’Ancienne Cathédrale Saint-Patrick de New York ne semble pourtant pas réconcilier spoiler: Michael avec lui-même quand son fils Anthony lui annonce vouloir abandonner ses études de droit pour devenir chanteur d’opéra.

Mais les affaires ne sont jamais très loin pour un Corleone qui cherche encore et toujours à faire entrer dans la légalité l’ensemble de ses intérêts. spoiler: L’acquisition d’une grande compagnie immobilière italienne via le renflouement de la Banque du Vatican en déficit mortifère (inspiré d’un scandale réel qui frappa le Vatican pendant que Puzo et Coppola écrivaient le scénario) est sans doute l’occasion d’enfin accéder à cette légitimité comme avant lui son père la recherchait. Mais le ver est déjà dans le fruit, ses partenaires new-yorkais via un parrain historique (Eli Wallach) voulant entrer dans le tour de table et la transaction rêvée se révélant très vite être une arnaque montée de longue main.

Cette quête effrénée de la respectabilité semble donc sans espoir pour un Michael Corleone qui désabusé déclare : « Juste quand je m’en croyais sorti, ils m’y ramènent ». Immanquablement les règlements de compte repartent avec cette fois-ci à la manœuvre Vincent (Andy Garcia) le fils illégitime de Sonny que Michael a pris sous son aile. Coppola sans doute un peu amer du tour qu’a pris sa carrière depuis « Apocalypse Now » (1979) dresse des ponts presque évidents entre son propre parcours déprimant et celui de Michael Corleone interprété par un Al Pacino remarquablement imprégné des tourments d’un personnage qu’il côtoie depuis presque vingt ans.
spoiler: La fin du film prenant pour théâtre l’Opéra de Palerme où le fils de Michael se produit dans « Cavalleria rusticana » de Pietro Mascagni confirme que la saga conçue par Puzo et Coppola est en parfaite symbiose avec cet art lyrique où tout est empreint de tragique
. Francis Ford Coppola qui n’est jamais meilleur que sous la contrainte montre que même s’il lui est difficile de complètement se renouveler dans ce troisième opus qui est davantage prévisible dans son intrigue comme dans sa forme esthétique et ses retournements de situations, il a su malgré tout en s’appuyant sur Al Pacino et Talia Shire le teinter de la tonalité crépusculaire seule capable d’en légitimer la conception. Le devoir accompli, Al Pacino alias Don Michael Corleone comme avant lui Marlon Brando alias Don Vito Corleone pouvait lui aussi s’affaisser d’épuisement et d’amertume dans son fauteuil de la villa de Don Tommasinno.

Pas le meilleur de la trilogie (beaucoup de clins d'oeil à des scènes cultes des 2 premiers films) mais le plus contemporain (avec le rappel de la mort de Jean Paul 1er) et une scène finale culte et grandiose dans le cadre d'un opéra.

« Le Parrain 3 » (1990) est sans doute le volet le plus difficile à comparer aux deux précédents, tant « Le Parrain » et « Le Parrain 2 » ont placé la barre extrêmement haut. Pourtant, Francis Ford Coppola signe une conclusion ambitieuse et intéressante à l’histoire de Michael Corleone.

L’histoire se déroule en 1979, soit environ vingt ans après les événements de la fin du « Parrain 2 ». On retrouve donc un Michael Corleone beaucoup plus âgé, désormais à la tête d’un véritable empire et qui cherche progressivement à tourner la page de son passé criminel. Il souhaite se racheter, rendre ses activités plus légitimes et surtout offrir une nouvelle direction à sa vie. Mais, comme souvent dans cette saga, il semble impossible d’échapper complètement au passé.

Al Pacino reste évidemment très convaincant dans le rôle de Michael, mais j’ai tout de même trouvé qu’il en imposait moins que Marlon Brando dans le premier film. Brando dégageait une présence et une autorité absolument extraordinaires dans la peau de Vito Corleone. Michael est désormais un homme vieillissant, plus marqué et plus vulnérable, ce qui correspond finalement assez bien à l’évolution du personnage. Et avec ses costumes, sa coiffure et certaines expressions, Al Pacino m’a même parfois fait penser à Nicolas Sarkozy !

J’ai particulièrement apprécié cette dimension plus tragique du film. Michael tente de sortir du monde criminel, mais les liens familiaux, les intérêts financiers et les vieilles rancœurs continuent de le rattraper. Le film montre ainsi les conséquences de tout ce qui s’est déroulé dans les deux premiers opus.

Andy Garcia apporte énormément au film dans le rôle de Vincent Mancini. Il joue très bien et se montre particulièrement crédible dans ce personnage ambitieux, impulsif et violent. Vincent rappelle d’ailleurs, par certains aspects, le jeune Michael des premiers films : il est prêt à tout pour défendre les intérêts de la famille et prendre progressivement sa place au sein de celle-ci. Sa relation avec Michael constitue ainsi l’un des éléments les plus intéressants du film.

J’ai également apprécié toute la partie autour du Vatican et des ambitions de Michael dans le monde des affaires. Coppola cherche à élargir l’univers de la saga en mêlant mafia, finance, politique et religion. Même si certains passages sont moins convaincants et que l’intrigue peut parfois sembler un peu trop complexe, l’ambition reste indéniable.

Évidemment, il est difficile de ne pas ressentir une certaine déception en comparaison avec les deux premiers « Parrain ». Le rythme est moins maîtrisé, certains personnages sont moins marquants et l’ensemble n’a pas la même puissance narrative. Sofia Coppola, notamment, est assez difficile à convaincre dans le rôle de Mary Corleone.

Malgré cela, « Le Parrain 3 » reste un film riche, sombre et profondément tragique. Sa dernière partie est particulièrement forte et offre une conclusion marquante au parcours de Michael Corleone.

Ce troisième volet n’atteint clairement pas le niveau des deux précédents, mais il reste une conclusion intéressante à l’une des plus grandes sagas du cinéma. Vingt ans après la fin du « Parrain 2 », retrouver Michael Corleone permet surtout de mesurer le poids du temps et des choix passés sur un personnage devenu profondément marqué par son propre parcours.

Un troisième « Parrain » forcément moins impressionnant que ses prédécesseurs, mais qui reste une conclusion ambitieuse, avec un Al Pacino toujours solide et un Andy Garcia particulièrement convaincant.

Une conclusion plus intime et mélancolique que les deux premiers volets. Le rythme est parfois un peu lent et certaines intrigues moins marquantes, mais l’ambiance, la mise en scène et surtout la dernière partie restent vraiment puissantes. Une belle façon de refermer l’histoire de Michael Corleone, même si le film reste légèrement en dessous de ses prédécesseurs.

Bien souvent les films a plusieurs épisodes sont inégale en terme de qualité mais là c est l un des rares exemple ou la 3 ème partie reste aussi attachante aussi bien filmé aussi prenante que les précédents. C est triste c est beau c est une pépite comme le 1 et 2 . Seul le final est comment dire traité avec trop de simplicité ais c est le dernier regard d un homme qui a tout connu et qui part seul malgres les milliards de profits. Merci Pacino

Un épilogue à la hauteur mais une souffrance tout du long avec ce Parrain épuisé, isolé et rongé par son passé mais déterminé à aller au bout de lui-même.

Cette trilogie se termine comme elle a commencé finalement. Al Pacino a passé sa vie à endosser un rôle par devoir, loyauté et amour familial. Tout cela était voué à l’échec et c’est comme ça que ce termine le film, c’est un drame familial, une tragédie théâtrale. Ce dernier chapitre clos parfaitement la série des parrains. Al Pacino était dans la maîtrise et dans la froideur par survie au final et la fin du film lui redonne quelque part cette part de vie et sa carapace se brise enfin pour lui faire ressentir et lâcher prise pleinement sur lui-même et sur les conséquences de cette vie de mafieux. Le retour de bâton est arrivé… Cette trilogie est à voir et revoir parce que les métaphores sont nombreuses et l’aspect psychologique est très puissant. On peut vraiment s’identifier avec le personnage parce que c’est des sujets qui dépassent l’univers des gangsters, ça parle d’amour, d’insouciance brisée, des rôles qu’on endosse malgré nous par amour, il y a tant à ressentir et à voir, Al Pacino arrive à donner naissance à tous ces sentiments humains que tous peuvent vivre dans leur vie. Magnifique trilogie !

Il serait tentant de regarder *Le Parrain – 3e partie* comme une nouvelle démonstration de puissance, un ultime chapitre destiné à prolonger les guerres de succession, les alliances clandestines et les cérémonies familiales de la saga. Ce serait pourtant méconnaître sa nature profonde. Francis Ford Coppola ne filme plus ici la conquête d’un empire, mais son épuisement moral. Plus qu’une suite, le film prend la forme d’une coda funèbre : celle d’un homme qui a triomphé de tous ses adversaires, sauf de sa propre mémoire.

Michael Corleone a vieilli. Son autorité demeure considérable, mais elle ne possède plus la froideur souveraine d’autrefois. Quelque chose s’est fissuré derrière le masque. Désormais soucieux de légitimer les affaires familiales, de se rapprocher de ses enfants et de retrouver une forme de paix intérieure, il voudrait croire que l’argent peut assainir le pouvoir, que la respectabilité peut effacer l’origine d’une fortune et que les bonnes actions peuvent rééquilibrer une vie construite sur la violence. Tout le film repose sur cette illusion magnifique et tragique : Michael cherche une sortie dans un monde dont il a lui-même condamné toutes les portes.

Coppola filme ainsi moins un parrain qu’un pénitent. La puissance n’est plus présentée comme un accomplissement, mais comme une prison dont les murs seraient faits de décisions anciennes. Chaque geste de réconciliation porte le poids d’une faute ; chaque tentative de retour vers la lumière révèle l’étendue de l’ombre. Le film trouve là son idée la plus forte : il est possible de quitter une organisation, de déplacer des capitaux, de changer d’entourage ou de vocabulaire, mais il est beaucoup plus difficile de sortir de l’homme que l’on est devenu.

Al Pacino embrasse pleinement cette évolution. Son Michael n’est plus une statue intimidante, mais un corps fatigué dans lequel l’autorité et la vulnérabilité se disputent chaque scène. L’acteur conserve la brusquerie, la précision et les accès de violence du personnage, tout en laissant apparaître une fragilité nouvelle. Un silence, un regard qui se dérobe ou une phrase prononcée avec une douceur inattendue suffisent à faire sentir les années de solitude accumulées. Sa performance ne cherche pas à reproduire l’immobilité glaciale de sa jeunesse : elle montre ce que cette immobilité a coûté.

Cette humanisation ne signifie jamais que le film absout Michael. Au contraire, elle rend son parcours plus sévère. Coppola ne lui offre pas le confort d’une rédemption facile. Il lui accorde des regrets, des élans sincères et une conscience de plus en plus douloureuse, mais rappelle constamment qu’éprouver du remords n’annule pas les conséquences de ses actes. C’est toute la différence entre demander pardon et mériter d’être délivré de sa culpabilité. Le personnage devient bouleversant non parce qu’il serait soudain innocent, mais parce qu’il comprend enfin la nature de ce qu’il a sacrifié.

Face à lui, Diane Keaton apporte une émotion d’une remarquable justesse. Kay n’est ni un simple souvenir du passé ni une figure destinée à valider le repentir de Michael. Elle représente ce qu’il ne peut ni acheter ni commander : le regard lucide de quelqu’un qui l’a aimé avant de comprendre ce qu’il était capable de devenir. Leurs échanges comptent parmi les moments les plus délicats du film. Une tendresse subsiste, mais elle est traversée par trop de blessures pour devenir rassurante. Coppola filme moins la possibilité d’un amour retrouvé que le vertige d’une vie qui aurait pu prendre une autre direction.

La nouvelle génération est incarnée par Vincent Mancini, auquel Andy Garcia prête une énergie féline, une insolence séduisante et une brutalité presque instinctive. Là où Michael pèse chacun de ses mots, Vincent agit comme si le monde ne pouvait jamais aller assez vite. Son tempérament donne au récit une impulsion bienvenue et permet au film d’interroger la transmission du pouvoir : peut-on hériter d’un nom sans reproduire sa violence ? Peut-on entrer dans la famille sans être progressivement façonné par elle ?

Garcia possède le charisme nécessaire pour rendre cette ascension crédible, mais l’écriture précipite parfois son évolution. Vincent passe rapidement de jeune homme impulsif à figure centrale d’un jeu politique complexe, sans que toutes les étapes de cette métamorphose aient le temps de s’imprimer. Le personnage fonctionne admirablement comme symbole de la permanence du système Corleone ; il convainc moins totalement comme trajectoire autonome. Sa fougue est passionnante, mais elle aurait mérité davantage d’espace pour se transformer sous nos yeux.

La relation qu’il entretient avec Mary constitue l’un des points les plus fragiles de l’ensemble. Sofia Coppola apporte au personnage une douceur et une gaucherie qui conviennent à une jeune femme longtemps préservée des réalités de sa famille. Sa présence possède même, par instants, une innocence désarmante. Cependant, son jeu manque de précision lorsque l’intensité dramatique augmente, ce qui limite la profondeur de certaines scènes et affaiblit une relation pourtant essentielle à l’équilibre émotionnel du récit. Mary existe davantage comme l’incarnation de ce que Michael souhaite protéger que comme une personnalité pleinement développée.

Cette fragilité révèle un problème plus général : le scénario sait parfaitement où il veut conduire ses personnages, mais ne donne pas toujours la même densité au chemin qui les y mène. La construction est ambitieuse, parfois admirable, mais aussi encombrée. Les enjeux familiaux côtoient une vaste intrigue mêlant finance internationale, intérêts mafieux et institutions religieuses. Cette extension du territoire de la saga est intellectuellement passionnante. Elle montre que la criminalité ne disparaît pas lorsqu’elle abandonne les ruelles sombres : elle change de costume, adopte le langage des conseils d’administration et s’installe dans les lieux les plus respectables.

Le rapprochement entre le monde mafieux et les sphères économiques ou spirituelles produit une ironie particulièrement mordante. Michael cherche la légitimité auprès d’institutions qui s’avèrent elles-mêmes contaminées par l’argent, le secret et les rapports de force. Il pensait pouvoir purifier son empire en l’élevant vers les sommets de la société ; il découvre surtout que ces sommets obéissent aux mêmes logiques que les bas-fonds. Le film devient alors une réflexion ample sur la respectabilité comme mise en scène du pouvoir.

Cette dimension manque toutefois de clarté. Les transactions, les intermédiaires, les alliances et les retournements s’accumulent au point de rendre certains passages inutilement opaques. Le spectateur comprend le mouvement général, mais peut perdre de vue les motivations précises de personnages secondaires qui ressemblent parfois davantage à des rouages qu’à des êtres humains. Le récit se montre plus convaincant lorsqu’il revient au drame intime de Michael que lorsqu’il détaille les ramifications de son échiquier financier.

L’absence de Tom Hagen crée également un vide sensible. Il ne s’agit pas seulement de regretter un personnage familier : Tom occupait une place structurelle unique. Il était à la fois frère, conseiller, juriste et témoin silencieux de la transformation de Michael. Il savait parler le langage de la loi comme celui de la famille, ce qui en faisait l’interlocuteur idéal pour accompagner une intrigue fondée sur la recherche de légitimité. Sans lui, plusieurs discussions stratégiques perdent la tension affective qui aurait pu les rendre plus incarnées.

La mise en scène de Coppola demeure néanmoins d’une imposante maîtrise. Les cérémonies, les palais, les églises et les vastes demeures ne servent pas seulement à créer du prestige : ils enferment les personnages dans une architecture plus ancienne et plus puissante qu’eux. Les décors paraissent chargés de traditions, de dettes et de regards invisibles. Le luxe n’a rien de chaleureux. Il ressemble à la décoration d’un mausolée familial dont Michael serait à la fois le propriétaire et le prisonnier.

La photographie de Gordon Willis conserve cette manière incomparable d’utiliser l’ombre non pour dissimuler l’action, mais pour révéler la part inaccessible des personnages. Les visages émergent d’intérieurs sombres, les ors semblent déjà ternis et la lumière italienne elle-même possède une gravité automnale. Le film est visuellement plus exposé que ses prédécesseurs, mais jamais véritablement lumineux. Sa beauté paraît consciente de sa propre disparition.

Coppola retrouve également son goût des rituels et des montages parallèles, associant les gestes de la famille, de la religion, de l’art et de la violence jusqu’à les rendre presque indissociables. Le dernier mouvement atteint une ampleur opératique remarquable. La mise en scène y organise les regards, les déplacements et les menaces avec une précision qui donne au film toute sa dimension tragique. La grandeur du spectacle ne vient jamais masquer l’intimité de l’enjeu : plus l’orchestration devient monumentale, plus Michael apparaît humainement démuni.

Le cinéaste se répète parfois. Certaines cérémonies, certaines compositions et certains contrastes semblent rejouer des motifs déjà inscrits dans l’identité de la saga. Tantôt ces échos donnent l’impression d’un destin qui se referme ; tantôt ils ressemblent à une volonté trop appuyée de retrouver une majesté passée. Le film oscille ainsi entre une œuvre réellement nouvelle sur le vieillissement et une variation consciente sur des formes devenues mythiques.

C’est précisément ce qui le rend aussi fascinant qu’inégal. *Le Parrain – 3e partie* n’atteint pas toujours l’évidence narrative, la densité ou l’équilibre de ses illustres prédécesseurs. Son intrigue est plus laborieuse, certains personnages moins profondément écrits et plusieurs transitions trop rapides. Mais le réduire à ces imperfections reviendrait à ignorer ce qu’il accomplit de plus précieux : donner une fin morale à l’histoire de Michael Corleone.

Il ne s’agit plus de savoir jusqu’où un homme est prêt à aller pour acquérir le pouvoir, mais de découvrir ce qu’il lui reste lorsqu’il l’a obtenu. Coppola répond par un film grave, somptueux et profondément mélancolique, où la réussite matérielle apparaît comme la plus amère des défaites. Un grand film imparfait, dont les failles sont visibles, mais dont la vision demeure saisissante : on peut régner sur une famille, une entreprise ou un empire, sans jamais parvenir à gouverner les conséquences de sa propre vie.

Spoilers:

spoiler: Le Parrain – 3e partie n’est pas véritablement l’histoire d’une famille criminelle poursuivant son ascension. C’est l’histoire d’un homme qui découvre, trop tard, qu’on ne négocie pas avec ses fantômes. Michael Corleone a gagné tout ce qu’il était possible de conquérir : l’argent, l’autorité, la respectabilité, la peur des autres. Il ne lui reste pourtant aucune victoire à obtenir, seulement des fautes à racheter. Or Coppola construit précisément son film autour de cette idée tragique : certaines dettes morales ne peuvent plus être remboursées, même par l’homme le plus puissant du monde. Michael apparaît désormais moins comme un souverain que comme le gardien épuisé de son propre tombeau. Il veut légitimer les affaires familiales, se rapprocher de ses enfants, reconquérir l’estime de Kay et acheter, par la philanthropie, la paix que ses crimes lui refusent. Mais chaque tentative de sortie le ramène au centre du labyrinthe. Plus il approche des institutions supposées représenter la légalité et la spiritualité, plus il découvre une corruption semblable à la sienne, simplement protégée par des palais plus vastes, des vêtements plus solennels et un vocabulaire plus respectable. La pègre n’est plus cantonnée aux arrière-salles : elle s’est fondue dans la banque, la politique et l’Église. Cette extension du pouvoir mafieux donne au film une ambition passionnante. Le mal n’y est plus seulement une affaire de règlements de comptes entre familles, mais un système international où le capital, la foi et le crime parlent secrètement la même langue. Le projet Immobiliare devient ainsi le miroir parfait du rêve de Michael : transformer l’argent sale en puissance légitime. Coppola montre cependant que l’argent ne se purifie pas en changeant de propriétaire. Il circule, se blanchit, finance des œuvres charitables, traverse les frontières et les institutions, mais conserve toujours la mémoire du sang versé. Cette intrigue financière et vaticane constitue aussi l’une des limites majeures du récit. Les alliances, trahisons, conseils d’administration et intermédiaires ecclésiastiques s’accumulent jusqu’à produire une opacité parfois plus administrative que dramatique. Le film comprend parfaitement ce qu’il veut dire, mais ne trouve pas toujours la manière la plus limpide de le raconter. Certains antagonistes ressemblent davantage aux pièces d’un mécanisme qu’à des présences pleinement incarnées. La menace est immense, diffuse, presque métaphysique, mais elle manque parfois d’un visage aussi marquant que le conflit intérieur de Michael. L’absence de Tom Hagen se fait particulièrement sentir. Ce personnage représentait autrefois la zone de contact entre la raison juridique, la fidélité familiale et la violence clandestine. Sans lui, Michael perd non seulement un frère, mais aussi son interlocuteur le plus subtil. B. J. Harrison remplit une fonction narrative comparable sans posséder la profondeur affective nécessaire. Il conseille Michael, là où Tom Hagen aurait pu le juger, le comprendre et lui rappeler tout ce que la famille avait sacrifié en chemin. Ce vide prive plusieurs scènes politiques de la tension intime qui faisait la grandeur des négociations dans les épisodes précédents. En revanche, Michael trouve en Vincent Mancini un héritier aussi séduisant qu’inquiétant. Andy Garcia lui prête une énergie animale, une élégance agressive et une impatience qui rappellent immédiatement le tempérament de Sonny. Vincent est encore capable d’aimer, de rire et de désobéir ; il semble donc plus vivant que Michael. Mais cette vitalité contient déjà sa condamnation. Sa montée vers le pouvoir ne constitue pas une régénération de la famille : elle prouve que la famille est incapable d’imaginer sa survie autrement que par la reproduction de ses pulsions les plus destructrices. Son évolution reste néanmoins trop rapide. Vincent passe du statut de bâtard impulsif à celui de successeur avec une facilité qui réduit la portée de sa transformation. Le film affirme sa légitimité plus qu’il ne la construit. Sa relation avec Mary devait humaniser son ambition et rendre son choix final plus douloureux, mais leur romance manque de densité. L’interdit familial, le désir et la menace sont bien présents ; il leur manque une progression assez profonde pour devenir le véritable cœur émotionnel du récit. Sofia Coppola apporte à Mary une gaucherie, une douceur et une absence de sophistication qui correspondent à la jeune femme protégée du monde réel que le personnage est censé être. Cette fragilité possède parfois une vérité désarmante, particulièrement lorsqu’elle se retrouve face à Michael. Mais les limites de son jeu affaiblissent les échanges amoureux avec Vincent et empêchent Mary d’exister pleinement en dehors de sa fonction symbolique. Elle représente l’innocence que Michael croit avoir préservée, davantage qu’elle ne devient une personnalité autonome. Ce déséquilibre n’anéantit pas le dénouement, mais il l’empêche d’atteindre toute la puissance que son architecture tragique promettait. Le véritable sommet humain du film se situe ailleurs, dans les retrouvailles entre Michael et Kay. Diane Keaton ne joue pas une femme reconquise, mais une femme qui reconnaît encore l’homme qu’elle a aimé sous les ruines de celui qu’il est devenu. Sa présence retire à Michael toute possibilité de se réfugier derrière son autorité. Face à elle, il n’est plus le Don, seulement un ancien mari demandant qu’on distingue ses intentions de leurs conséquences. Leur promenade en Sicile, leurs souvenirs et leurs sourires hésitants font apparaître, pendant quelques instants, la vie qui aurait pu être la leur. Cette tendresse est d’autant plus bouleversante qu’elle ne répare rien. Talia Shire compose parallèlement une Connie fascinante. La jeune sœur autrefois humiliée et maltraitée est devenue une gardienne implacable de la dynastie. Elle s’est adaptée au monde qui l’a détruite jusqu’à en maîtriser les règles. Sa douceur cérémonielle dissimule désormais une volonté meurtrière. Là où Michael rêve de sortir de la criminalité, Connie veille à ce que la famille demeure capable de tuer. Elle représente la victoire définitive du système Corleone : même ses victimes ont fini par devenir ses continuatrices. Al Pacino livre quant à lui une interprétation remarquable, précisément parce qu’il refuse de reproduire à l’identique le Michael glacial de sa jeunesse. Son personnage a perdu sa rigidité minérale. Son corps se fatigue, sa voix se brise, sa colère devient moins maîtrisée et sa solitude affleure derrière chaque geste. Michael ne contrôle plus totalement l’image qu’il donne. La maladie le frappe au milieu de ses gardes, le remords envahit ses silences et le nom de Fredo suffit à fissurer des décennies de discipline. La confession constitue le centre moral du film. Face au cardinal Lamberto, Michael prononce enfin l’acte qu’aucune justification familiale ne peut recouvrir : il a fait tuer son frère. Pacino ne cherche pas l’effet spectaculaire. Il laisse les mots sortir comme s’ils avaient attendu des années derrière une porte condamnée. Michael peut reconnaître sa faute, recevoir l’absolution et aspirer au pardon ; il ne peut pas ressusciter Fredo. La religion peut lui proposer une grâce spirituelle, mais le récit, lui, ne lui accorde aucune remise de peine dramatique. La mise en scène de Coppola retrouve régulièrement une majesté funèbre. Les palais, les églises, les salles de réception et les demeures siciliennes ne sont jamais de simples décors : ils écrasent les personnages sous le poids des institutions, de la tradition et de l’histoire familiale. Gordon Willis travaille une lumière plus automnale que dans les premiers films. Les ors semblent ternis, les rouges plus sombres, les visages davantage exposés à la fatigue. Ce monde conserve son faste, mais il a déjà l’apparence d’un mausolée. Coppola n’échappe pas toujours à l’auto-citation. La fête familiale, les cérémonies religieuses, les portes qui séparent les êtres et le montage parallèle des assassinats réactivent des formes déjà associées à la saga. Certains rappels possèdent la force du destin ; d’autres paraissent souligner avec insistance une continuité que le film aurait pu laisser respirer. Le récit hésite ainsi entre l’épilogue mélancolique et la reconstitution des grands mouvements qui ont fait la puissance de ses prédécesseurs. Mais cette hésitation disparaît presque entièrement lors de la séquence finale au Teatro Massimo. En enchâssant les règlements de comptes dans une représentation de *Cavalleria rusticana*, Coppola transforme le film en opéra tragique au sens littéral. La scène, la salle, les coulisses, les escaliers et les rues de Palerme deviennent les différents espaces d’un même sacrifice. L’honneur, la jalousie, la religion et la vengeance représentés sur scène se prolongent dans la vie des Corleone. La fiction lyrique ne commente plus le drame : elle l’absorbe. Le montage orchestre alors les meurtres avec une précision souveraine. Les gestes les plus élégants côtoient les actes les plus sordides ; la musique élève la violence sans la rendre noble. Chaque adversaire éliminé semble confirmer le triomphe de Michael, tandis que le spectateur comprend que cette victoire est déjà inutile. Vincent peut recevoir le pouvoir, les ennemis peuvent tomber et les comptes peuvent être réglés : quelque chose d’irremplaçable se dirige néanmoins vers la mort. Sur les marches de l’opéra, le film atteint enfin sa vérité la plus cruelle. La balle destinée à Michael frappe Mary. Toute sa vie, il a prétendu commettre le mal afin de protéger sa famille ; le mal finit par tuer précisément l’enfant qu’il voulait préserver. Son cri d’abord privé de son est une idée de mise en scène extraordinaire. La douleur dépasse la voix, suspend le temps et retire soudain au chef mafieux toute grandeur mythologique. Quand le son revient, il ne reste plus qu’un père anéanti. La mort physique de Michael, bien plus tard, n’est qu’une formalité. Sa véritable disparition a eu lieu sur ces marches. Le vieil homme qui s’effondre seul en Sicile n’est plus qu’un survivant condamné à porter le souvenir de sa fille, de Fredo, de Kay et de toutes les vies qu’il a détruites en prétendant sauver les siennes. Il obtient finalement ce qu’il désirait depuis le début : il quitte les affaires, échappe à ses ennemis et atteint un âge avancé. Coppola transforme chacun de ces privilèges en punition. Le Parrain – 3e partie demeure une œuvre inégale, parfois encombrée par son intrigue, fragilisée par certains choix de distribution et moins organique dans sa construction que les deux premiers volets. Mais ses imperfections n’annulent ni son ambition ni sa puissance. C’est un film sur l’après du pouvoir, sur le moment où la victoire cesse de protéger celui qui l’a obtenue. Un film fatigué, solennel, douloureux, qui porte ses propres cicatrices comme Michael porte les siennes. Il ne clôt pas la saga par un dernier couronnement, mais par une condamnation. Michael Corleone avait réussi à vaincre tous ceux qui se dressaient devant lui. Il lui restait à affronter le seul ennemi qu’il ne pouvait ni acheter, ni intimider, ni faire assassiner : la mémoire.

Mon favori, et une très belle conclusion à la trilogie. Michael tente une rédemption et finit par subir les conséquences de ses choix passés.

J’ai adoré Andy Garcia dans le rôle de Vincent Corleone. Il parvient à tenir tête à l’écran à Al Pacino, et le reste du casting est tout aussi excellent.

Le visionnage est également plus agréable, il y a moins de personnages à suivre, ce qui rend l’ensemble plus fluide et plus facile à suivre.

Dans la première partie du film le rythme est lent et puis le film part en apothéose sur la scène trop tardive mais parfaite de l'opéra.
Al Pacino est comme à son habitude intense et profond.
Dommage qu'on ait pas pu avoir Winona Rider comme prévu je pense que ça aurait pu donner une toute autre sensibilité au film.

Un véritable chef d'oeuvre. Ce dernier opus viens clore avec brio la saga que Mario puzo nous à fait vivre avec merveille et émotions. Probablement l'une des meilleures trilogie au monde de tout les temps.

Avec Le Parrain, 3e partie, Francis Ford Coppola clôt sa saga sur une note crépusculaire, centrée sur la culpabilité et la quête de rédemption. Al Pacino y incarne un Michael Corleone vieillissant, dont la fragilité contraste avec la froideur passée. Le film tente d’élargir ses enjeux vers le politique et le spirituel, mais cette ambition reste parfois dispersée. Certaines séquences retrouvent la puissance des opus précédents, tandis que d’autres peinent à atteindre la même intensité. Reste une conclusion honorable et mélancolique, mais qui souffre inévitablement de la comparaison avec les deux premiers volets.

Excellent !!!

Ce dernier et troisième film de la célèbre trilogie « Le Parrain », toujours réalisé par Francis Ford Coppola est très intéressant !

Déjà le jeu de Al Pacino, Diane Keaton ou même encore Andy Garcia et évidemment le reste du casting est parfait !
La réalisation est toujours au top aussi !

Puis au niveau du scénario, bah c’est extrêmement différent des deux premiers films, déjà on y retrouve un Micheal Corleone beaucoup plus âgé, et donc très affaibli car le film ce déroule en partie en 1979 alors que la deuxième partie ce finissait en 1959, il s’écoule donc 20ans entre les deux films !
Tout ces enfants sont adultes et ne s’intéressent pas aux affaires familiales, néanmoins Vincent (Andy Garcia ), le neveu de Micheal Corleone se manifeste beaucoup dans l’intrigue ce qui l’a rend très intéressante, il y a très peu voir pas de longueur et la fin du film est très bien faite, assez étonnante et surtout bouleversante…

Le petit truc assez perturbant dans le film c’est qu’on dirait que Al Pacino et Diane Keaton ont été vieilli par les maquillages avec exagération !

En conclusion, cette troisième partie est très à part comparé aux deux premiers car la, on s’intéresse quasiment que à Micheal et non Vito, mais la fin est très réussite !!!

A voir !!!

Micheal Corleone se fait vieux, il désire se racheter aux yeux de l’église catholique et devenir quelqu’un de respectable. Tout en pensant à cela, il prend sous son aile son neveux Vincent. Et peu à peu, les deux hommes vont se rapprocher l’un de l’autre jusqu’à que Michael lui propose de reprendre les affaires de la famille.
Le troisième et dernier film de la famille Corleone moins bien que les deux premiers mais qui reste quand même plutôt agréable à regarder.